Pues sí, poco a poco las semanas transcurren y volvemos a ponernos delante de los micros. Esta vez nos sumergimos en un programa lleno de teatro musical. Primero nos visitaron los actores de «Los Náufragos y La Isla Perdida», Igor Luna, Claudia Molina y Juan Luis Peinado, que incluso nos dedicaron una canción en directo, y después pasó por el estudio Antonio Zancada, uno de los creadores mas especiales del panorama teatral para presentarnos el estreno de «Lo Que Sé Del Amor».
Por supuesto que no faltó el repaso a la cartelera y un toque crítico hacia cierto posicionamiento de algunos políticos frente a la cultura…
Estáis invitados a escucharlo y, por supuesto, comentarnos, criticar, sugerir… ¡Queremos mejorar programa tras programa y queremos que sea con vuestra ayuda!
Autor: Bernard-Marie Koltès Lugar: Matadero – Naves del Español
Elenco: Pablo Derqui Laia Marull Andrés Herrera María Rodríguez Xavier Boada Rosa Gámiz Xavier Ricart Oriol Guinart
Esenografía: Sebastià Brosa
Iluminación: Jaume Ventura
Vestuario: María Armengol
Traducción: Cristina Genebat
Dirección: Julio Manrique
El pasado miércoles acudí al Matadero con las espectativas por las nubes. Este montaje de Roberto Zucco viene avalado por un gran éxito la temporada pasada en Barcelona y eso siempre me llena de curiosidad. Tenía ganas de descubrir qué era eso que tanto había gustado; siempre he oído hablar de esta obra, aunque nunca la había visto en escena y tenía muchas ganas de sacarme esa espinita… Y eso que no me gusta dejarme llevar por los entusiasmos exagerados, por los gritos de júbilo de las redes sociales, sobretodo porque eso se desinfla a la primera de cambio, en cuanto no veo los fuegos artificiales que deslumbraron a todo el mundo y me estropea la función.
Es cierto que Roberto Zucco es puro lirismo abierto en canal, escuchar las palabras de sus personajes provocan un desasosiego desconsolado en el alma que es difícil de deshacer tras salir del teatro. Desde el mismo momento que oímos el nombre del protagonista, comienza a respirarse algo insano en el ambiente. Mientras veía la función llegué a la conclusión de que Roberto Zucco es un virus letal que lo infecta todo, en el momento que se entra en contacto con él la vida se pudre, se llena de un olor dulzón que al comienzo parece agradable, pero en el momento que te aproximas para averiguar qué es, la peste te inunda para no soltarte mas.
Un texto Bernard-Marie Koltès lleno de violencia, de rabia, donde las palabras rezuman una brutalidad descarnada que te dejan destruido y que describen un microcosmos sin esperanza, lleno de sordidez e infelicidad de la que es imposible liberarse; haciendo que cualquier atisbo de posibilidad de escape se convierta en atractiva, aunque esa posibilidad sea abrazarse a un asesino sin escrúpulos como Zucco. Si a esto le añadimos una escenografía tan cinematográfica y el ambiente que el propio matadero otorga a cuanto allí se representa, uno no tiene que hacer demasiados esfuerzos para sentirse en ese suburbio desolador en el que todo transcurre.
Pablo Derqui compone un espeluznante Roberto Zucco. Tiene algo en su forma de interpretar que asusta y seduce a partes iguales. Es capaz de hacernos sentir lo que sus víctimas sienten cuando están ante él. Somos como esos ratoncillos que husmean a la aparentemente apacible serpiente y que cuando se confían, ya es demasiado tarde para deshacerse del abrazo mortal, pero siendo aún suficientemente conscientes como para saber y sufrir nuestro agónico destino. Pero no solo eso, además es tan disfrutable su control corporal, el ver cómo maneja las emociones a su antojo, que resulta hipnótico. Pocos actores he visto tan próximos al público y que me hayan hecho sentir tan intranquilo en mi butaca.
No así me sucedió con sus compañeros, a los que vi pasados de vueltas. Las interpretaciones del resto del elenco, a excepción de María Rodríguez como la hermana pequeña que me hizo sentir parte de su amargo viaje, me parecieron excesivamente sobreactuadas y fuera de sintonía en comparación con lo que Derqui nos regala… La sobrepasada intensidad de la mayoría me hizo pasar en pocos minutos de un posible intento de empatía a querer que desaparecieran de escena, y ya siento tener que decir esto. Después, en casa, rumiando en mi cabeza las sensaciones que me provocó la función, pensé que quizá el director, Julio Manrique, quisiera utilizar estos códigos tan alejados para mostrarnos que esa es la visión que el propio Roberto Zucco tiene de los personajes que le rodean dentro de su mente enferma; entonces sería justificable e incluso interesante. Porque no puedo negar que en momentos sentí cierta fascinación al contemplar como encarnaban todo ese amplísimo abanico de personajes; pero si esta fue la propuesta, no supe captar el momento en el que se nos diera la clave para entender que esto fuera así… Haciendo que no llegara a entrar en la historia.
