Categoría: Teatro La Latina

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Alejandra Mayo Alejandro Saá Alicia Garau Daniel Acebes El Castigo Sin Venganza Ernesto Arias Lope de Vega Rakatá Rodrigo Arribas Teatro La Latina

El Castigo Sin Venganza

Título:
El Castigo Sin Venganza

Autor:
Lope de Vega

Lugar:
Teatro La Latina

Elenco:
Rodrigo Arribas (Federico)
Alejandra Mayo (Casandra)
Jesús Fuente (Duque)
Elena González (Lucrecia)
Alejandro Saá (Batín)
Julio Hidalgo (Marqués Gonzaga)
Alicia Garau (Aurora)
Daniel Acebes (Floro)
Andrés Bernal (Ricardo)

Vestuario:
Susana Moreno

Escenografía:
Almudena López Villalba

Iluminación:
Chahine Yavroyan

Música:
Santiago Ibarretxe

Dirección:
Ernesto Arias

Me gusta la gente que arriesga, que se tira a la piscina y que creen en sus propuestas. Como es el caso de La Fundación Siglo de Oro (RAKATá). Que con la que está cayendo ponen sobre las tablas nada más y nada menos que dos montajes de Lope de Vega a la vez, titulándolo Ciclo del Siglo de Oro. Y como las antiguas compañías de repertorio llevando El Perro del Hortelano y El Castigo Sin Vengaza, por los escenario, casi en doble sesión, para disfrute del personal.
Ya es la segunda vez que plantan su propuesta en la capital, antes de marcharse a hacer gira internacional, incluyendo el famoso Globe que les dio fama cuando fueron seleccionados para mostrar su versión de Enrique VIII y que ahora contarán con otra azaña más que sumar a su curriculum relacionada con el mismo espacio, la de ser los primeros en interpretar sobre ese escenario una función que no sea de Shakespeare. ¡Ahí es nada!
Pero bueno, actualmente, lo que están haciendo es ese ciclo del que hablaba en el Teatro de La Latina, otro Mihura con el que lidiar en pleno mes de Junio. Un reto que superan con olgura con esta propuesta que juega con la sencillez de su puesta en escena y con unas interpretaciones que van creciendo junto a la función.
Confieso que vi una de sus funciones de El Perro del Hortelano que resultó un tanto complicada en los Teatro del Canal que me desilusionó bastante, aunque ahora me han chivado que la cosa ha mejorado sustancialmente, y venía temeroso de ver qué era a lo que me iba a enfrentar cuando viera El Castigo Sin Vengaza. Pues bien, lo disfruté y mucho.
Cuanta con un verso bastante asequible para todo tipo de públicos, con pasajes ciertamente bellos, de esos que dan ganas de memorizar; una trama poco común para lo que solemos ver de Lope de Vega y con una puesta en escena muy plástica, que entre escenografía e iluminación llega a tener un aire pictórico que le regala una épica y un dramatismo muy potentes. Hay momentos en los que uno parece estar cotemplando un cuadro que cobra vida, como esa fantástica presentación del Duque, y con mención aparte de ese maravilloso e impactante desenlace. No sé cómo harán para mantener toda esta plasticidad cuando se la lleven al Globe, ya que allí se representará a plena luz del día y con el mínimo de escenografía… ¡Ya nos contarán!
Quizá en momentos la función sufre algunos altibajos, aunque acaba por estabilizarse en cuanto somos conscientes de que aquí se masca la tragedia. Creo que nunca había visto un Lope tan sorprendentemente cruel como el que se nos presenta en El Castigo Sin Venganza y os confieso que me encantó.
Ernesto Arias dirige con gusto a unos actores que, como viene siendo habitual en la compañía, juegan con el texto, dan el ritmo apropiado al verso y nos lo sirven en bandeja, trabajándolo con un gusto exquisito. Es cierto que no todas las interpretaciones van en la misma sintonía y algún actor debería bajar el aspaviento y el ademán porque, más allá de provocar una pretendida comicidad y aligerar la intensidad de algunos pasajes, resulta incómodo y algo molesto para la trama. Pero esto no resta para disfrutar de otros miembros del reparto como son Alejandra Mayo a la que le sienta igual de bien ser sirvienta que señora o Rodrigo Arribas que cuenta con los versos más bellos de la función y que son tan disfrutables de la forma en la que nos los hace llegar. Los dos juegan con una estupenda complicidad y una medida vis cómica, para llevarnos confiados a ese inesperado desenlace. No quiero dejarme sin mención a Alejandro Saá quien nos guía con mano experta hacia el interior de la función, aunque parezca que el autor lo deje algo olvidado hacia el final, o Alicia Garau de la que me encantó su evolución a lo largo de la trama.
El Castigo Sin Venganza es un montaje que he disfrutado con ganas; sencillo, pero efectivo, y que además creo que es de esas funciones que ayudan a acercar el Siglo de Oro a la gente que se enfrenta por primera vez al teatro en verso, que se olvida un poco del típico enredo cómico-amoroso que estamos acostumbrados a ver y que yo, personalmente, agradezco infinitamente.
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Asier Etxeandia Álvaro Tato El Intérprete Enrico Barbaro Gherardo Catanzaro musica musicales Tao Gutiérrez Teatro Teatro La Latina

