Autor: joseaalba

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Cara de Cuero En Un Entreacto Radio GetafeVoz La Joven Compañía Sebastián Moreno

En Un Entreacto Radio – Programa 6

El pasado día 25 de Noviembre contamos con un programa de En Un Entreacto Radio muy especial.
Hicimos hincapié en tratar la cultura, y mas en concreto el teatro, como un bien para todos. Que nos podamos sentir privilegiados por poder vivirlo en todo su esplendor, sin manipulaciones ni intereses.

Esta quincena tuvimos una de las entrevistas mas entusiastas y motivadoras de lo que llevamos de recorrido, La Joven Compañía nos acompañó en el estudio de GetafeVoz y nos habló de ese proyecto tan maravilloso en el que se han embarcado que está dando frutos tan interesantes como su versión de «Fuente Ovejuna».
Además contamos con Sebastián Moreno, director de «Cara de Cuero», que nos habló de su trabajo y del que nos quedamos con ganas de conocer mas.

Siempre recomendamos que escuchéis el programa, pero este lo recomendamos con mas entusiasmo si cabe. La esencia de los que quieren dedicarse a esta profesión está reflejada en él y en primera persona.
Un lujazo.

¡Bienvenidos a En Un Entreacto Radio!

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David Aramburu Iñigo Guardamino Kubik Fabrik Laura Maure Mon Ceballos Montse Gabriel Teatro Vaciones en la Inopia

Vacaciones en la Inopia

Título:
Vacaciones en la Inopia
Autor:
Íñigo Guardamino
Lugar:
Kubik Fabrik
Elenco:
David Aramburu
Mon Ceballos
Montse Gabriel
Laura Maure
Iluminación:
Pedro Guerrero
Escenografía y Espacio Sonoro:
María José Pazos
Música:
Joan Cerveró
Producción:
La Caja Negra Teatro
Dirección:
Íñigo Guardamino

Fuí con muchísimas ganas a ver «Vacaciones en la Inopia» de Íñigo Guardamino a Kubik Fabrik, me habían llegado comentarios muy positivos sobre ella y no quería perdérmela. Es la segunda vez que la programan en la misma sala y no quería desperdiciar esta segunda oportunidad que se me estaba brindando para ver aquello que todo el mundo elogiaba.
Me senté en mi butaca y me dispuse a disfrutar de la experiencia, pero a medida que la función avanzaba, la sensación que me iba invadiendo era como cuando uno lee un libro del que necesita releer lo ya leído porque hay algo en sus páginas que se nos escapa… Solo que en teatro, esa segunda lectura es imposible de realizar, con lo que muchas de las situaciones planteadas se me perdieron entre referencias y simbolismos…
Es cierto que hay escenas que me gustaron y me parecieron brillantes, momentos hilarantes que me hicieron soltar carcajadas de puro surrealismo e incluso en otros me provocaron una incomidad abrumadora, pero la sensación con la que salí fue la de no haber llegado a captar con claridad la idea de lo que se me estaba queriendo contar.
Íñigo nos habla de los problemas que generan los nacionalismos, las divisiones, la religión; que lanza teorías sobre cómo el mundo occidental maneja los hilos y manipula la visión que tenemos sobre todo lo que acontece a nuestro alrededor, utilizando un humor muy ácido y negro que muchas veces juguetea con otro mucho mas tontorrón.
Un conglomerado de situaciones que giran en torno a un objeto divino que desemboca todo tipo de reacciones y de situaciones, que en muchas ocasiones, siendo honesto, me hicieron plantearme que estaba contemplando el techo de mis límites culturales porque me sentí perdido, incapaz de identificar referencias o cazar al vuelo las imágenes e ideas que el director lanza. No voy a mentir porque no tiene sentido, cuando uno no comprende lo que ve, también tiene que decirlo, no pasa nada. No todo está hecho para todo tipo de públicos.
Si he de destacar algunos momentos de esta función destaco la escena en el banco, donde el jugueteo lingüistico me pareció interesente de seguir y muy divertido, aunque el planteamiento del cuento de los elefantes se me escapó. La de los Israelíes en alta mar. La de la familia que reza por conseguir cada uno lo que mas desea, con las terribles consecuencias que esto acarrea. Y la que mas, por lo conmocionado que me dejó, la escena en la que la mendiga recibe lecciones de cómo pedir en el metro, que me resultó turbadora y muy incómoda de ver con esa carga de violencia tan brutal.
En cuanto a las interpretaciones, creo que los cuatro actores se entregan al juego que el director les propone. David Aranburu, Mon Ceballos, Montse Gabriel y Laura Maure realizan unas interpretaciones muy valientes y arriesgadas.
Una función que golpea fuerte y provoca muchas reacciones encontradas en muy poco tiempo, pero que no está hecha para cualquier tipo de paladar.
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Chema Coloma Doriam Sojo El Burdel A Escena Fátima Sayyad La Noche Al Revés Teatro Xavier Durringer