En definitiva, un placer descubrir este texto de Bernard-Marie Koltès, que en mi inmensa ignorancia aún lo tenía pendiente de conocer, y ese lirismo lacerante que me embelesó y, por supuesto, descubrir y sentir la cautivación por un monstruo del escenario como es Pablo Derqui, mas allá de su personaje; lástima que fuera envuelto en algo que no me llegó a convencer o que no supe entender.
Elenco: Dolly Inma Cuevas David Aramburu Soledad Rosales Maria Velesar
Vestuario y Estilismo: Íñigo Sádaba
Producción: Kömoeres Producciones
Ayudante de Dirección: Pablo Martínez Bravo
Dirección: Juan Mairena
El mundo casi mitológico que genera La Casa de la Portera no deja de sorprenderme. Cada vez que atravieso su umbral, un mare magnum de personajes me invaden y me conquistan de una manera casi sobrenatural. A veces me siento un poco medium y tengo la necesidad de acercarme a este epicentro de vidas inventadas para escuchar a todos estos espíritus que viven dentro. Cuantas mas veces la visito, mas atrapado me tiene (Y eso que no consigo llegar a ver ni una cuarta parte de lo que programan) y menos me quiero desligar de ella… No sé, pero me da que esta casa provoca adicción…
En esta ocasión quien me hizo traspasar de nuevo el umbral de «La Portera» fue Juan Mairena y este montaje que lleva por título «Cerda». Ha sido la sensación del verano en las redes sociales, y la verdad es que no le faltan razones. Creo que es uno de los montajes mas imaginativos y frescos que he visto últimamente.
El poderío con el que Juan ha creado todo un universo de personajes contradictorios, llenos de estigmas y verdades, que viven entre la ternura y la perversión, que a pesar del aparente colorido chillón de sus personalidades, traen al público un golpe de actualidad y denuncia, sorprende e involucra. Confieso que es un auténtico placer, quizá pecaminoso, para el espectador. Juan Mairena ha jugado a retorcer tanto las situaciones que viven sus personajes que acaban por convertirse en algo claramente posible. Unos diálogos chispeantes, que juegan a mezclar con inteligentísima perfección el chascarrillo popular y la literatura universal; son metralletas verbales llenas de mordacidad, de un veneno efervescente que te cosquillea por dentro y que a pesar de provocar carcajadas, destila un profundo dolor. Pero «Cerda» no es solo eso, es también la esencia de una poética tan bella y honesta que cala por dentro, que nos hace suyos desde el mismo momento en el que la congregación del Santo Membrillo irrumpe en la sala.
Este espectáculo genera un ambiente de aparente comodidad en el espectador que hace que esté completamente receptivo sin preveer la terrible tragedia que se nos tiene preparada. Es como llenar nuestros pulmones de un aire tóxico creyendo haber dado una gran bocanada de aire fresco. Cuando uno se da cuenta, es demasiado tarde. Consigue, utilizando un espíritu colorido y juguetón, denunciar y provocar escozor en algunas conciencias, tocando temas ciertamente espinosos.
Una historia de almas forzadas, todas ellas entregadas, sin posibilidad de elección, a una vida que no les corresponde; que les ha llevado a estar donde no deberían y con un solo anhelo, lograr la paz y la purificación de un mar materno pendiente de ser alcanzado.
Dentro de la historia hay un elenco de actores fabuloso, Dolly, Inma Cuevas, David Aramburu, Soledad Rosales y María Velesar. Con momentos llenos de genialidad y personalidades perfectamente perfiladas. Un reparto que nos tienen preparadas innumerables joyas escondidas en sus gestos, en sus bocas y sus miradas. Entre todos ellos destaca Inma Cuevas que nos hechiza con una interpretación desarmante. Estamos ante una actriz que posee un «don» maravilloso y lo explota con una generosidad magistral, seña inequívoca de aquellos que están destinados a ser grandes. ¡Me fascina la sencillez, el desprejuicio y la entrega con la que trabaja esta mujer! Destaco las miradas llenas de significado de Soledad Rosales, el juego y el tormento de David Aramburu, el sentido del humor de Maria Velesar y la contundencia y la presencia escénica tan potentes de Dolly. Es cierto que alguna interpretación necesita una vuelta de tuerca en sus intenciones, estoy convencido que eso aportaría el toque explosivo que haría de este montaje un arma de destrucción masiva absolutamente imparable, pero en general todo está tan bien engarzado que no cabe otra opción que gozar como una auténtica Cerda de esta pieza que nadie debería perderse.