El Intérprete

Título:
El Intérprete
Lugar:
Teatro La Latina
Dramaturgia:
Álvaro Tato
Elenco:
Asier Etxeandia
Músicos:
Gherardo Catanzaro (Piano)
Tao Gutiérrez (Percusión)
Enrico Barbaro (Contrabajo)
Dirección Musical:
Tao Gutiérrez
Producción:
Factoría Madre Constriktor
Dirección de Escena:
Álvaro Tato, Lautaro Perotti y Santiago Marín
Ayer asistí a una de esas noches que se convertirán por derecho propio en inolvidables, de las que uno se guarda dentro de su chistera particular por lo mágicas y especiales. De esas que después todos comentan y tú sonríes pensado «Yo estuve allí».
Ya advierto que no pienso tener medida a la hora de escribir esta crónica. Primero porque no me apetece y la emoción no me lo permite y Segundo porque Asier Etxeandía no se merece ningún tipo de comedimiento, él no lo tuvo anoche, no hay porqué tenerlo ahora.
La verdad que ya íbamos predispuestos a ver algo con tintes de poder llegar a ser GRANDE. El recital en el Ambigú del Matadero ha sido tan comentado y recomendado por todos, que era de idiotas dejar pasar la ocasión de unirse a esta legión de «amigos invisibles» que tiene nuestro, desde ahora amado, Hombre Lobo-Asier.
Es casi imposible describir la cantidad de sentimientos que a uno se le disparan mientras está viviendo «El Intérprete». Desde el primer minuto Asier nos hace partícipes de este espectáculo. Este es «su» espectáculo, pero también lo hace nuestro invitándonos a adentrarnos en sus recuerdos, a vivirlos, a sentirlos, con lo que si ese espectáculo es suyo y nos invita a meternos en él, aceptamos a acabar siendo también suyos, ¿y quién se puede resistir a que así sea? Los que anoche estábamos allí desde luego que no.
Que alguien te coja de la mano y te pasee por un repertorio en el que se entremezclen Kurt Weill, Madonna, Chavela Vargas, David Bowie, Carlos Gardel, Rolling Stones… No es que lo aceptes como lo mas normal, si no que  acabas por rogar para que así sea, porque estás deseando con todas tus fuerzas que te haga vibrar, y eso es algo que lo consiguen muy pocos. Asier tiene ese «don» de poder ser un «ángel tentador» o un «demonio purificador» que te zarandea, te manosea, que te besa el alma, que te agarra de las entrañas con una sonrisa seductora, que provoca que se te salten las lágrimas de la emoción y que acabe carcajeándose de ello porque todo es efecto del momento.
Nos invita a andar por la cornisa del tiempo junto a él, y es cierto que da vértigo, pero él se encarga de sujetarnos por la cintura mientras nos susurra al oído canciones llenas de melancolía y desamor, convenciéndote para que saltes junto a él y en esa caída libre gritar hasta que se te salga el alma por la boca a golpe de un adrenalítico rock & roll. Quizá pueda asustar un poco que alguien te abra las puertas a lo prohibido y te deje entrar sin restricciones, pero ya lo dice él: «No me tengas miedo, solo soy un actor», así que ¿por qué no vamos a entrar en el juego?
Valiente puede ser un buen adjetivo para calificarlo e incluso suicida, porque lo que hizo anoche fue lanzarse de cabeza con todas las consecuencias, abriéndonos los brazos a su universo particular y solitario donde la mayoría de nosotros también hemos habitado. Nadie tiene la elegancia y la clase que exuda Asier Etxeandia, tan pronto te recita un poema de amor como da un golpe de cadera y nos lanza al lado mas oscuro de la vida de ese niño que nos habla desde el Bilbao de 1984, pero siempre cercano, muy próximo a todos los amigos invisibles que acudimos invocados anoche.