La Noche Al Revés

Título:

La Noche Al Revés

Autor:
Xavier Durringer

Lugar:
El Burdel A Escena

Elenco:
Chema Coloma
Fátima Sayyad

Vestuario y Maquillaje:
Antonio Mañas

Adaptación:
Fátima Sayyad

Dirección:
Chema Coloma

Siempre es una gran noticia que broten espacios en la ciudad, pequeñas cajas contenedoras de historias, donde uno ni se lo hubiera llegado a plantear. Este es el caso de El Burdel A Escena, espacio teatral creado por Doriam Sojo, actor, director y productor; donde se da cabida a creaciones y propuestas que se adaptan a un lugar como este, un burdel en la Calle Sombrerería que estuvo funcionando como tal hasta comienzos de este mismo año.
Doriam nos recibe abriéndonos las puertas a un lugar donde lo inesperado es el pan nuestro de cada día. Donde la intimidad y lo peculiar flotan en el ambiente.
Uno se sienta en la sala y mientras espera piensa que quizá le toque entregarse un poco mas de lo que se le pide a un espectador sentado en una butca. La cercanía a lo que allí ocurre es lo que tiene.
En esta ocasión la función con la que descubrimos este espacio es «La Noche Al Revés» de Xavier Durringer, texto que Fatima Sayyad ha traducido del francés para ponerlo en escena dirigido por su compañero de reparto Chema Coloma. Una pieza íntima, como ellos mismos la denominan.
La historia nos sitúa una noche cualquiera en el que una prostituta de Lavapiés lleva a su habitación al que debería ser el último cliente de la noche. Lo que ella no espera es que este cliente, aparentemente anodino, le haga vivir una noche en la que todo cambiará…
Una historia donde se respira desde el comienzo que las cosas no van como deberían. La actitud de los personajes, la tensión desde el mismo momento en el que irrumpen en escena, hace preveer que algo no está marchando como debería. La cercanía de los actores hace que uno pueda masticar la tensión, percibir las intenciones ocultas y el miedo en quien cree tener dominada la situación.
La normalidad del comienzo ya viene descascarillada y sin quererlo, solo con los compartamientos habituales, los fragmentos de esa falsa normalidad se van desprendiendo, dejando a la vista las dobles intenciones, las verdades contadas a medias y los propósitos ocultos. Dejándonos ver unas vidas rotas que buscan, quizá de una forma equivocada, lograr la felicidad o al menos un poco de consuelo ante el sufrimiento de sentirse solos.
Si bien es cierto que la cercanía ayuda a que los espectadores nos involucremos de una manera mas activa, adoptando nuestro papel de voyeur, también hace que queden expuestas ciertas imperfecciones. A mi, como espectador de este tipo de teatro me gusta meterme de cabeza en las historias y casi poder respirar encima de los actores; el problema es que desde tan cerca  uno puede detectar aristas pendientes de ser limadas y que impiden terminar de creerse lo allí expuesto.
Pienso que una propuesta teatral basada en una cercanía tan radical debe estar trabajada asumiendo los riesgos de la proximidad, pensando que cualquier atisbo de «fingimiento» puede dar al traste con todo y «La Noche Al Revés» tiene momentos que rompen la atmósfera conseguida al dejar al descubierto algunos límites pactados por los actores, dotándolo todo de una «amabilidad» que va en detrimento de la trama.
La química entre Fátima Sayyad y Chema Coloma es muy buena, logran cotas de intensidad y veracidad muy altas, pero en ciertos momentos me dio la sensación que el pudor les impedía asumir riesgos mayores. La propuesta me pedía algo mas de crudeza en sus intenciones y estoy convencido que, por lo que vi de ellos, podrían lograrlo sin esfuerzo. Sin embargo, cuando los personajes se abren uno al otro, resultan muy convincentes e interesantes de observar.
Destaco la evolución de Fátima a través de la función; como a la vez que su personaje se desprende de todos los complementos, nos muestra la herida tan profunda con la que ha tenido que aprender a vivir. Y de Chema me estusiasmó la forma en la que logra transmitir una inestabilidad tan real que, acabas por creer lo peligroso e impredecible de sus actos; a mi particularmente me hizo sentir muy incomodo.
Creo que, aunque le falte cierto riesgo para lograr que la experiencia sea completa, es una función interesante de ver.

