Categoría: Sala Triángulo

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1095 Alicia Martín Miguel Ángel Calvo Pablo Paz Sala Triángulo Teatro Telón de Aquiles

1095


Título:
1095
Dramaturgia:
Alicia Martín, Miguel Ángel Calvo y
Pablo Paz.

Lugar:
Sala Triángulo

Elenco:
Alicia Martín
Miguel Ángel Calvo

Escenografía:
25M

Vestuario:
El Telón de Aquiles

Iluminación:
Pedro Pablo Melendo

Dirección:
Pablo Paz

¿Qué podemos hacer cuando los problemas nos ahogan y la situación no da para mas? ¿Nos metemos en un búnker y ponemos tiempo de por medio? A primera vista es una buena idea. Dicen que el tiempo lo cura todo… o no.
“1095” nos plantea esta posibilidad de poder cerrar la puerta a los problemas y ver qué sucede cuando volvamos a asomar la cabeza pasado un tiempo; lo malo es que cerremos y se nos queden dentro, con nosotros.
La Compañía Telón de Aquiles nos presenta su montaje “1095” donde una pareja, ahogada por la crisis, decide encerrarse en el búnker construido años atrás por uno de sus familiares, para dejar pasar tres años de por medio y volver a salir tras ese tiempo para ver cómo se ha “arreglado” la sociedad sin ellos.
El paro, la pareja, los desahucios, el sexo, el gobierno, la fertilidad, la política social, las albóndigas a la jardinera… son temas que salen a la luz en el momento en el que esta pareja pulsa el botón que los dejará sumergidos en el mas absoluto de los aislamientos, contando, como único enlace con el exterior, con una vieja radio que emite noticias en portugués, mostrándoles que, por mucho que uno de la espalda a la realidad, esta no deja de avanzar (o retroceder, según la circunstancia) sin importarle quien quiere bajarse de ella.
Lo que a priori parece una buena idea, no lo es tanto si pensamos que encerrarse durante tres años con la única compañía de tu pareja, puede hacer que aflore lo peor de nosotros. Que nuestra cabeza se convierta en una olla a presión sin válvula de escape y que al destaparse, deje salir lo peor de cada uno de nosotros, convirtiendo lo que normalmente son “refunfuños” o juramentos entre dientes olvidables al momento, en situaciones irreconciliables.
Una comedia surrealista dirigida por Pablo Paz, con una dramaturgia creada por el equipo del Telón de Aquiles a través de trabajos de improvisación, que tiene en su comienzo y sus primeros cuadros su mayor acierto, donde se destila mucha mala baba y un descaro con mucho potencial, lástima que hacia el final de la función pierda fuelle. 
La Sala Triángulo se transforma en un auténtico búnker claustrofóbico, con una escenografía muy trabajada y tan protagonista en la historia como los propios actores. Aunque algún fallo en el tema audiovisual pudo llevar a confusión al espectador a la hora de situarnos en el momento preciso en el que ocurre la historia, cosas del directo y la tecnología…
Los dos actores, Miguel Ángel Calvo y Alicia Martín, hacen un divertido trabajo que da mucho que pensar, con un tempo algo variable, pero con un resultado final bastante correcto. Los dos destilan una comicidad mordaz que nos regala grandes momentos; ademas que ese rozar la tragicomedia y el humor «chusco» me parece que dan un tono fantástico a la función.

Una divertida reflexión de la situación actual que nos está tocando vivir que, con tanta crisis y tanto sinsabor, nos está llevando a pensar en soluciones un tanto drásticas. 
Visión muy particular que me atrevería a decir que posee cierto aroma «Jarciel-Ponceliano» versión 2.0, en algunas de las situaciones que recrea.
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CuartoyMitad Teatro Escriba Su Nombre Aquí Fátima Sayyad Fernando de Retes María Prado Pablo Huetos Rebeca Matellán Sala Triángulo Teatro Teatro de Fondo

Escriba Su Nombre Aquí

Título:

Escriba Su Nombre Aquí
Autor:
Fernando de Retes
María Prado
Lugar:
Sala Triángulo
Elenco:
Pablo Huetos
Rebeca Matellán
María Prado
Fernando de Retes
Fátima Sayyad
Coreografía:
Rebeca Matellán
Escenografía: 
María López Madrigal
Iluminación:
David Moreno
Producción: 
Cuartoymitad Teatro
Teatro de Fondo.
Dirección:
María Prado
Fernando de Retes
Fronteras, números, delimitaciones, elecciones, personas, posesiones… Todos tendemos a intentar etiquetar las cosas, a las personas, a marcarlo todo; y de esa manera sentirnos poseedores o integrados en un «algo» difícil de definir, pero que nos empeñamos en intentar lograrlo. 
Con esta premisa las compañías CuartoyMitad Teatro y Teadro de Fondo nos traen el espectáculo «Escriba Su Nombre Aquí» donde dan cabida a todas estas cuestiones de una forma original, llena de ironía, con toques de pícara ternura y con una enorme complicidad con el espectador. Un texto elaborado por ellos mismos donde el surrealismo y el absurdo se dan la mano con lo cotidiano, utilizando la risa como instrumento denunciante.
Dirigidos por Fernando de Retes y María Prado los cinco actores que integran el elenco nos muestran un entramado de situaciones aparentemente rockambolescas que, sin embargo, son muy habituales en nuestro día a día, pero que, pasadas por el tamiz del surrealismo y del humor, nos las tomamos con mas ligereza. Situaciones como la inmigración, la identidad sexual, la incomunicación mal entendida o los asuntos puramente burocráticos, aparecen en esta función para, desde una amabilidad muy bien recibida, ser denunciada o por lo menos tenida en cuenta como un auto-impedimento hacia la felicidad.
Me fascinó el sentido del humor de la compañía, tan desquiciante en algunos momentos, tan juguetón, tan ruidoso y a la vez tan sencillo. Me encantaron los elementos utilizados, el aprovechamiento al máximo de simbolismos y la cercanía permanente con el público y la sintonía que esto provoca.
En mas de un momento me descubrí sonriendo embobado y en otras soltando carcajadas sonoras por las situaciones que se dan cita en la función. Aunque también es cierto que hay momentos que funcionan mejor que otros y hay escenas que quizá se alargan en exceso, pero el conjunto me resultó muy estimulante. 
Quizá uno pueda pensar que el tema ya está muy tratado, pero la compañía logra darle esa vuelta que hace que en todo momento reine la originalidad y la frescura para que el público esté entregado a la propuesta.
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Como digo, son cinco actores, Pablo Huetos, Rebeca Matellán, María Prado, Fernando de Retes y Fátima Sayyad, que juegan, se divierten, que saltan y corren, que entran y salen de los personajes a su antojo y que aprovechan hasta el último elemento de la escena para hacer de este montaje un torbellino lleno de ritmo y de luz propia, que ellos mismos desprenden con la energía que transmiten, además de conseguir que uno salga de la sala con un sentir tan gratificante… ¿Y por qué si tratan unos temas tan complejos? Porque han sabido llenarlo de positivismo y acabarlo con un llamamiento a que cada uno tome la identidad que mas le plazca, la que mejor le siente, y con ella se construya a si mismo, como si fuera un traje a medida y no como si fuéramos algo hecho en serie.
Es un montaje que recomiendo con el mismo cariño con el que he sentido que se ha realizado.
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3 Segundos Agustín Jiménez Carles Harnillo Carlos Be Emilio Williams Fanny Gautier Festival La Alternativa Isabel Prinz Jesús Ortega Juan Caballero Juan Carlos Rubio Mentxu Romero Sala Triángulo

Tres Segundos

Título:
Tres Segundos

Lugar:
Sala Triángulo

Autores:
Juan Carlos Rubio
Emilio Williams
Carlos Be
Carles Harillo
Jesús Ortega

Elenco:
Isabel Prinz
Fanny Gautier
Mentxu Romero
Juan Caballero
Miguel Ángel Calvo
Josi Cortes
Agustín Jímenez (Voz en Off)

Música:
Juan Antonio Simarro

Asesor de Movimiento:
Alberto Arcos

Vestuario:
Guadalupe Valero

Dramaturgia y Dirección:
Jesús Ortega

El pasado Jueves, mientras estaba viendo la función «Tres Segundos» de Jesús Ortega en la Sala Triángulo, me sentí transportado; volví a recuperar sensaciones de mi niñez, cuando mi padre se paseaba por la casa con su transistor escuchando a Manolo Molés, a mi abuela hablándonos del consultorio de Elena Francis, el «Carrusel Deportivo» en el coche, de regreso a casa tras un domingo en la Sierra madrileña o de cuando mi madre nos daba de desayunar los fines de semana y nos ponía la radio para que escucháramos el programa en directo de «El Gran Musical» con todas esas actuaciones y esos locutores que me hacían sentir la emoción que se vivía tras los altavoces de mi casa… Cuando se apagaron las luces de la sala y comenzó la «rentransmisión» de la obra, vinieron de nuevo todas esas sensaciones de golpe.