Con este entusiasmo no quiero olvidarme de Álvaro Tato en la dramaturgia y en la dirección de escena que comparte con Lautaro Perotti y Santiago Marín, que son los responsables de canalizar esta explosión de sentimientos y recuerdos. Y, por supuesto, el superlativo trabajo de esos tres maravillosos músicos que contribuyeron a llenar de magia el Teatro de La Latina. Tao Gutiérrez en la percusión, que además lleva a sus espaldas la dirección musical del espectáculo, Enrico Barbaro en el contrabajo y Gherardo Catanzaro en el piano. Impresionante como suena esta banda, como acompañan y contribuyen a que Asier cree ese universo de Niño Perdido con el que tanto gozamos anoche. Imposible quedarse quieto en la butaca y no unirse a la bacanal musical que nos propusieron los cuatro artistas ayer por la noche, ayer 22 de Marzo de 2013, una noche para no olvidar.
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Benja Lorenzo Cesar Belda Disney Guillermo Tort musica Olga Antúnez Teatro La Latina

Los Amigos de Walt Disney – Entrevista a Olga Antúnez

Diseño Laura Merlos

Este puente pasado Olga Antúnez, directora del espectáculo «Los Amigos de Walt Disney», me propuso que me volviera a poner mi traje de niño y me acercara al Teatro La Latina a ver este espectáculo musical que hace un recorrido por las canciones y los personajes mas conocidos del Universo Disney.

La verdad es que me lo pasé muy bien viendo el espectáculo.
Aplaudo el cuidado que se ha puesto en los arreglos y a la hora de interpretar las canciones; incluso me sorprendió encontrarme con algún momento en el que se «reinventan» algunos de los clásicos, jugando con las melodías que todos conocemos y aportando un granito de originalidad,  una visión diferente, haciendo que sea atractivo tanto para niños y como para mayores. Es un placer escuchar a los artistas cantando con una banda en directo y no con un sonido enlatado, hacen que este espectáculo gane en consistencia frente a aquellos otros que usan sonidos pregrabados y que pierden cierta frescura.

Aquí os dejo la entrevista que hice a Olga Antúnez para que nos cuente qué es lo que nos vamos a encontrar a todos los que nos acerquemos por allí a recuperar un pellizco de nuestra infancia.

En Un Entreacto.- Para comenzar y poner en situación a los lectores de En Un Entreacto, ¿Quién es Olga Antúnez y cómo ha acabado metida en este jaleo?

Olga Antúnez.- Siempre he pertenecido al mundo de la farándula, aunque estudié marketing y publicidad. 
He trabajado en producción en cine y teatro, creado y dirigido eventos como los premios de los musicales y soy representante de actores y productora de espectáculos junto a mi socia Ruth Franco con la que fundamos Hechizo Producciones.

EUE.- ¿Cómo ha surgido la idea de hacer “Los Amigos de Walt Disney”?