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Alberto Puraenvidia Boira Daniel Pérez Prada Inma Cuevas José Martret La Pensión de las Pulgas Maribel Luis MBIG Pepe Ocio R.Muñoz-Cobo Rocío Calvo Shakespeare

MBIG – La Pensión de las Pulgas

Título:
MBIG (Mc Beth International Group)

Autor:
José Martret
(Versión del texto de W. Shakespeare)

Lugar:
La Pensión de las Pulgas

Elenco:
Francisco Boira (Macbeth)
Rocío Calvo (Urd Bruja 1)
Manuel Castillo (Malcom)
Inma Cuevas (Camelia)
Victor Dupla (Ross)
Maribel Luis (Skuld Bruja 2)
Rocío Muñoz-Cobo (Lady Macbeth)
Pepe Ocio (MacDuff)
Francisco Olmo (Duncan)
Daniel Pérez Prada (Banquo)

Espacio Escénico:
Alberto Puraenvidia

Vestuario:
Lupe Valero
(Con la colaboración de Lorenzo Caprile)

Espacio Sonoro:
Antonio Martín

Dirección:
José Martret

Algo se había filtrado en los mentideros teatrales. Todos cuchicheaban que algo se estaba cociendo y que en poco tiempo saltaría la noticia; y todos, como niños buenos que no quieren quedarse sin su regalo, permanecimos sin alzar la voz. Hasta que pasado mediados de Noviembre saltó la noticia a las redes sociales, el propio José Martret soltaba la bomba ¡La Casa de la Portera iba a tener una hermanita! El parto estaba programado para el día 20 de Noviembre y, aunque las conexiones internáuticas ya no tienen ruidos, un clamor se alzó. El júbilo se desató y todos comenzamos a ponernos nerviosos, ansiosos por conocer mas sobre el retoño que traían al mundo  José Martret y Alberto Puraenvidia. Nos adelantaron que se llamaría “La Pensión de las Pulgas” como homenaje a la Bella Chelito, antigua habitante del inmueble donde abrirían las puertas de este nuevo paraíso teatral, y su cuplé “La Pulga”. 
Y es que estos chicos no dan una puntada sin hilo, cosa que no me extraña, habiéndose situado en la primera línea de batalla del teatro Off de Madrid, donde ya irrumpieron hace un par de años sacándose de la manga “La Casa de la Portera”. Dándole a la capital un toque de valiente distinción, tan refrescante, inteligente, demencialmente excitante, y sobretodo tan necesaria.
Ahora nos ofrecen la posibilidad de tener dos opciones donde elegir y entregarnos al goce de saltar dentro de la función. 
“La Pensión de las Pulgas” es un paso hacia delante en la evolución de esta idea de hacer teatro, un espacio cuidado al detalle, donde Alberto Puraenvidia nos sumerge en un ambiente mas luminoso, mas despejado, pero igualmente atractivo y estimulante para los que queremos “empaparnos” en la experiencia de vivir las historias casi en primera persona.
La noticia de la apertura de este nuevo espacio no podía venir sola, tenía que aparecer con el nombre del montaje con el que fuera a dar sus primeros pasos y no podía ser cualquier cosa… Debía ser algo que le hiciera justicia, que mostrara en todo su esplendor las galas de esta nueva criatura. 
Si en el estreno de la Portera fue Chejov quien nos abrió las puertas, en La Pensión de las Pulgas quien nos recibe es Shakespeare, con un Macbeth hecho a imagen y semejanza del espacio. Un montaje inspirado en los años 50/60 donde las ambiciones de las cortes y los reinos, se traspasan a las grandes empresas y que sorprendentemente (o no) siguen intactas. Los tiempos pasan, todo se transforma, pero nada cambia. El ser humano sigue estancado en las mismas batallas, por eso ahora en vez de llevar por título Macbeth, tal como su autor lo bautizó, José Martret ha pasado a llamarlo MBIG (Mc Beth International Group) Mucho mas acorde con la historia de ambiciones y finanzas que nos ha preparado.

Todo sigue igual, como decía antes, tan solo nos trasladamos de época y los significados y los intereses se convierten en otros que el público actual maneja con mas soltura.
Como banda sonora tenemos un hilo musical, apropiado para hacer de esta multinacional el lugar ideal en el que trabajar y sentirse asépticamente cómodo, hasta que pasamos al despacho presidencial y las conspiraciones vaticinadas por las mejores brujas «Macbethrianas» jamás vistas, se desatan a ritmo de los mercados y las finanzas.