Son muy pocos los que consiguen fusionar con tanto acierto la ironía, la ternura, la transexualidad y el drama, con la denuncia, la comedia y el descaro, en poco mas de una hora. Lo que hace Juan Mairena con «Cerda» es un destello de genialidad que ya me tiene espectante ante lo que pueda venir.
Hace unos meses GetafeVoz nos ofreció la oportunidad de abrirnos sus puertas y lanzarnos a la aventura de hacer la versión radiofónica de «En Un Entreacto» y, sin pensarlo dos veces, nos pusimos manos a la obra.
¡Y el pasado día 16 de septiembre vió la luz el primer programa!
Aún nos quedan muchas cosas que pulir y que aprender, pero hemos comenzado con toda la ilusión del mundo y con el propósito de hacer llegar el teatro allá donde nos quieran escuchar.
En este primer programa contamos con invitados que significan mucho para este blog, que nos han hecho pasar grandes momentos tanto sobre las tablas como a nivel personal y era necesario su calor para poder ver realizado este primer paso de lo que esperamos y confiamos, sea un gran proyecto.
¡Muchas gracias a Aitor Legardón, Fernando J. López, Felipe Andrés y David Tortosa por prestaros y a todos los que nos habéis aconsejado, apoyado y habéis creído en esto!
Ya han pasado casi dos meses desde que Garaje Lumiere echara el telón. Dos meses no parece que sean mucho tiempo, pero que a nivel teatral da para un sin fin de representaciones; de ocasiones de ver sentado en las gradas de esta sala, a un montón de compañías peleando por captar nuestra atención con sus historias; de tener infinidad de sueños puestos en escena…
Celia de Molina
Han pasado dos meses y Celia de Molina ha sacado fuerzas de flaqueza para mirar hacia atrás a petición de «En Un Entreacto», con el dolor que eso conlleva, y contarnos qué pasó en su momento con esta sala que se estaba erigiendo por derecho propio en un estandarte para el Off-Madrid y que los trámites burocráticos eternos y tramposos y la nula gestión cultural por parte del Ayuntamiento de Madrid han intentado cerrarle la boca… ¡Nada mas lejos de la realidad!
Os recomiendo que leáis esta entrevista a corazón abierto.
¡Gracias Celia por tanta generosidad!
En Un Entreacto.- Para todos aquellos que no lo conozcan ¿Cómo surgió Garaje Lumiere?
Celia de Molina.-Garaje Lumière surge de la necesidad de poder desarrollar nuestras inquietudes artísticas y poder trabajar de aquello para lo que, tanto Miguel Quero como yo, nos habíamos preparado. Miguel Quero acababa de terminar la carrera de Dirección de Cine y yo hacía un año que había terminado la escuela de Arte Dramático. Recuerdo que yo trabajaba como camarera en un bar de tapas de Madrid y un día me dijeron que no me renovarían el contrato, aquello en su momento fue un palo, sin embargo, me ayudó a decidirme a buscar mi propio futuro, algo que dependiera de mi y sólo de mi.
Miguel y yo nos reunímos y comenzamos a pensar y a desarrollar lo que casi un año después sería Garaje Lumière. Al principio pensábamos en un espacio pequeño donde poder realizar videobooks, alquilarlo para ensayos y a su vez utilizarlo para nuestros propios proyectos. Lo que descubrimos con el paso del tiempo y del esfuerzo es que aquella idea se iba convirtiendo cada vez más en un sueño gigante: un lugar donde las artes tuvieran cabida, un lugar donde los jóvenes creadores pudieran realizar sus proyectos. Queríamos una ventana para los que, como nosotros, acababan de terminar sus estudios o, simplemente, no eran las bestias consagradas que normalmente se necesitaba ser para poder acceder a los lugares de exhibición madrileños.
En este viaje se unió Francesco Pozzi, pieza también clave en el desarrollo de Garaje, él acababa de doctorarse en Historia del Arte, añadió lo que se refería a exposiciones artísticas. Desarrollamos una idea donde convergieran el cine, el teatro y el arte. Nació Garaje Lumière, gracias también a muchas personas que desde el primer momento nos apoyaron, aportaron ideas e incluso participaron de la creación del lugar.
EUE.- ¿Cuántas personas habéis estado trabajando en Garaje?