OA.- Lo cierto es que “Los amigos de Walt Disney” ha tenido muchos montajes anteriores, como “Sueña con Disney”, “La magia de los musicales”, “El hechizo de los musicales”, etc… Espectáculos que desde hace 8 años llevamos haciendo por España, en distintos formatos, y que ha evolucionado hasta llegar a este con 15  actores/cantantes y banda de 5 músicos en directo.
Pero la razón principal ha sido que creo que hace falta en esta época de crisis y de incertidumbre, volver a ser un niño… aunque sea por unas horas. Por eso he creado “Los Amigos de Walt Disney”, para intentar que los adultos se permitan, al menos el tiempo que dura el espectáculo, despertar al niño que llevan dentro, que en algunos casos está un poco dormido, y que disfruten con las canciones con las que todos hemos crecido y con las películas que ven con sus hijos. Es un espectáculo para grandes y pequeños.

La Compañía – Fotografía Ariel S. Boissiere

EUE.- En este espectáculo, tu nombre está vinculado tanto a la dirección artística, como musical, y  además formas parte de la producción. De todos estos campos ¿en cuál te ves mas cómoda? ¿Qué te ha aportado trabajar en cada uno de ellos?

OA.- Yo soy de producción, lo llevo en las venas, pero es un proyecto que lleva años en mi cabeza y que quería desarrollar, dentro de las posibilidades que teníamos, tal y como lo había imaginado.

Israel López y La Cía – Fotografía Ariel S. Boissiere

La parte creativa ha sido un trabajo de equipo, contar con esta compañía ha sido un verdadero lujo tanto por la parte profesional como por la humana.
Ha sido una suerte, volver a trabajar con profesionales como Cesar Belda, director musical del espectáculo,  que es un genio como músico y como arreglista.
 Guillermo Tort, nuestro coreógrafo, que nos ha obsequiado con su talento y su carisma.
Con Benja Lorenzoque ha creado los textos y la dirección de escena,  y que me ha ayudado en producción, convirtiéndose en mi mano derecha y pilar indispensable en la compañía.
Y el elenco de actores y cantantes , y equipo técnico que tenemos, del que estoy orgullosa, no solo porque han aportado su talento y su profesionalidad, si no que han contribuido a la creación del espectáculo.

EUE.- Tal y como está el panorama cultural, ¿ha sido muy complicado conseguir ponerlo en pie?

OA.- La cultura siempre está en crisis, pero es cierto que hemos pasado por unos meses de incertidumbre, subidas de IVA y  problemas derivados de la situación actual, que han hecho que se retrasara el estreno.

La Compañía – Fotografía Ariel S. Boissiere

Tengo que dar las gracias al personal de la productora Coral Europa, y sobre todo a Juan Baena, productor de “Los Amigos de Walt Disney”, por confiar en este proyecto y seguir adelante con un espectáculo familiar, que lleva 15 actores y 5 músicos en directo.
Levantar el telón cada día en el Teatro La Latina, ha sido un sueño hecho realidad porque conseguir que los sueños se cumplan es muy difícil, pero conseguir que se hagan realidad en estos tiempos que corren… Es casi un imposible.
Hay que agradecer a los productores como Juan Baena que se dan cuenta que en tiempos de crisis es cuando es más necesario apostar por la cultura.

Erika Bleda, Jose Mª del Castillo y Cía – Fotografía Ariel S. Boissiere

EUE.- ¿Qué aporta de nuevo a las anteriores propuestas que han optado por un repertorio de canciones Disney?

OA.- Creo que es un conjunto de cosas, porque conciertos y montajes de Disney hay muchos, pero conseguir que los niños disfruten y que los padres también lo pasen igual o casi mejor que los más pequeños, es un trabajo de muchos meses.
Es cierto que Disney ya viene con una base muy sólida y con canciones ganadoras de Oscars, pero hay que hacer 90 minutos de espectáculo mezclando lo entretenido con lo artístico.
Además hemos diseñado un vestuario muy  divertido, que les da un toque de dibujo animado a príncipes y princesas; unos arreglos musicales novedosos y unas coreografías muy alegres, pero sobre todo, el tener la música y las voces en directo hacen que se pueda apreciar el talento que hay sobre el escenario.

Y lo más importante, es que los actores y músicos se lo pasan muy bien, y consiguen trasmitir ese buen rollo al público.

Sergio Marló e Inma Fernández – Fotografía Ariel S. Boissiere

EUE.- ¿Por qué esa selección de canciones?