«Tres Segundos» es una propuesta diferente e interesante de poder presenciar. Una propuesta en la que se mezcla el costumbrismo madrileño con la modernidad de los textos, todo ello hilvanado con un toque de melancolía venido de la voz de Agustín Jiménez.
Recuperar la fórmula del Radio-teatro y que además no solo lo puedas escuchar a través de las ondas, si no que puedas estar ahí y poder ver al actor preparado, marcando la entrada y representando una lectura dramatizada, es algo que aunque a simple vista parezca algo insustancial, tiene su interés y aplaudo la idea que ha tenido Jesús Ortega de llevarlo a escena. Nadie mejor que él para hacerlo, que sabe perfectamente de lo que habla. Es un complejo trabajo actoral que requiere de un gran esfuerzo, ya que como se supone que lo estamos escuchando, el cuerpo no debe «contar» demasiadas cosas, haciendo que la herramienta mas poderosa sea la voz. Una voz que nos debe transmitir todas las sensaciones que la historia requiera.

En «Tres Segundos» se nos ofrece la oportunidad de adentrarnos en una comunidad de vecinos de un edificio del centro de Madrid, de esos en los que actualmente se mezclan habitantes de los de toda la vida con nuevos inquilinos que aportan su «sal» a la vida de la vecindad. Unas vidas que de puertas a fuera imaginamos de una manera y que muy posiblemente de puertas para adentro sean totalmente diferentes, pero eso es algo que debéis averiguar por vosotros mismos cuando visitéis este programa de radio-teatro que en Mayo estará en la programación de la sala y que ahora hemos podido presenciar unos pocos con motivo del Festival La Alternativa que está teniendo lugar en la capital.

La función se compone de cinco historias de cinco autores diferentes, Carles Harnillo – «El Síndrome Spears», Emilio Williams – «La Biografía de… Delawere!», Carlos Be – «696», Jesús Ortega – «Remitec» y Juan Carlos Rubio – «Un Cuento de Hadas». Todas ellas unidas a través de la narración de Agustín Jiménez y la música de Juan Antonio Simarro. Cinco textos con cierto toque de comedia amarga que a mi me divirtió.
Unos textos funcionan mejor que otros, unos actores son mas conscientes que otros del tipo de fórmula que están ofreciendo, pero el conjunto es interesante de ver, tan solo le falta un puntito de cuerpo y ensayo… cosas de los estrenos que son totalmente solucionables.

Uno de mis momentos favoritos dentro de la función, sin spoilear nada, es el texto de Carlos Be, que está lleno de una ironía agudísima y una mala leche lanzada con todo descaro, muy propia para el momento que vivimos y que a mi me hizo pasármelo en grande. Tanto Mentxu Romero como Juan Caballero se divierten representándolo y eso se nota. También es cierto que es el único de los textos que cuenta con dos actores, y el apoyo entre ellos hace que todo tenga un ritmo mucho mas dinámico; pero para voces que realmente te hacen creer que estás dentro de un programa radiofónico son las de Isabel Prinz y Fanny Gautier, que con esas modulaciones, esas intenciones, se respiraba el ambiente perfecto del radio-teatro. En mas de una ocasión cerré los ojos, me limité a escucharlas, y me sentí sintonizando lo que buscaba.
También me gustó el desquiciamiento en el texto de Emilio Williams, pero confieso que me quedé con ganas de mas de lo que ofrece el final de su texto.
Y como administrativo que soy en mi vida al otro lado del espejo, no pude dejar de sentirme identificado con lo que cuenta «Remitec» de Jesús Ortega… Quién no haya tenido esos pensamientos, que tire la primera piedra.

No puedo terminar esta crónica sin dejar de comentar algo que, aunque sé que me voy a meter en donde no me llaman, quisiera expresar.
Sé que esta es la propuesta del director, a mi me gustó y la respeto e incluso la aplaudo, pero pensando ya en casa sobre la función, caí en la cuenta que a mi había algo que me faltaba en la función para hacerla mas redonda… La presencia física de ese narrador que une las historias. Quizá hubiera habido mas ambiente radiofónico si cabe y su punto de vista hubiera conectado mas con el público; pero ya digo que solo es una apreciación mía que quería dejar caer con todo el respeto hacia la propuesta y el trabajo realizado, y sin intención alguna mas que plasmar en palabras el pensamiento que me surgió.
 
Un bonito homenaje a la radio que retoma un camino que, ojalá, se explote mas a menudo como género teatral porque da para contar muchas mas cosas. Estad atentos porque en Mayo podréis disfrutarlo.