CM.-En Garaje Lumière trabajábamos de forma estable 5 personas: Miguel Quero en la parte administradora y de dirección audiovisual, Silvia Chiaromonte, Francesco Pozzi el gestor cultural y responsable de prensa, Gonzalo Grillo el encargado de taquilla y ventas, Ignacio Jiménez el técnico de sala y yo como directora artística y programadora escénica.
Si contamos todas y cada una de las compañías que han pasado por nuestro espacio, la cifra de personas que han trabajado en Garaje Lumiére se dispara.
La cantidad de trabajo que genera un espacio de este tipo es abrumadora, desde técnicos, actores, directores, y teniendo en cuenta que se realizaban eventos privados, cursos y exposiciones… la verdad es que ha sido un lugar donde hemos “convertido en oficio la capacidad de soñar” (recordando las palabras de mi adorado Juan Vinuesa en su artículo de ElClubExpress)
No obstante, muchas personas colaboraron y sin ellas no habría sido lo mismo Garaje Lumière, tales como Natalia de Molina, Emilia Díaz, Maria Ángeles Díaz, Giovanna Olivari, José Pedro Carrión, Valery Tellechea, Juan Vinuesa , Carlos Rico, Vicent Díaz, Airún Oliveros…
EUE.-¿Cuál es el motivo de tener que echar el cierre?
CM.-El motivo de tener que echar el cierre es un gobierno con complejo de Narciso , que de tanto mirarse a sí mismo ha olvidado el principio fundamental para el que gobierna: el pueblo, el ciudadano.
Trabajan para entes no para personas. La cultura es la bandera de un pueblo, el trabajo no dignifica pero da de comer. Si continúan mirándose entre ellos conseguirán un pueblo moribundo.
La cultura se ahoga ante un maremoto como es el 21% de Iva y ellos siguen mirando a otro lado, continúan cerrando espacios en base a una ley que desprotege por completo la realidad de un sector, como es la ley de licencias urbanísticas en base a espectáculos del ayuntamiento de Madrid, y ellos no sólo miran a otro lado si no que ejecutan cartas de cese sin conocer cómo evoluciona el sector, sobretodo en los últimos años que han aflorado espacios escénicos que no atienden a la realidad de los años precedentes, sino que son nuevos conceptos acordes al tiempo que vivimos.
La realidad del espacio de exhibición ha cambiado, apostando por adaptarse a los nuevos tiempos, también ocurre con las nuevas formas de crear compañías, de hacer teatro, hoy en día nadie piensa ya en subsistir su creación a través de ayudas públicas, el teatro ha evolucionado para adaptarse a los tiempos, sin embargo, la administración sigue anclada en un sistema que nada tiene que ver con la realidad del sector.
El último artículo que salió sobre nuestro cierre fue en un periódico de prestigio como es EL PAÍS, pues bien, en este artículo el titular era: «GARAJE LUMIÈRE CIERRA POR VENDER ALCOHOL Y CARECER DE LICENCIA», para cualquier persona que haya conocido y vivido la realidad de Garaje Lumière éste titular es más que ofensivo, pero es, entiendo, el argumento más apropiado para un ayuntamiento con credibilidad 0, cualquier persona que no conozca Garaje Lumière y ese día tuviera EL PAÍS en sus manos, pensaría que los que trabajábamos allí somos poco menos que delincuentes y que habíamos regentado algo parecido a una discoteca y cuanto menos un pub. Con este discurso banal y volviendo a mirar a otro lado, nos cerraron el local, que ya de por sí era difícil de sustentar puesto que hoy en día regentar un espacio cultural es casi un acto heroico, bueno, sin el “casi”: ES UN ACTO HEROICO.
EUE.- ¿No hay opción de poder llegar a reabrir?
CM.- Reabrir el espacio físico es casi imposible, sobretodo en el mismo lugar donde se realizó. Sin embargo las puertas de lo que significa y es Garaje Lumière nunca se han cerrado por lo tanto no hay que reabrirlas. Nos quitaron el local, no el alma.
EUE.- Cuando os lanzasteis a la aventura de abrir este espacio ¿ya os advirtieron de los problemas
burocráticos que os ibais a encontrar?
CM.-Jamás. Miguel y yo estuvimos durante 3 meses acudiendo cada mañana a la asesoría de emprendedores de la Comunidad de Madrid, donde trabajábamos sobre escrito el proyecto que deseábamos realizar junto a un profesional de la comunidad. El proyecto debería pasar un examen de evaluación que determinaba si era viable o no, lo pasamos de forma positiva, accediendo así a AVALMADRID (un organismo que pone al servicio de los emprendedores la comunidad de Madrid para avalar créditos financieros), en este lugar un grupo de expertos evalúa el proyecto desde todos los ámbitos: financiero, jurídico, viabilidad, etc.. A nosotros no sólo nos dieron la enhorabuena por un proyecto tan bien presentado y tan bien definido, sino que nos preguntaron si podrían usarlo de ejemplo, de esta forma nos dieron el crédito y comenzamos a montar lo que después ha sido Garaje Lumière.