OA.- ¡Son las que tienen que estar!  jajaja Tuvimos una reunión toda la compañía y prácticamente las seleccionamos entre todos.
Hay canciones que deben estar como el bloque de Princesas Disney, “Bajo el mar” o el Rey León; otras son quizá menos comerciales pero que musicalmente son una obra maestra o cuentan una historia que nos gustaba…
La verdad es que nos costó mucho dejar fuera canciones como “Bésala”de La Sirenita, o “Hazle saber que la quieres” de Encantada, que las meteremos en una versión larga que tengo en mente…

EUE.- ¿Quiénes son las personas que forman el elenco de cantantes y músicos? ¿Cómo han sido seleccionadas?

OA.- La mayoría del elenco es gente con la que ya había trabajado, o gente a la que he visto en musicales y con las que tenía ganas de trabajar.
Hicimos un casting para ver donde podían encajar dentro del montaje, y qué personaje Disney podían hacer, ya que todo el elenco es solista en alguna canción y coros en las canciones de sus compañeros.
Como decía, es un montaje en el que todo el mundo aporta su granito de arena.

David Mash y César Belda – Fotografía Ariel S. Boissiere

EUE.- ¿Cuál ha sido el proceso de montaje?

OA.- ¡Ha sido muyyyy largo! Llevaba mucho tiempo en mi cabeza, tanto el diseño de vestuario como el montaje en general. Sabía con qué directores y coreógrafo quería trabajar,  casi todo el repertorio lo tenía claro, y le presenté el proyecto hace un año a Juan Baena. Hace 6 meses decidimos ponerlo en pie. Comenzamos los casting, el reparto de canciones y los ensayos de coreografías y con músicos. Después nos pilló la subida del IVA y los problemas por los que está pasando la cultura y nos costó cerrar el teatro, pero gracias a la confianza de Coral Europa y del Teatro La Latina, hemos conseguido estrenar en temporada navideña, que era lo que queríamos.
Han sido muchos meses de creación, desarrollo y ensayos, pero, ha merecido la pena, y lo más importante, que después de tantos meses de trabajo, hemos hecho una muy buena compañía no sólo a nivel laboral, si no a nivel personal.

Jazmín Abuin, Gina Antúnez, Inma Fdez y Erika Bleda – Fotografía Ariel Boissiere

EUE.- ¿Qué es lo que tiene Disney que es casi un  valor seguro para poder hacer espectáculos de todo tipo?

OA.- Disney forma parte de nuestras vidas desde 1937. Hemos crecido con sus canciones, con sus historias y su merchandising.
Es una mega industria que se ha reinventado una y otra vez, y que ha sabido convertir los clásicos infantiles, en historias casi propias., pero también han sabido rodearse de los mejores creadores, animadores, cantantes, músicos y creativos logrando con sus películas verdaderas obras de arte.

EUE.- Una curiosidad, se hace alusión a los villanos, ¿pero por qué no hay canciones de ningún malvado Disney?

OA.- Jajaja ¡Y eso que yo soy más de La Madrasta de Blancanieves o de Meg, la novia de Hércules, que de las princesas!
La verdad es que casi todas las canciones famosas y las nominadas a los premios son las canciones de las heroínas, y a la hora de decidir entre las canciones, y siendo un espectáculo de 90 minutos, hemos seleccionado las más reconocidas o las más divertidas.

EUE.- ¿Cuál es tu personaje, película, canción de Disney preferido?

OA.- Sin duda mi personaje es – “Megara. Meg para los amigos (si los tuviera)” – alusión a la frase que presenta a Meg en la película. Tiene carisma, inteligencia y mucho valor.
Mi película “Encantada”, salí del cine cantando por la calle como si fuera uno de sus personajes.
Mi canción, “Ahí fuera” de “El Jorobado de Notredame”, por lo que trasmite y por la humildad del personaje en el que se basa la canción.

EUE.- ¿Dónde podemos verlo y hasta cuando?

OA.- Teatro La Latina, fines de semana y algunos días de temporada navideña, cuando los peques no tengan cole, y por ahora hasta el 6 de enero… aunque el público dirá si continuamos o no…

Joaquín Olivan y La Compañía – Fotografía Ariel S. Boissiere

EUE.- Después de estas 5 semanas, ¿hay intención de rodar el espectáculo por otros escenarios?