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Alberto Delgado Carles Magnet Daniel de Vicente Doriam Sojo Festival La Alternativa Luz de Paz Mónica Regueiro Sala Triángulo Silvia Vivó Teatro

Cordón Umbilical

Título:
Cordón Umbilical

Lugar:
Sala Triángulo

Autor:
Daniel de Vicente

Elenco:
Alberto Delgado (Javier)
Silvia Vivó (Laura)
Doriam Sojo (David)
Mónica Regueiro (Lucía)
Carles Magnet (Alberto)
Luz de Paz (Ana)

Música Original:
Pascal Gaigne

Escenografía:
Ana Garay

Iluminación:
José Manuel Guerra

Dirección:
Daniel de Vicente


Un año mas vuelve el Festival La Alternativa a Madrid, como viene siendo habitual desde el año 1989. Festival donde se da salida a propuestas  teatrales, de danza e incluso performance. Las salas que acogen estos espectáculos son la Sala Tú, La Casa de la Portera, Garaje Lumiere, Sala Tarambana, Bululú 2120 y Sala Triángulo que es donde se representan la mayoría de los montajes, como es el caso de «Cordón Umbilical» que ayer tuvo su estreno absoluto gracias al apoyo del Festival.
«Cordón Umbilical» está escrita por Daniel de Vicente, joven escritor que se ha lanzado de cabeza a dirigir su primer texto teatral. En el que trata el tema de las relaciones familiares. Tema que da mucho juego y que él nos muestra en un texto mas que interesante.
En este caso se nos sitúa, como punto de partida, en la celebración del 25º aniversario de bodas de los padres de Ana, que junto a su novio David, lo celebran entre brindis y discursos emotivos; hasta que Ana decide que es el momento de dar otra «buena» noticia… Momento en el que esta familia entra en un juego de claroscuros donde se dice mas con lo que se calla que con lo que se habla. Una maraña de relaciones entrecruzadas que atrapan a los personajes y que les hace obrar de manera muy diferente a lo que dicen.
El planteamiento y el texto están llenos de giros que nos hacen bailar entre la comedia y la tragedia, con unos diálogos inteligentes, en ocasiones chispeantes, y con mucho ritmo. Aunque llegando al final plantea ciertas lagunas que enturbian la resolución de algunas tramas. 
Hay momentos íntimos, dolorosos, ruines, divertidos, seductores… y todo destila un regusto a insatisfacción que, cada uno a su manera, los personajes luchan por sacudirse de encima; y que a mi me resultó muy atractivo.
No me gusta hablar mucho de lo que se ve en la función cuando se asiste al día del estreno porque los nervios no son buenos compañeros y la novedad no es el reflejo de lo que se podrá ir viendo según vayan apareciendo nuevas funciones. (Desde aquí felicito al equipo porque ya sé que después de su paso por La Alternativa tienen abierto un nuevo camino que les supondrá un trampolín en su camino), pero creo que es justo comentar sobre lo que se está viendo en estos momentos, que al fin y al cabo es lo que uno se va a encontrar estos días cuando visiten la Sala Triángulo.
La escenografía me gustó, me pareció sencilla y bastante elegante, con un tratamiento estudiado y bien desarrollado para las transiciones y la diferenciación entre los diferentes espacios; aunque algunos elementos del atrezzo deberían sustituirse por otros que estén mas acordes con el conjunto (Ese cenicero en la habitación del hotel y esos vasos de plástico en la cena entre los amigos, aunque son detalles mínimos, chirrían)
La interpretación de algún miembro del reparto cae en ciertas obviedades que desajustan el resultado final y hacen que me asalte la duda de saber si eso es debido a la dirección primeriza o es un tema mas actoral debido a, bajo mi punto de vista, algún error de casting. Lo siento, soy enemigo de esos momentos en los que los actores «hacen que» o montan el «teatrito» dentro de la propia función.
Quedé encantado con la interpretación de Mónica Regueiro que afronta su personaje con firmeza y con mucha naturalidad (muy de agradecer).
También me quedo con la química y la fluidez de algunos cuadros, donde se ve que los actores están cómodos y seguros, con un camino claro. Doriam Sojo y Carles Magnet, aunque haya que cuidar esos amaneramientos excesivamente forzados, tienen algunos de esos momentos, al igual que Alberto Delgado con la ya mencionada Mónica Regueiro.
El resultado es una comedia de enredo entretenida de ver, pero de la que me fui sintiendo que tiene mucho mas trasfondo del que aparenta y que se ha quedado pendiente de explorar. De todos modos, hay que darle espacio, que la función respire y ver cómo va creciendo después de estos primeros pasos.
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Antonio Zancada Gala García-Cuerva Gema Zancada Juan Manuel LaTorre Nani Rodríguez Sala Triángulo Teatro