En todas estas evaluaciones y diagnósticos, nadie, jamás, nos advirtió de que conseguir legalizar la actividad sería imposible y ni tan siquiera difícil.
EUE.- Las reacciones de la gente a través de las redes sociales ha sido abrumadora ¿qué opinión te
merece esto?
CM.-A nivel personal ha sido uno de los mejores antídotos contra la rabia y el dolor.
El día que se hizo público el cierre de la sala el aluvión de cariño, de mensajes llenos de indignación, de dolor, fue una especie de compartir aquella injusta noticia entre todos. Entendí que lo que habíamos hecho era algo que nos pertenecía a todos, que el trabajo se había hecho bien y que aquella forma de amar desmedida tenía recompensa: las personas.
Yo conseguí transformar la rabia en amor, y aquello ha sido una de las cosas más bonitas que me ha sucedido nunca.
EUE.-¿Hay una unión real entre los profesionales y aficionados a las artes escénicas?
CM.- Buena pregunta, a veces la unión real no existe ni entre los profesionales…. De todas formas, superadas viejas leyendas de que pertenecemos a una profesión donde vuelan cuchillos entre compañeros, yo, desde mi experiencia, creo que no es del todo clara la unión entre profesionales y aficionados.
Y puedo hablar sobretodo desde mi experiencia en Garaje Lumière, mi autocrítica va en la medida en la que quizá deberíamos hacer un ejercicio de conciencia y buscar la forma de llegar al ciudadano, al público, y hacerlo partícipe de que el teatro es tan suyo como de los profesionales . Yo en Garaje Lumière, por ejemplo, veía como las actuaciones se nutrían en un amplio porcentaje de personas del propio sector que van a ver a sus compañeros, sin embargo ejemplos como la Kubik Fabrik que ha sabido hacer del barrio un espectador asiduo al teatro me parece que es la buena dirección, acercar el teatro a las personas, que es su principal labor… hacer partícipe al aficionado de las artes escénicas de los problemas del sector tan aberrantes como el IVA, los cierres de salas, según mi opinión es algo que deberíamos poner sobre la mesa y hacer autocrítica.
EUE.- La situación teatral actual en la capital, en lo que a salas de pequeño formato se refiere, es bastante complicada ¿qué solución crees que puede tener esto?
CM.- Según mi punto de vista en esto conviven dos realidades que van en paralelo:
Por un lado, es entusiasmante debido a la creciente e inspiradora actividad de creadores como José Padilla, Jota Linares, Paco Bezerra, Álvaro Aranguez, Carlos Be, Paco Anaya, Miguel Ángel Cárcano, Antonio de Cos, Íñigo Guardamino y tantos otros, que están haciendo una labor impecable al desarrollo de las nuevas dramaturgias, del nuevo concepto de compañía y que están haciendo del circuito off quizá la parte más interesante y motivadora de la realidad teatral madrileña, son ejemplos de autores que están dando y dan mucho gracias a los nuevos espacios de creación, los reconocidos como circuito off. Esta realidad que se está palpando es necesaria para la salud del teatro.
Por otro lado, los lugares donde se desarrollan están , no en una situación complicada, en una situación alarmante. Que exista un vacío legal en cuanto a la legalización de dichos espacios, nos sitúa en un marco desprotegido de cualquier golpe.
Por lo tanto, según mi opinión, el júbilo de estas nuevas tendencias y realidades teatrales debemos
protegerlo, para ello no podemos olvidar la realidad de una ley que las desprotege. Sin lugar de exhibición y sin lugares donde se prioriza la selección de obras en base a los nuevos creadores, el golpe puede ser mortal. Podremos recordar estos momentos vividos como la eclosión de unos años de libertad creativa, de autogestión de los creadores y los lugares de exhibición… pero más que un recuerdo, no quiero ser fatalista, debemos hacer de ello una realidad, que continúen, y para ello es importante no sólo aplaudir el resultado sino proteger el proceso y el lugar de exhibición.
En las jornadas de “Churros y creadores” del Fringe de Madrid organizadas por Fernando Sánchez Cabezudo, se abrieron diferentes temas de debate y de acción. Uno de ellos era el del diálogo institucional cuyo fin es hacer de la realidad de estos lugares una realidad administrativa. Hoy en día se ha creado una “plataforma” de creadores que trata, entre otros, este problema tan grave: la indefensión de los lugares de exhibición.