OA.- Queremos hacer una versión reducida para coles en inglés y español, y tenemos la intención de salir fuera de gira.

EUE.- ¿Qué planes hay para el futuro? ¿Hay nuevas propuestas en mente que nos tengas preparadas? 

OA.- Aun estamos empezando con este proyecto, pero está claro que algo haremos algo para ampliar repertorio, y dado el buen funcionamiento del equipo y de la compañía, quiero volver a trabajar con ellos.
Casi seguro que en breve haremos un repertorio gospel y queremos colaborar con la orquesta sinfónica de Chamartín.
Ya os informaremos de todas la novedades, por ahora a disfrutar de “Los Amigos de Walt Disney” en el Teatro La Latina.
Pedro Espadas e Israel López – Fotografía Ariel S. Boissiere

Así que ya sabéis, si queréis que los mas pequeños pasen un gran rato cantando y divirtiéndose con sus personajes favoritos, y los mas mayores disfruten de unas canciones tratadas como es debido y no solo como «canciones para niños», este es vuestro espectáculo.

Enhorabuena a todo el equipo que ha hecho posible este espectáculo, desde la propia Olga a cada uno de los componentes del equipo artística y técnico.

¡Desde En Un Entreacto se les desea muchos éxitos! 

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Algueró Antonio Gala Concha Velasco Jardiel Poncela José Zorrilla Juan Carlos Rubio Pou Sondheim Teatro Teatro La Latina Xavier Mestres

Yo lo que quiero es bailar

Título:
Yo lo que quiero es bailar

Lugar:
Teatro La Latina

Elenco:
Concha Velasco
Xavier Mestres (Piano y vocal)
Tomás Alcaide (Violín, teclado y vocal)
Roger Conesa (Saxo, batería y vocal)
Xavi Sánchez (Contrabajo y vocal)
Salvador Vidal (Voz en off)

Texto:
Juan Carlos Rubio

Dirección Musical y arreglos:
Xavier Mestres

Dirección y dramaturgia:
José María Pou



Cuando la semana pasada mis amigos Alfonso y José Antonio nos ofrecieron la posibilidad de ir a ver este espectáculo (¡Gracias, gracias y mil gracias!), que está ahora en el Teatro de La Latina, no dudamos ni un segundo. Hay que resarcirse de todo ese tiempo que no hemos estado ahí como espectadores y beber de ella todo lo que podamos. Y es que debo reconocer que a Concha Velasco la he descubierto para el teatro bien tarde. La he admirado y la he disfrutado mucho en cine y televisión, pero en teatro… No, no es que me enterará hace poco que hiciera teatro, no; sé desde bien pequeño que ha sido y es una dama de la escena;  pero la primera vez que la pude ver en directo sobre las tablas fue cuando nos deleitó con esa Madame Rosa de «La Vida por Delante» y la verdad… ¡cómo me arrepiento no haberla visto mas! 