Cuentos Surrealistas Para Mujeres Reales

Título:
Cuentos Surrealistas Para Mujeres Reales


Lugar:
Sala Triángulo

Autor:
Antonio Zancada

Elenco:
Gala García-Cuerva
Nani Rodríguez
Gema Zancada

Música:
Juan Manuel LaTorre

Estilismo:
Raquel Rodríguez

Iluminación:
Martín Egeido

Dirección:
Antonio Zancada


El viernes pasado asistí al reestreno de esta comedia escrita y dirigida por Antonio Zancada, que vuelve a la Sala Triángulo tras la buena acogida que tuvo hace unos meses.
«Cuentos Surrealistas Para Mujeres Reales» es un espectáculo montado a base de escenas independientes que tienen como nexo de unión a la mujer, así, en toda la extensión de la palabra, y las relaciones que mantienen entre ellas. Gala García-Cuerva, Nani Rodríguez y Gema Zancada, son las tres actrices encargadas de la difícil, y bien conseguida, tarea de encarnar a mas de una veintena de mujeres diferentes que viven situaciones cotidianas que poco a poco, sin que a te des cuenta hasta que lo tienes encima, se convierten en un absoluto delirio.
La función comienza con la creación de la mismísima Eva, pasando por diferentes mujeres, estados, situaciones y preocupaciones, hasta llegar a la vejez. Dando rienda suelta a todo un imaginario de momentos plagados de situaciones que todos reconocemos y que son llevados al extremo e incluso se pasan de él para saltar a otras dimensiones y convertir lo que estamos viendo en algo completamente inclasificable y con una trastienda que va mas allá de la propia «coña» o del mero divertimento.
Ir a ver un espectáculo escrito o dirigido por Antonio Zancada siempre es garantía de disfrutar de un montaje mordaz, ácido y con un toque de ternura, entre diálogos brillantes; de esos que te gustaría poder ir apuntando para tenerlos siempre presentes. A veces son pequeñas gamberradas juguetonas que te cosquillean cuando los escuchas y otras veces son puñaladas a la conciencia que te «noquean» porque no las ves venir.
Las escenas están muy bien hiladas y mezcladas, unas mas amables, otras mas cínicas, otras mas reivindicativas, pero casi todas muy acertadas. Incluso podría decir que me quedo con aquellas que dentro del «surrealismo» del espectáculo, van un poco mas allá, se mojan, y dejan un sentir agridulce en el espectador, como esas tres «Ritas» que dentro de su dulzura nos hielan por un momento la sonrisa y nos dan tanto que pensar o esas madres en la sala de espera e incluso esa ama de casa con esa relación tan «particular» con los electrodomésticos.
La música compuesta por Juan Manuel LaTorre nos transporta al mundo propuesto por el director y hace que el espectador se predisponga a entrar en el juego que se nos ofrece. Una música que tuvimos la suerte de disfrutar en directo en un momento del espectáculo, cuando Juan Manuel LaTorre acompañó a la guitarra a Gema Zancada en una de las dos canciones que la actriz interpreta en la obra.
Otro punto a destacar de la función es la escenografía, que a mi me sugería un «limbo» femenino, donde viven todos estos personajes y que les da pie a llevar a cabo todos estos cuentos surrealistas. Una casa de muñecas que sirve para crear todos los ambientes que se nos antojen y poder enredarlos y desenredarlos a nuestro antojo.
Si tengo que ponerle un pero al espectáculo, diría que son algunos finales de escena. Había ocasiones en las que se me quedaban algo descolgados, como si  la intensidad conseguida no se mantuviera  hasta el oscuro que marca el final de la escena. Noté como en algunos finales se desinflaba la atmósfera conseguida cuando las actrices salían de escena…era como si hubiera un tiempo muerto que juega a la contra del ritmo de la obra. Quizá fuera debido a los nervios del estreno.
Me gustó mucho el trabajo de las tres actrices.  Transmiten una gran sintonía entre ellas, ganas de divertirse y que nos divirtamos viéndolas. Tanto Nani, como Gala y Gema nos ofrecen una gran versatilidad interpretando a tantas mujeres y tan dispares, transformándose en apenas unos segundos. Tienen una vena «payasa» que me encanta y que me arrancó mas de una carcajada y tres miradas de las que traspasan, y una entrega que deja un sentir muy bonito en el espectador.
Tenía ganas de encontrar un espectáculo que me hiciera reir, que me divirtiera y que me despejara un poco de la intensidad emocional a la que me había entregado con otros montajes vistos recientemente, y creo que este me ha dado ese aire fresco que me necesitaba. Muy recomendable para disfrutar de un humor lleno de mensaje y de acidez.
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Cuando fuimos dos Doriam Sojo Felipe Andrés Fernando J. López Sala Triángulo Teatro