Como digo, esas dos brujas, que son tres y a la vez son una, están encarnadas por las espeluznantes Rocío Calvo y Maribel Luis, dos siamesas teatrales que funcionan como una perfecta sinfonía de respiraciones, conjuros, jadeos y visiones que maravillan en todo momento. Decir que están perfectas, es quedarse con corto con ellas.
Francisco Boira nos deja casi respirar el aliento de un Macbeth desesperante, agónico en su culpabilidad, que aunque tiene algún momento que madurar, resulta estremecedor por su cercanía y realismo.
Apasionante y apasionada es la Lady Macbeth de Rocío Muñoz-Cobo, una primera imagen a lo Liz Taylor que se transmuta y acaba siendo devorada por sus propias ambiciones. Me sedujo  en su riesgo y entrega, uno de los platos fuertes de esta función.
Un comité empresarial presidido por un fabuloso Francisco Olmo, acompañado en su séquito por un excelente Víctor Dupla y por un tanto inseguro Manuel Castillo.
Mención a parte tienen Daniel Pérez Prada y Pepe Ocio que exprimen al máximo las energías de sus personajes llenando todo el espacio con su sola presencia, con un maravilloso crecendo que es un auténtico disfrute interpretativo, de esos que te dejan con hambre de mas.
Y, por supuesto, nuestro nexo de unión entre el espectador y esta tragedia, Inma Cuevas. Es lo mismo que esta actriz hable de mercados de valor, coberturas empresariales, o anunciar a Macbeth el avance de un bosque que viene a derrotarle; su «verdad» e implicación son máximas en todo momento y ardes en deseos de que pose sus ojos en ti para sentir completa esta experiencia de sumergirte en cuerpo y alma en un drama shakesperiano. El personaje que ella interpreta es el único agregado por la exquisita mano de Martret.

Se me llenan los dedos y la boca de elogios para esta nueva aventura que José Martret y Alberto Puraenvidia nos han regalado. 
Con esos ambientes tan perfectamente creados, con esa forma de envolver al espectador, de hacernos sentir inmersos en los universos que crean; deseosos de dar un paso mas allá y acabar fundido en el interior de sus mundos inventandos, de sus personajes. 
Han hecho que atravesar el portal de la Calle Huertas 48, se convierta en ese ansiado paso a otros mundos que todos siempre hemos deseado.

¡Larga vida a La Pensión de las Pulgas!
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Carmen Mayordomo Claudio Sierra Intimidad Iván Ruiz Flores Nahia Láiz Rikar Gil Sala TU Teatro

Intimidad

Título:

Intimidad
Autor:
Iván Ruiz Flores
Lugar:
Sala TU
Elenco:
Carmen Mayordomo
Claudio Sierra
Nahia Láiz
Rikar Gil
Diseño Escénico:
Iván Ruiz Flores
Noelia Rosa
Producción:
Aniur Creativos Audiovisuales
Ayudante de Dirección:
Noelia Rosa
Dirección:
Iván Ruiz Flores

Da un pudor infinito transformar en palabras lo que provoca Intimidad en quienes lo presenciamos, hay que tomar aliento y decidirse a dar el paso porque si no, puede, que nunca lo hagamos.
Esta primera obra escrita por Iván Ruiz Flores, quien también la dirige, es un tajo en la yugular de la realidad. Un golpe seco que te nockea sin contemplaciones y te deja sin respiración.
Un espacio ínfimo, una quietud desesperante, unas miradas huidizas que duelen cuando se posan en nosotros, la voz de los personajes, esas voces que calan poco a poco en nuestro interior y convierten a los actores en primeros planos desasosegantes de una realidad desesperanzada. Hay momentos de la función que ahogan el alma, como si nos zambulléramos en un mar nocturno y, al estar sumergidos en él, no supiéramos hacia donde dirigirnos para encontrar la superficie en la que poder volver a respirar porque solo hay negrura.
Cuatro actores en escena, atentos a lo que dicen unos y otros, pero sin a penas interactuar entre ellos, solo leves gestos, miradas de soslayo, quizá un ligero estremecimiento. Cuatro monólogos ásperos en los que el espectador hunde su curiosidad aún a sabiendas de no encontrar nada amable en ellos. Cuatro vidas resquebrajadas y un solo nexo de unión, la Intimidad del título.
Hablan sobre esas pequeñas cosas que laceran nuestras vidas, esas pequeñas cosas que condicionan el resto de nuestras acciones y que hacen que tomemos determinaciones nunca imaginadas. Pero son cosas cotidianas, guardadas muy adentro, de las que a veces ni reparas en comentar por lo nimias que pueden resultar a los demás, pero que dentro de nosotros toman una importancia desmedida, tanto como para que nuestras vidas se conviertan en otra cosa.
Carmen Mayordomo, Claudio Sierra, Nahia Láiz y Rikar Gil son los cuatro actores que prestan su carne y su alma a esta experiencia que nos hizo salir mudos, turbados, e incluso avergonzados, de la sala. Cuatro actores que hacen algún tipo de conjuro sobre los que presenciamos esta función que deja clavado en la butaca al espectador una vez terminada la función y en estado de shock. Yo salí de la sala rápido, con ganas de que me diera el aire, de tomar una bocanada grande y volver a respirar con normalidad, y de paso agarrarme a mi vida de nuevo y apretarla fuerte para no dejarla escapar.
Una obra dura, áspera y dolorosamente real. No hay momento en ella que te deje tomar resuello para continuar. Una vez que comienza te sujeta por la nuca y te obliga a mirar, aún sabiendo que no quieres ver lo que te muestra, pero que te obliga para que seas consciente de que «eso» que ves, existe, y está presente en nuestro día a día. Aunque almas optimistas como la mía, que salen vapuleadas, aún encuentran un resquicio de esperanza en sus últimas palabras.
La recomiendo con muchas ganas, y a la vez con miedo, porque es hacer que otros miren a lo que a ti te costó tanto sostener la mirada.
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1095 Alicia Martín Miguel Ángel Calvo Pablo Paz Sala Triángulo Teatro Telón de Aquiles