¡Cuántas cosas ha regalado esta mujer al teatro! El imaginario popular esta lleno de momentos suyos sobre los escenarios y que muchos, sin haberlos visto, también los reconocemos; «Mamá quiero ser artista», «Carmen, Carmen», «Yo me bajo en la próxima ¿y usted?» «Hello Dolly»… por decir algunas de las mas populares…
En este espectáculo que nos trae ahora, Concha nos habla de su vida y su trayectoria artística, de cuando era una niña en Valladolid hasta llegar a hablarnos de las cosas que hace con su nieto… No se deja nada por el camino, aunque sea una sola frase, una nota musical, un gesto o un guiño, incluye todo el amplio abanico de personajes que ha interpretado y habla de todos aquellos artistas con los que ha trabajado.
Quizá fuera el momento de que Concha se diera el gusto de hacerse un espectáculo a medida y gozarse a si misma en escena, a modo de las grandes estrellas internacionales. Un espectáculo donde recoger la esencia del talento desplegado durante toda una vida, ¿y quién podía ideárselo mejor que el grandísimo José María Pou? Nadie como él para saber cómo poner a Concha Velasco sobre el escenario, con mayúsculas, pero cercana como un roce. Ella sola, sin aditivos, sin mas acompañamiento que una banda de cuatro magníficos músicos dirigidos por Xavier Mestres que, de vez en cuando, le dan la réplica y un texto de Juan Carlos Rubio muy bien construido, lleno de fragmentos de Antonio Gala, Jardiel Poncela, Zorrilla… y salpicado de canciones de Algueró o Sondheim… ¡Qué sorpresa y qué bonito oir ese «I´m still here» o ese «Nothing»! Y con permiso de Concha… ¡Espectacular ese número acapella de los chicos de la banda!
No a todo el mundo le queda bien un espectáculo donde se pasa de un número musical a lo Broadway a ponerse unas gafas de cerca y urgar en su bolso para contarnos qué hay en él o recitarnos unos versos deliciosos de Jardiel Poncela y poner a caldo al mismísimo Dalí… O demostarnos como sabe reirse de si misma con la sana intención de humanizarse ante nosotros. No a todo el mundo le queda bien, no.
Lo que mas me gusta de este espectáculo, sin duda, es la cercanía con el espectador. Ella se pone ahí, a hablar, a contar, a cantar todo lo que le ha ido sucediendo y nosotros desde el comienzo pensamos que somos únicos para ella y la escuchamos atentamente, compartiendo todo lo que nos dice, riendo con ella, muchas veces a carcajadas, y emocionándonos cuando notamos ese brillo asomar en sus ojos, sabiendo que nos está contando cosas que a la persona que hay tras la actriz tienen que escocer, pero que como todo buen artista, sabe disimular escondiéndolo detrás de una pirueta o un mohín cómplice. ¡Es hermoso! 
Y qué bien sabe llevarnos para que después de hablarnos de tú a tú, se ponga las lentejuelas y se marque un número brillante de «Conchas» por toda La Latina y que lo disfrutemos no ya como la actriz a la que estamos viendo, si no como casi nuestra «amiga» Concha.
Yo creo que es un espectáculo admirable, maravilloso y cercano que nos muestra esa mujer valiente que es Concha, que ha vivido mucho, muy al límite y que ahora nos lo cuenta de frente, admitiendo errores y aciertos y saboreando todos ellos con el gusto de quien ha sido consciente de lo vivido, sabiendo hacer de ello un espectáculo tan cuidado y con tanto gusto como este «Yo lo que quiero es bailar»
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Aixalà Arquillué Benet Edward Albee Machi Pou Quien teme a Virginia Woolf Teatro Teatro La Latina Veronese

¿Quién Teme a Virginia Woolf?

Título:
¿Quién Teme a Virginia Woolf?

Lugar:
Teatro La Latina

Autor:
Edward Albee

Elenco:
Carmen Machi (Martha)
Pere Arquillué (George)
Mireia Aixalà (Honey)
Iván Benet (Nick)