Es importante pues que todo el sector y los aficionados conozcan la situación y trabajemos unidos para conseguir que estas realidades prosperen.
EUE.-¿Alguna vez ha aparecido alguna personalidad política por vuestra sala? Me refiero como
espectador, a interesarse por ella, por lo que hacéis en ella…
CM.- Sí, Milagros Hernández Calvo, secretaria de cultura de Izquierda Unida y concejala del ayuntamiento de Madrid. Desde el principio se interesó por nuestra labor y en cuanto recibimos la carta de cese fue uno de los pilares fundamentales para nuestro diálogo con la administración. Hoy en día forma parte de esta nueva “plataforma” que pretende legalizar los espacios de exhibición.
De los políticos que nos han cerrado, ninguno.
EUE.- Este momento amargo e inexplicable que os ha tocado vivir ¿qué sensaciones te dejan?
CM.- Como ya he dicho antes, he tenido la suerte de transformar la amargura en amor.
Los últimos días de Garaje Lumière fueron un bálsamo contra la estupidez y la ineptitud.
Reconocí que da igual si somos pocos o muchos, lo importante es que los que seamos estemos unidos. Y tengo la suerte de haber encontrado a personas maravillosas y haber visto en sus ojos que la pena y el amor que sentíamos era compartido.
Por ello, hoy la sensación que tengo es que Garaje Lumière éramos muchos y seguiremos siéndolo y que el espacio físico es lo de menos.
EUE.- ¿Qué futuro le espera al equipo de Garaje Lumiere?
CM.-Que futuro nos espera es imposible de saber… de momento, incierto.
Por mi parte, sé que volveré a Madrid en unos días, (he pasado el mayor tiempo desconectando en una isla italiana), y asumo esta nueva etapa con fuerza, con ganas de trabajar por y para lo que he decidido dedicar mi vida: el teatro.
Por un lado, como actriz, ya tengo algunos bolos a las órdenes de mi amado Paco Anaya con la obra «S.Paradise» y después imagino llegarán nuevos proyectos y nuevas ilusiones como actriz.
Cartel promocional de S.Paradise
Por otra parte, quiero dedicar mi tiempo también a la gestión cultural, a desarrollar proyectos culturales interesantes, ya tengo alguna idea… ahora despacio pero sin calma. Y, por supuesto, retomar esta “plataforma” que surgió en el Fringe con el fin de buscar el diálogo institucional y luchar para que los que miran hacia otro lado miren de frente.
EUE.- Celia, ya hemos terminado, pero no quiero finalizarla sin dejarte un espacio para que digas lo que quieras; que nos des tu reflexión o que hagas llegar lo que quieras a todos los que leamos esta entrevista.
CM.-Pertenezco a una generación que, desgraciadamente, está destruida laboralmente. Yo he sido una emprendedora, lo fuí casi sin saber que existía dicha palabra, hoy la escucho casi a diario en boca de los políticos como si fuera una bandera que al enarbolarla les diera automáticamente credibilidad y votos, y si va acompañada de la palabra “joven” parece que sientan que podrían ganar las elecciones de un plumazo.
Ser emprendedor no es una palabra vacía, en el mayor de los casos es crear un negocio de la nada, con créditos o sin ellos pero siempre con pasión. Por él te dejas la piel y realizas sacrificios porque crees poder transformalo en un proyecto de vida, de futuro. Cerrar negocios, abocarlos al fracaso por la miopía administrativa es cortar las raíces de un futuro que no sólo afecta al emprendedor sino que afecta al tejido económico colectivo y distancia aún más si cabe a la ciudadanía del poder político.
Los políticos deberían mirar de frente a su pueblo, a su gente y no dejarse sólo ver ante personajes dantescos de gran poder económico que nada tienen que ver con nuestra realidad.
Sin salir de Madrid estamos asistiendo a la segunda parte de una de las grandes películas del cine español “Bienvenido Mr Adelson” el que nos dará trabajo a todos, el que nos dejará fumar y jugar hasta la saciedad sólo a cambio de que a él la “burocracia” le suene a una palabra de una lengua muerta y “hacienda” sólo tenga el significado de finca agrícola.
O llegarán las ansiadas Olimpiadas: tendremos trabajo para elegir, el paro bajará durante 3 meses… ah! No, perdón, las Olimpiadas no, pero bueno tenemos entre un 80% o 90% de las infraestructuras hechas que pasarán a la historia como el Aeropuerto de Castellón. Si ni siquiera saben responder en español a las demandas y necesidades de la ciudadanía ¿cómo lo van a hacer en inglés? Las pretensiones de ir hacia fuera, demostrar y aparentar sólo indican que en el interior hay algo insano.