1095


Título:
1095
Dramaturgia:
Alicia Martín, Miguel Ángel Calvo y
Pablo Paz.

Lugar:
Sala Triángulo

Elenco:
Alicia Martín
Miguel Ángel Calvo

Escenografía:
25M

Vestuario:
El Telón de Aquiles

Iluminación:
Pedro Pablo Melendo

Dirección:
Pablo Paz

¿Qué podemos hacer cuando los problemas nos ahogan y la situación no da para mas? ¿Nos metemos en un búnker y ponemos tiempo de por medio? A primera vista es una buena idea. Dicen que el tiempo lo cura todo… o no.
“1095” nos plantea esta posibilidad de poder cerrar la puerta a los problemas y ver qué sucede cuando volvamos a asomar la cabeza pasado un tiempo; lo malo es que cerremos y se nos queden dentro, con nosotros.
La Compañía Telón de Aquiles nos presenta su montaje “1095” donde una pareja, ahogada por la crisis, decide encerrarse en el búnker construido años atrás por uno de sus familiares, para dejar pasar tres años de por medio y volver a salir tras ese tiempo para ver cómo se ha “arreglado” la sociedad sin ellos.
El paro, la pareja, los desahucios, el sexo, el gobierno, la fertilidad, la política social, las albóndigas a la jardinera… son temas que salen a la luz en el momento en el que esta pareja pulsa el botón que los dejará sumergidos en el mas absoluto de los aislamientos, contando, como único enlace con el exterior, con una vieja radio que emite noticias en portugués, mostrándoles que, por mucho que uno de la espalda a la realidad, esta no deja de avanzar (o retroceder, según la circunstancia) sin importarle quien quiere bajarse de ella.
Lo que a priori parece una buena idea, no lo es tanto si pensamos que encerrarse durante tres años con la única compañía de tu pareja, puede hacer que aflore lo peor de nosotros. Que nuestra cabeza se convierta en una olla a presión sin válvula de escape y que al destaparse, deje salir lo peor de cada uno de nosotros, convirtiendo lo que normalmente son “refunfuños” o juramentos entre dientes olvidables al momento, en situaciones irreconciliables.
Una comedia surrealista dirigida por Pablo Paz, con una dramaturgia creada por el equipo del Telón de Aquiles a través de trabajos de improvisación, que tiene en su comienzo y sus primeros cuadros su mayor acierto, donde se destila mucha mala baba y un descaro con mucho potencial, lástima que hacia el final de la función pierda fuelle. 
La Sala Triángulo se transforma en un auténtico búnker claustrofóbico, con una escenografía muy trabajada y tan protagonista en la historia como los propios actores. Aunque algún fallo en el tema audiovisual pudo llevar a confusión al espectador a la hora de situarnos en el momento preciso en el que ocurre la historia, cosas del directo y la tecnología…
Los dos actores, Miguel Ángel Calvo y Alicia Martín, hacen un divertido trabajo que da mucho que pensar, con un tempo algo variable, pero con un resultado final bastante correcto. Los dos destilan una comicidad mordaz que nos regala grandes momentos; ademas que ese rozar la tragicomedia y el humor «chusco» me parece que dan un tono fantástico a la función.