Traducción:
José María Pou

Dirección:
Daniel Veronese

Hay textos que por circunstancias de la vida te tocan mas de cerca y es imposible resistirse cuando aparecen en cartel y ¿Quién Teme a Virginia Woolf? es uno de ellos. Hace muchos años tuve la osadía junto con una amiga de querer montar esta función escrita por Edward Albee, de una manera amateur, pero con la pretensión de mostrar al mundo que éramos los actores ideales para poder encarnar a Martha y a George… Uno con 20 años tiene estas cosas, y aunque finalmente el texto pudo con nosotros y nos abrió los ojos a base de golpes, tuvimos la suerte de encontrarnos con una maravilla de función que se ha quedado clavada dentro de nosotros. Un pulso para el actor y para el espectador como este no es fácil de olvidar.
Martha y George son un matrimonio desgastado que regresa a casa tras una fiesta organizada por el padre de Martha, rector de la universidad en la que trabaja George. Todo seguiría un patrón normal en sus vidas; un poco de discusión, unas copas para rematar la borrachera, una lucha dialéctica que después de varios «rounds» les enviaría, vacíos y asqueados, a dormir… Si no fuera porque han invitado a Nick, nuevo compañero de George, y su mujer Honey, a tomar «una última copa» junto a ellos; dos jóvenes que tienen la desdicha de ponerse justo entre dos seres carcomidos por el hastío y el odio. La velada se convertirá en una acumulación de ataques, de los que ninguno de los cuatro saldrá bien parado…
 Con este argumento uno ya sabe que va a asistir a una función nada cómoda, donde cualquier gesto de amabilidad se convertirá en un bofetón y donde cualquier reproche vendrá acompañado de un contraataque.
Una función que desde el primer minuto te deja sin respiración. Una sucesión de frases y réplicas retorcidas con una sola intención, destruir al otro a cualquier precio.
Con tal propósito, Martha y George, ven en sus invitados el arma arrojadiza apropiada para poder demostrar quien de los dos tiene el poder de someter al otro. Es cierto que en la función uno se ríe, además con ganas, con algunas de las ocurrencias de estos personajes, pero ni una sola palabra que sale por sus bocas está libre de llevar veneno y dolor.
Lástima que en algunos momentos se pierda el maravilloso texto. Las discusiones están montadas tan «picadas» que entre los personajes se atropellan y frases que merecen ser escuchadas por lo lacerante de su sentido, quedan pisoteadas entre si… Supongo que esto está hecho para lograr mayor realismo, ya que nadie respeta turnos cuando discute… pero esos momentos quedan algo «sucios», al igual que también eché en falta algunos silencios; algunas pausas que creo necesarias para darle mas peso a la situación, y a los personajes, y que la celeridad no impida aturullar al espectador. 
Supongo que va en gustos y la opción escogida por Daniel Veronese era la de darle mas agilidad al enfrentamiento.
No sé si he visto en un mismo año demasiadas veces sufrir a Carmen Machi, pero no he podido evitar encontrar similitudes entre la Helena de «Juicio a una Zorra«, la hija superada por esa madre opresora de «Agosto» y esta Martha. Con esto no quiero decir mas que lo que he dicho, la Machi es un bicho de escenario en toda regla y resuelve con nota cualquier papel que le cae en las manos, eso es así; pero también es cierto que viéndola tantas veces seguidas, uno vislumbra ciertos «códigos» en su interpretación. Pero hay tanto que aprender de ella, de la forma en que afronta cada personaje, que siempre es un placer verla en escena. En mi opinión, tiene la virtud de saber qué teclas tocar en cada espectador para que este se rinda a sus pies.
Pere Arquillué tiene un personaje tan rico, tan lleno de sentimientos, de cosas guardadas en su interior… ¡Qué placer poder afrontar este personaje! Es cierto que yo ya venía con una idea preconcebida de cómo «debía» ser George y no tenía nada que ver con lo que él nos ofrece, esto no es malo, pero creo que mi amigo César lo definió con acierto, se lleva el personaje hacia «lo ibérico» y esto no está mal, si no fuera porque el personaje es americano… Sin embargo Pere Arquillué le da una socarronería a George muy acertada. Es interesante que te rompan los esquemas y descubrir nuevas visiones sobre un mismo personaje, estés mas o menos de acuerdo en ello.
Iván Benet me sedujo nada mas entrar en escena, transmite una mezcla de inocencia y masculinidad que definen perfectamente al personaje, siguiendo el juego de sus dos anfitriones con ganas y reaccionando claramente a todo lo que acontece en escena.
Con Mireia Aixalà me surge cierto conflicto, tan pronto me daba la sensación de vagar sin sentido por la escena, como entraba en la trama dando puntos de vista mas que acertados. Es un personaje que dentro de su aparente jovialidad e infantilismo esconde un drama tan grande que incluso en ella se vislumbran los comienzos de lo que pudo llevar a Martha a la caída en picado en la que se ha convertido su vida.
Me agradó mucho, tanto en Iván Benet como en Mireia Aixalà ese punto de coherencia que ayuda al espectador a tomar contacto con la realidad en la demente situación en la que son sumergidos por sus anfitriones.
Un montaje interesante de ver y un placer reencontrarme con un texto del que me reafirmo en su grandeza, pero del que a la vez salí con la sensación de no haberlo «sufrido» tanto como me hubiera gustado.
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