Mensaje escrito en las paredes de Garaje Lumiere por «La Inventiva Teatro» el día del cierre.
Si nuestros políticos siguen mirando a otro lado, pensando en levantar el país sólo desde fuera, estamos siempre en el mismo lugar, es el círculo vicioso que nos llevó a esta maldita crisis de deudas gigantescas para con los bancos heredadas por el ciudadano que nada tuvo que ver. Esta soberbia del gobernante con el pueblo no es más que la herencia adquirida de caciques y señoritos. El pueblo tiene que respirar, que vivir y que decidir.
Y nosotros, los teatreros, entendemos que el teatro es espejo de la sociedad. Volvemos al callejón del gato, mírense en el espejo gobernantes, y si no lo hacen, nosotros haremos de espejo.
Y para terminar, debo ser agradecida, porque hubo quien me sustentó, quien me dió vida y quien compartió conmigo los dolores más trágicos, también las risas.
A los que me enseñaron a convertir la rabia en amor:
Emilia Díaz, Gonzalo Grillo, Juan Vinuesa, Carlos Olalla, Claudia y David, Giovanna Olivari, César Egea, Iñigo Guardamino, Francesco Pozzi, Zaira Montes, Miluka Suriñack, José Pedro Carrión, Valery Tellechea y Natalia de Molina.
Leyendo esta entrevista podríamos quedarnos con el amargor que arroja la situación que han vivido todos los habitantes de Garaje Lumiere; sin embargo, prefiero quedarme con ese amor con el que la propia Celia ha optado por vivirlo todo y seguir buscando una luz de esperanza y fuerzas para pelear o para que esto no se siga repitiendo.
Sirva este testimonio como grito de «concienciación» para todos aquellos que creen que el teatro es solo un momentos de diversión y no reparan en quienes lo hacen y las situaciones con las que tienen que pelear… y sobretodo como grito de repulsa ante las trabas y las zancadillas a las que están siendo sometidos todos los profesionales que intentan hacer de la cultura su medio de vida.
Desde aquí vamos a seguir, junto a Celia y todo aquel teatrero que quiera, alzando la voz ante la impasividad y la injusticia de aquellos que quiere asfixiar y ningunear a la cultura.
Deseo lo mejor del mundo a todo el equipo y ojalá se abra una nueva oportunidad para que el espíritu de Garaje Lumiere resurja de la manera que sea.
Gracias por regalarnos tantos y tan buenos momentos que nos han permitido volar tan alto a los que hemos pasado por vuestro espacio. ¡Chicos, lo habéis hecho muy bien!
Autor: Selección de textos realizada por José Pedro Carrión yValery Tellechea
Elenco: José Pedro Carrión Valery Tellechea
Música: Mariano Díaz
Iluminacioón: José Manuel Guerra
Vestuario: Ana Garay
Dirección: Jesús Castejón José Pedro Carrión
Corren tiempos muy complicados, sé que últimamente lo repito en todas y cada una de mis crónicas, pero la situación cada vez es mas y mas insostenible y eso hace que proliferen los espectáculos en los que se denuncia la situación tan nefasta que nos ha tocado en suerte… ¿Suerte? ¿Nuestra suerte? Lo que pasa es que casi siempre se nos ocurre señalar con el dedo al prójimo, pero ¿qué pasa con nosotros? ¿No tenemos parte de culpa? Todo no se va a pique por un solo mal y, hay veces, que el mal también reside dentro, pero nos cuesta reconocerlo. «Júbilo Terminal» dirigida por Jesús Castejón y creada e interpretada por José Pedro Carrión y Valery Tellechea, nos habla de esto.
Un actor atrapado en su propia nebulosa teatral; el desencanto de los años y de la anteposición del negocio sobre el arte; la tediosa tarea de tener que ser un faro para los que vienen detrás, cuando lo único que quieren es un escalón que les permita saltar el muro en vez de rodearlo.
Una actriz que necesita gritar su rabia, golpear con todas sus fuerzas, reclamando ser escuchada y cambiar las cosas para recuperar el espíritu original del Teatro, recuperarlo como altavoz hacia el mundo para que todo vuelva a tener sentido.
Un teatro vacío, en todos los sentidos.
La búsqueda de un escape ante la degeneración de una profesión que se devora a si misma.
Con estas premisas parte «Júbilo Terminal». Una denuncia dicha a la cara, que lanza hacia el espectador personajes como Cyrano, Vanya, Hamlet, Ricardo III, Puck… como armas arrojadizas.