Una divertida reflexión de la situación actual que nos está tocando vivir que, con tanta crisis y tanto sinsabor, nos está llevando a pensar en soluciones un tanto drásticas. 
Visión muy particular que me atrevería a decir que posee cierto aroma «Jarciel-Ponceliano» versión 2.0, en algunas de las situaciones que recrea.
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El Crédito Gerardo Vera Hipólito Jordi Galcerán Luis Merlo Teatro Teatro Maravillas

El Crédito

Título:
El Crédito
Autor:
Jordi Galcerán
Lugar:
Teatro Maravillas
Elenco:
Carlos Hipólito (Director)
Luis Merlo (Antonio)
Escenografía:
Alejandro Andújar
Iluminación:
Juan Gómez Cornejo
Audiovisuales:
Álvaro Luna
Dirección:
Gerardo Vera
Lo de hacer comedia es cosa muy seria y no vale con tomárselo a «chufla». Y de eso, no podemos negarlo, Jordi Galcerán sabe mucho. Cualquier texto suyo que se pone en escena lo corrobora y, además consigue algo que pocos autores logran, atraer a una amplísima gama de públicos.
Con «El Crédito» creo que sucede algo así. Galcerán vuelve a meterse en el bolsillo al público madrileño; ignoro si la hermana melliza que se representa en Barcelona está cosechando el mismo éxito, pero lo que es en Madrid, tiene pinta de haber llegado para quedarse una larga temporada.
Esta función tiene todas las papeletas para ser un éxito indiscutible, autor conocido por la originalidad de sus textos, un director como Gerardo Vera, que le está tomando el gusto a ser nombre permanente en la cartelera de la ciudad y dos actores como Carlos Hipólito y Luis Merlo que son sinónimo de calidad y buen hacer, y un argumento que de alguna forma nos toca a todos.
La historia parte de una situación en la que todos nos hemos encontrado y con la que nos identificamos plenamente. Ir a pedir un crédito al banco y que nos lo denieguen. 
¿Quién no ha vivido esto alguna vez? Pocos, muy pocos. Pero como todos sabemos, Jordi Galcerán no se queda en la superficie del tema, de hecho retuerce la situación, haciendo que las tornas se cambien y convierta la circunstancia de salir del banco con el rabo entre las piernas, como la menos factible de todas las opciones… No voy a ser yo quien destripe nada de lo que sucede, así que, hasta aquí puedo hablar.
Una divertida comedia con un crudo trasfondo que nos enseña cómo convertir la crisis en la que nos encontramos, en caldo de cultivo de ideas y ocurrencias para sobrevivir. 
Siempre sin violencia, pero con contundencia, porque no siempre quien cree tener cogido el toro por los cuernos es quien acaba dominando la situación.
Lo que Carlos Hipólito y Luis Merlo hacen durante hora y media de función es lograr que un patio de butacas a revosar se ría a carcajadas y salga con la sonrisa puesta, muchas veces no hace falta mas, no todo el mundo es capaz de lograrlo y yo los admiro por ello.
Nadie puede negarles que saben perfectamente el camino por el que tienen que llevarnos, son kilómetros de profesión los que les avalan y aquí lo demuestran, haciendo que todos difrutemos con su trabajo. A mi particularmente son dos actores a los que me gusta mucho verles trabajar y disfruto de todo aquello que me tengan que ofrecer.
Lo único que no me convenció fue esa forma de comenzar la función, saliendo a escena fuera de personaje, para recibir el aplauso del público… No lo entendí y creo que sobra. La proyección ya hace las veces de presentación de personajes y ambienta la escena, lo otro está de mas.
Un montaje divertido, en ocasiones incisivo, lleno de situciones muy bien resueltas, aunque algo mas «blanco» que otros textos del autor. Con diálogos de ritmo frenético, ocurrentes y enriquecidos por dos grandes actores entregados a una comedia que sorprende al público con los giros que esconde.
Quien quiera pasar una velada divertida, llena de «envites», con una historia en la que verse identificado e incluso coger alguna «idea» para futuras visitas al banco, y disfrutar de dos monstruos de la comedia, que no se la pierda.
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Conde Duque Fuenteovejuna José Luis Arellano La Joven Compañía Lope de Vega Teatro

Fuente Ovejuna – La Joven Compañía

Título:
Fuente Ovejuna

Autor:
Lope de Vega

Versión:
Mar Zubieta
Francisco Rojas

Lugar:
Teatro Cuartel Conde Duque

Elenco:
Victor de la Fuente (Comendador)
Alejandro Chaparro (Flores)
Raúl Pulido (Frondoso/Ortuño)
Alex Villazán (Maestre/Cimbranos)
Ana Cañas (Laurencia)
María Romero (Pascuala)
Enrique Cervantes (Mengo/Manrique)
Alberto Novillo (Alonso)
Samy Khalil (Esteban)
Ángela Martín (Reina/Jacinta)
Álvaro Fontalba (Rey)