Cuando Fuimos Dos

Titulo:
Cuando Fuimos Dos

Lugar:
Sala Triángulo

Autor:
Fernando J. López

Elenco:
Doriam Sojo (César)
Felipe Andrés (Eloy)

Música:
Warko

Producción:
DoriamsOjOproduce

Dirección:
Fernando J. López



Hay veces que los montajes tienen algo que atrapa al público, o bien por lo excepcional de la historia o por todo lo contrario, por la cotidianidad de la situación que te plantea, haciendo que te sientas identificado con lo que te están contando; y creo que esto último es el arma con el que ha conquistado «Cuando Fuimos Dos» al público para que los sábados estén llenando la Sala Triángulo como lo están haciendo desde que se representó y sorprendió en el pasado Festival Visible de Madrid.
La historia, escrita por Fernando J. López, que también la dirige; nos cuenta la relación de una pareja, César y Eloy, que con la excusa de repartir sus pertenencias, se reúnen una última vez en la que fue su casa, pues aparentemente su historia ha llegado al final. Aunque lo que realmente buscan es ser escuchados y sacar de dentro todo lo que no han dicho hasta el momento y casi a modo de «juicio», nos toman al público como confidente de lo que les fue pasando y a través de «flashbacks«, nos ponen en situación de cómo surgió su historia de amor y el camino que tomó hasta llegar al día de hoy.
La función nos habla de la fina línea en la que vive cualquier relación de pareja, esa línea que se puede romper con ver un simple «Me gusta» de alguien inapropiado en el perfil de facebook del otro o como el sonido de un SMS a destiempo puede acabar por resquebrajar una relación que comenzaba a fraguarse.
Fernando J. López nos presenta dos personajes perfectamente identificables. César, un tipo que quiere vivir al día, totalmente desinhibido, que le gusta salir, y que en la vida no se preocupa de nada porque, como él mismo dice, todo lo expresa con el sexo, pero que sin embargo demanda una parcela de cariño que finge no querer. Y Eloy, que es la obsesión por el trabajo, por ser «algo mas en la vida», que tiene calculados sus pasos y que busca tener a alguien a su lado, pero que cuando lo logra, piensa que ya lo tiene todo conseguido dejando de luchar por mantenerlo vivo, sumiéndose en un peligroso ostracismo.
La función hace que en la oscuridad del patio de butacas cada uno haga examen de conciencia consigo mismo, pues todos tenemos un poco de César y un poco de Eloy y nos sentimos identificados con ellos. Y aunque la función contiene mucho humor, es un humor corrosivo que nos hace reir con mas nerviosismo del que podríamos reconocer públicamente. Y es que creo que la clave de su éxito está en la «normalidad» del asunto que trata.
Tanto Doriam Sojo como Felipe Andrés nos llevan a su terreno nada mas comenzar la función. Nos hablan a nosotros directamente, con lo que ya hacen que nos sintamos confidentes de su historia y desde ahí, ya comienzan a jugar, a llevar nuestros sentimientos hacia donde ellos quieren. Se complementan a la perfección. El trabajo de concentración que hacen es enorme. El montaje no es nada sencillo para el actor; los contínuos flashbacks les obligan a cambiar de actitud con solo «chascar» los dedos, pasan de un extremo al otro sin aparente dificultad. Nos muestran todos los estadios por los que pasa una relación sin ningún tipo de tapujo. Aunque si he de ponerles un pero, diría que eché en falta un poco mas de «cariño de pareja», me resultaban demasiado «colegas» y no tanto una pareja, quizá si hubiera algo tan sutil como una caricia, una mirada un poco mas tierna entre ellos… pero no la había y me transmitían demasiada frialdad en esos momentos en los que se supone que las tensiones daban paso al cariño. Pero al igual que digo esto, también destaco que, en los momentos de discusión transmitían una violencia muy incomoda de ver, la impotencia de César para rebatir los argumentos de Eloy tensan mucho la cuerda y eso se notaba en el público, también me gustó mucho como transmiten la desesperación por recuperar la estabilidad en la relación agarrándose al sexo o ese final que duele tanto.
Un montaje con un código muy sencillo, sin grandes aspavientos, pero muy bien resuelto. Que hace que el público se deje llevar y que a la salida genere tantas discusiones sobre lo que se ha visto. No dejéis de ir pensando que es una historia de amor gay; es una historia de amor, sin mas. La forma de ser tratada deja fuera cualquier género y es perfectamente aplicable a cualquier pareja.
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Bárbara Martín Clara Gispert Cristina Castellà Danza Esther Ariño Helena de Ramón Mercè Grané Olga Tarrés Pensamientos de Julieta Sala Triángulo Sara Pérez Shakespeare