Quique Montero (Juan Rojo/Juez)

Escenografía y Vestuario:
Silvia de Marta

Iluminación:
José Espigares

Dirección:
José Luis Arellano

No nos cansamos de decir que el teatro está en crisis, lo mal que está todo, que de esta no salimos… y con mas razón que un santo, pero ante tanta oscuridad siempre hay destellos que iluminan el camino y hacen creer que este vuelve a ser un bache del que acabaremos por salir fortalecidos.
O al menos esa es la sensación que me dio cuando salí el pasado jueves del pase del montaje de «Fuente Ovejuna» llevado a cabo por La Joven Compañía.
Siempre sabemos de jóvenes actores que quieren despuntar, que estudian, que se preparan, que quieren llegar a algo dentro de la profesión, pero no sabemos de todos esos otros jóvenes que se decantan por alguna de las otras profesiones que hacen que lo que vemos sobre los escenarios, llegue a ver la luz, y, sin embargo, La Joven Compañía se ocupa de todos ellos.
Un fantástico proyecto del que desconocía su existencia y que me entusiasmó desde el mismo momento en el que visité su web y descubrí todo lo que había tras esa primera imagen de compañía juvenil.
Este proyecto tiene dos aspectos que me parecen fantásticos. Por un lado formar a jovenes en el ámbito profesional que desean, asesorados por profesionales del medio, pero permitiendo que sean ellos los que pongan en pie todo el proyecto, tomando decisiones y arrancando la iniciativa. y por otro lado que se trabaje en un despertar teatral de la juventud, a través de esta compañía, poniendo en pie campañas escolares, visitas a institutos, encuentros con alumnos, etc… «fabricando» nuevos espectadores tratándolos de tú a tú, dándoles a conocer todo lo que hay tras los telones, pero sin sentirse sermoneados, si no viendo cómo gente de su misma edad trabaja por sacarlo adelante.
Sinceramente, conociendo el proyecto, sentí envidia de no haber podido contar con algo así cuando yo estaba estudiando interpretación. Es una magnífica oportunidad de poder crecer dentro de la profesión conociéndola desde dentro y desde un primer momento. Algo que considero indispensable para quererla y respetarla como se merece.
Sé que mi cometido es hacer una valoración del espectáculo, pero no quería dejar pasar la ocasión de destacar su trabajo, sus orígenes y sus metas, y darlo a conocer con los medios que cuento porque creo que merece la pena que todo el mundo conozca y valore lo que se está gestando.
Hablando ya del espectáculo, creo que no tiene nada que envidiar a otros montajes que hay en estos momentos en cartel. La propuesta que nos trae José Luis Arellano del clásico de Lope de Vega es muy potente en su puesta en escena, funciona y tiene un nivel mas que notable. 
Quizá la versión de Mar Zubieta y Francisco Rojas esté excesivamente recortada, y me queda la duda de saber hasta qué punto, un espectador que desconozca la historia, no se pueda quedar algo descolgado de lo que la historia y los acontecimientos nos cuentan. Algunos momentos suceden de una manera tan fugaz que quizá queden confusos, pero por lo demás creo que todos los elementos utilizados suman y enriquecen la historia.
Del elenco destaco la energía que derrochan; la forma de afrontar los personajes, salvando la diferencia de edad, que en algunos casos jugaba a la contra, es muy valiente y honesta. Todos ellos se entregan a la historia de frente, sin temor y jugando con sinceridad, y estoy convencido que a mas de uno le veremos de manera continua en los escenarios porque aquí hay mucho donde rascar, y si no al tiempo…
Me gustó mucho la Lucrecia de Ana Cañas, el feroz Comendador de Víctor de la Fuente y la frescura del Frondoso de Raúl Pulido. Sin desmerecer al resto de la compañía que hacen un trabajo realmente emocionante.
Estoy deseando ver el montaje de «Invasión» de Guillem Cluá que traerán a comienzos de 2014 y la creación, a través de sus trabajos con el dramaturgo José Manuel Mora, y que han dado como fruto «Superhérores».
Un proyecto que merece ser aplaudido y apoyado con ganas por todos los que amamos el teatro, porque aquí puede estar la semilla que regenere el espíritu del teatro y la lucha por mantenerlo a flote.