En danza con Julieta por Madrid – Los Pensamientos de Julieta

«A las ocho de la tarde nos vemos»… Esas fueron las últimas palabras que intercambié con mi cita de hoy… Una cita a ciegas en toda regla. Digo que era una cita a ciegas porque cumplía con todas las características; no nos conocíamos de nada, pero los dos veníamos de parte del mismo amigo y teníamos cierto interés en conocer a alguien como el otro… intercambiamos algunos mails, intentando ser simpáticos el uno con el otro, dándonos pistas y finalmente ¡surgió la cita! A las ocho de la tarde en la Plaza de los Cubos de Madrid. Daríamos un paseo y charlaríamos…

He salido del trabajo nervioso, pensando en si lo que llevaba era lo adecuado para la ocasión, temeroso de cómo iba a resultar todo, si se llevaría una buena impresión de mi o quedaría decepcionada… y es que no había quedado con cualquiera ¡había quedado con la mismísima Julieta! Sí, si, Julieta la amada de Romeo. Podéis imaginar lo que eso significa, tener ante mi a la protagonista de la obra de Shakespeare, charlando conmigo, paseando y… ¡bailando para mi! Bueno, en realidad había quedado con siete Julietas a la vez… ¿Que cómo es eso? Muy sencillo, tenía seis fragmentos de la personalidad de Julieta, cada uno de ellos con su nombre y apellido personal (Helena de Ramón, Olga Tarrés, Esther Ariño, Clara Gispert, Bárbara Martín y Cristina Castellà), mas su cabeza pensante (Mercè Grané) y es que han venido a Madrid porque el día 23 de Agosto estrenan en la Sala Triángulo, el espectáculo «Los Pensamientos de Julieta». Estarán los días 23, 24 y 25 a las 20,30h y quería que me contaran de qué iba todo esto para poder contároslo después a vosotros.
Mercè Grané me comenta que el espectáculo fue un encargo para ser estrenado en el Festival Shakespeare de Catalunya del 2011 y que debido a los cambios políticos que hubo en ese momento, todo se fue al garete.

Foto Ariel S. Boissiere

Ya sabéis que aunque la cultura siempre sea la misma, si hay cambios políticos, todo da un giro extraño y lo que antes era bueno para ser subvencionado, acaba por no ser lo suficientemente válido como para ser apoyado. Obviando el esfuerzo, la ilusión y el trabajo invertido para llevarlo a buen puerto. Pero como el que vive de esta profesión mama desde el comienzo el «no» como respuesta, pues está curtido, y de un parón como el que sufrió el montaje se enriqueció y creció hasta ser lo que el 23 se podrá ver en Madrid.

Mientras me comentaba todo esto, las «Julietas» estaban calentando en mitad de la Plaza de los Cubos para llamar la atención sobre el espectáculo a los que por allí pasaban. Le pregunté a Mercè como llegaron hasta ella cada una de las bailarinas/actrices y me dice que cada una ha salido de un sitio diferente, que algunas son antiguas alumnas suyas, a otras las ha conocido del teatro musical, de la interpretación e incluso del basket! Y es que como bien han recalcado, Julieta tiene muchos fragmentos diferentes en su personalidad que tienen que ser alimentados de diferentes personalidades. Y ahora Mercè dice que le cuesta pensar en un equipo mejor para el montaje… ¡Aunque las chicas siempre la miren incrédulas cuando le oyen decir esto!

Las Julietas están ansiosas por ponerse manos a la obra y con un altavoz que funciona con bluetooth, se lanzan a bailar la primera pieza coral, consiguiendo que algunos ciudadanos se paren a ver qué es lo que están haciendo. En cuanto la pieza se acaba, las chicas se lanzan a entregar flyers promocionando la obra, y es que si ciertos sectores han ignorado en su web cultural su presencia en Madrid aun siendo de ámbito publico, ellas no se van a rendir al desaliento que esto podría ocasionar y tratan de llevar de la mano al teatro a todo aquel que quiera dejarse atrapar.