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En Un Entreacto Radio Jorge Gonzalo Marcos Toro Pablo Muñoz-Chápuli Taormina Teatro Tela-Katola

En Un Entreacto Radio – Programa 5

En esta ocasión hemos querido contar con la presencia de Marcos Toro, joven actor de la Compañía Taormina Teatro, originaria de Getafe y que están celebrando su 40 aniversario sobre las tablas, que vino a compartir con nosotros los nervios del estreno de «Corazón de Amor y Muerte» de Alejandro Casona. Función única y exclusiva, ya que solo podremos disfrutarla en esta ocasión.
También vinieron hasta nuestro estudio los miembros fundadores de Tela Katola, Pablo Muñoz-Chápuli y Jorge Gonzalo, que tienen en estos momentos en cartel «No Son Maneras De Tratar A Una Dama», comedia musical que nos acerca de una manera diferente al cine negro.

Por supuesto que no falta nuestro repaso de la cartelera, nuestras recomendaciones y un cariñoso homenaje a la desaparecida Amparo Rivelles.

Además, estamos felices por la creciente participación de nuestros «Entreacteros» que hacen la escucha en directo, aportan su interesante granito de arena y hacen de este programa un poco de todos. ¿Te lo vas a perder?

¡Bienvenidos a En Un Entreacto Radio!

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Esther Vega Gerardo de Pablos Héroes Mario Hernández Nave 73 Ray Loriga Teatro

Héroes

Título:

Héroes

Autor:
Ray Loriga

Dramaturgia:
Mario Hernández

Lugar:
Nave 73

Elenco:
Mario Hernández (El Chico)
Gerardo de Pablos (La Estrella)
Esther Vega (La Chica)

Esenografía:
Quincalla Teatro

Música:
Charlie Mysterio

Dirección:
Mario Hernández

«Héroes» está basado en la novela que, con el mismo título, publicó en los 90 Ray Loriga. 
Un texto desconsolado, que rezuma la desilusión y la rabia de la época.
En su viaje a los escenarios se transforma en un grito ahogado de tres personajes que viven enclaustrados en si mismos, que viven con resignación el momento que les ha tocado en suerte. 
Los tres están encerrados en un bar que, a modo de purgatorio, les hace planear sobre sus ilusiones truncadas, volver a visitarlas y volver a caer sobre ellas, haciendo que cada uno de ellos entre dentro de un círculo vicioso de pensamientos y sentimientos lacerantes y atormentados.
Es un montaje duro, tanto por la prosa rebuscada del autor, como por su planteamiento. En ningún momento vemos un hilo conductor de la historia que nos facilite el camino a estos personajes de los que, en momentos, dudas si podrían simpatizarte y en otros, si has vivido ese aspecto de los 90, puedes verte reflejado.
Una puesta en escena con cierto olor a pasado que se niega a marchar. Donde la decadencia campa a sus anchas, impregnándonos a todos y dejándonos una sensación viscosa y, porqué no decirlo, premeditamente desagradable.
Mario Hernández, encargado de la dramaturgia y de la dirección del espectáculo y en estos momentos también actor, nos trae un montaje oscuro, lleno de lisérgicos soliloquios con toques de desquiciamiento que dejan sensación de asfixia en los espectadores. Quizá en exceso. Quizá se reitera demasiado en algunos aspectos, olvidándose de llegar a un punto en el que dar importancia a contar una historia que pueda enganchar al espectador. 
Es cierto que a veces uno se deja llevar por lo que los personajes nos cuentan, es interesante e incluso identificable, (Sí, en los 90 fui un adolescente «raro» y ciertamente atormentado), pero el enrevesamiento de las figuras que el autor crea son tan complejas que es complicado entender con claridad lo que nos quieren transmitir y no sé hasta que punto su filosofía no ha quedado algo trasnochada.
El trabajo de los actores es complejo y convence. Desde el momento en el que aparecen en escena ya nos anuncian lo descarnado de su situación; propuesta que les funciona mejor a Mario Hernández y a Esther Vega que a Gerardo de Pablos, quizá por ser el suyo un personaje con una pose permanente que le resta credibilidad. Sin embargo Mario trabaja dentro de una realidad que resulta refrescante dentro de tanta intensidad; cosa que Esther Vega nos quita cuando llega su turno, pero, a la vez, su camarera tiene algo de hipnótico y de muñeca rota que convence e interesa, con una humanidad muy palpable.
Eché en falta algo mas de interacción entre ellos, aunque supongo que la propuesta de Mario Hernández, es el aislamiento de estos tres personajes, con lo que mi anhelo rompería su creación.
Es un montaje diferente y arriesgado, que recomendaría a nostálgicos y curiosos de la época y a amantes de los textos complejos de este autor nada convencional.
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