Foto Ariel S. Boissiere

Como la cosa no se puede quedar aquí, nos dirigimos a Callao, a reclutar mas espectadores y a que las Julietas nos regalen algún otro momento de la función. Mientras, Mercè me va contando que ella ha optado por ofrecer un espectáculo que mezcle la danza con el teatro, en este caso Shakespeare, porque cree que esa mezcla de ambas disciplinas es la clave para abrir puertas a nuevos espectadores que normalmente son reacios a ir a este tipo de espectáculos. Para conseguir que la posible frialdad de la técnica de la danza se derrita un poco y rompa ese muro que hace que muchos ni se planteen este tipo de propuestas… Ojalá tenga razón y este sea un paso hacia adelante para llenar las salas de nuevos espectadores con ganas de descubrir cosas diferentes.

Foto Ariel S. Boissiere

En Callao hay mucho movimiento y la policía vigila algo desconfiada con la espectación que despiertan nuestras Julietas, no les dicen nada y dejan que podamos saborear otro de los números. Yo, que voy con ellas y voy viendo los números unos tras otro, me voy envenenando de sus movimientos y cada vez tengo mas claro que tengo ganas de ver el montaje completo. Hay cierta «imperfección» en sus movimientos que me seduce, que las hace mas cercanas. Supongo que eso es lo que Mercè me contaba que buscaba, que siempre cuida la técnica, pero buscando algo mas de humanidad en las coreografías porque ellas son una mujer, con sus miedos, sus inseguridades, sus ilusiones, sus amores… y eso no está cortado en una serie de movimientos delineados, si estructurados y limpios, pero llenos de la debilidad humana. Mientras espero a que de comienzo el número, una Julieta me cuenta que en todo momento están en escena, ya que todas son una sola y lo que siente una lo exteriorizan también las demás, cada una desde su personalidad, pero toda aman, sufren, se envenenan juntas…

Foto Ariel S. Boissiere

Como ya había dicho, mi cita era para pasear y charlar con Julieta, así que en nuestro paseo, nos dirigimos a Sol, donde todo el que ha estado allí, sabe que espectadores y curiosos no les van a faltar a nuestras chicas, así que cuando llegamos, mientras ellas calientan bajo las órdenes de su coreógrafa y ya cuentan con un buen número de seguidores que les miran sin saber muy bien qué es lo que está por suceder.  Ellas se van animando cada vez mas y se van creciendo, han pasado de tener cierta timidez cuando estaban en la plaza de los Cubos, a parar por un momento la rutina de unas cuantas personas que quizá este fin de semana se animen a pasar por la Sala Triángulo y terminar de ver lo que estas desconocidas han comenzado.

Foto Ariel S. Boissiere

Nuestra última parada es la Plaza de Santa Ana y mientras vamos hacia allá  les pregunto por la música del espectáculo. Una mezcla muy variada de voces femeninas y en varias lenguas. Desde Janis Joplin, pasando por Noa, Montserrat Cavallé o Marlango, entre otras y es que hay que tener en cuenta que son varios cuadros mezclados con seis solos, uno por cada una de ellas, con lo cual requieren varias voces que expresen lo que sucede.
Cuando llegamos a nuestro último destino, nos desvelan un momento mágico del montaje. No os cuento mucho por si vais a verlo, pero es un número lleno de plasticidad y de sentimiento que ha acabado por conquistarme. Después solo hay que quedarse a un lado, mirar a la compañía. Ver como disfruta de todo este momento que han vivido en una tarde, como intercambian sensaciones, para darse cuenta de la ilusión con la que afrontan este reto de salir de su Mataró natal y venir a Madrid a mostrar lo que les nace de dentro.

Sinceramente, valoro mucho la valentía de querer poner en pie algo así, montarlo y dejarse literalmente la piel en ello. Unas poniéndose encima del escenario, otras dirigiendo o, incluso, produciendo, como es el caso de Sara Pérez, que cree como Mercè, que hay algo entremedias del teatro y la danza, que está por descubrirse y que hay que intentar darlo a conocer.
Solo por esto, yo creo que ya merece la pena hacer el esfuerzo de acercarse y comprobar en persona que hay un buen trabajo tras tanto esfuerzo.

Gracias a todas ellas por dejarnos compartir un rato tan agradable, y poder ser por una tarde sus Romeos y así sentirnos conquistados por estas Julietas. ¡Todo un placer!

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