José Pedro Carrión dueño y señor de la escena, que tan pronto le vemos como un ser absolutamente derrotado, como le vemos corretear y saltar cual bufón que intenta hacernos reir con sus verdades y que hace que los cimientos de «El Sol de York» tiemblan con esa potentisíma voz con la que revive un buen ramillete de textos del teatro universal. Valery Tellechea remueve conciencias, lanza luz y provoca un entusiasmo rebelde con el peso que otorga el convencimiento de quien ama esta profesión. Y que posee momentos muy bellos, como ese fragmento del Cyrano que me emocionó profundamente.
Todo esto tiene algún «pero» y es que creo que es una obra hecha por y para la gente de teatro, que no sé si llegará a un público mas general. Toda la primera parte de la función es un juego continúo de textos y personajes clásicos que, a parte de lo perfectamente ejecutados y el juego de descubrir su procedencia, creo que despista por su complejidad y no logra indicar hacia donde quiere llegar. No es hasta el momento en el que Valery Tellechea aparece como la joven actriz, que uno comienza a vislumbrar la propuesta y es ahí, cuando el diálogo se establece de una manera mas clara, consiguiendo llamar nuestra atención. En ese momento comienzan a decirse verdades como puños. Se arremete contra todo profesional que se precie, desde el mas nuevo e ilusionado actor que quiere llegar rápidamente a lo mas alto, a los grandes «Totems» de la interpretación que miran desde su posición acomodada como todo se desmorona, que no se molestan en mover un dedo desde esa posición privilegiada. «Júbilo Terminal» apela a un «desperece» general para sacar adelante una profesión que padece de una enfermedad terrible, «ombliguismo galopante«. Su Talón de Aquiles. La función camina por la fina línea entre la denuncia, absolutamente necesaria, y el panfletismo, y a veces patina excesivamente hacia lo segundo… Espero que al menos esto sirva para que tenga lugar el despertar interno de la profesión.
Es una función complicada de digerir y de asimilar por el nivel de conocimiento teatral que exige para poder caminar comodamente por su interior, pero que puede ser necesaria como grito desesperado que reclama con urgencia una unidad dentro del mundo del Teatro… pero una unidad real, no de «Photocall«.
La temporada 2012 – 2013 finaliza donde comienza la temporada 2013 – 2014 y es ahí donde he podido encontrarme con La Inventiva Teatro que nos ha traído «Las Penas Saben Nadar» de Abelardo Estorino, dirigida por Arístides Naranjo.
Un monólogo a dos bandasque nos retrata el grito desesperado de una actriz harta de luchar por intentar tocar la luz esperanzadora de verse protagonista y el miedo a llegar a conseguirlo. Una actriz que se resiste a la resignación de vivir en papeles «pequeños», viendo como los demás la adelantan por los lados. Harta de vivir el rechazo y los premios de consolación. Un viaje autodestructivo del que no sabe si ya es demasiado tarde para escapar, ni si quiere escaparse de él…
Y junto a ella, el espíritu del Teatro que, como un ángel tirano y protector, sobrevuela las penas de la Actriz; dibujando la desolación de ver a una de sus hijas padeciendo de amargura; viendo amenazada su existencia cada vez que la actriz utiliza la botella como válvula de escape, perdiendo una nueva ocasión de rozar con los dedos la clave de su salvación.
Un texto lleno de una belleza terrible que ya tuvo su momento de gloria hace años de la mano de la actriz cubana Adria Santana y que ahora ha estado haciendo temporada veraniega entre la desaparecida «Garaje Lumiere» y «La Usina». Un texto que suena doloroso, desencantado, oscuro y desgarrador, como el lamento de cualquier ser humano que ve sus sueños hechos añicos y que descubre que, injustamente, nuestras vidas no son del todo nuestras, que parte de ellas siempre estará en manos de los demás.
En este valiente montaje ideado por Arístides Naranjo en el que se mezcla danza y teatro, se pueden vislumbrar lo que, si las posibilidades se convierten en hechos y les vuelven a programar, en unas bellas y descarnadas interpretaciones tanto de Maty Gómez como de Rossella Segre.
Maty Gómez es la encargada de poner voz a la desencantada Actriz que nos habla desde ese lugar donde el miedo y las esperanzas se encuentran entrelazados, enfrentándose (casi) en soledad a un monólogo que la abre en canal. Y Rosella Segre es la encargada de dar vida al Teatro, realizando un ejercicio de movimiento y danza que subraya las palabras y ofrece una réplica enriquecedora y llena de plasticismo.
Ellas defienden con ganas el montaje, se entregan a él y logran momentos de gran belleza y dolor, pero también se notan ciertas carencias que da el no poder representar con algo mas de continuidad. Es complicado que representándose una vez por semana, un texto como este adquiera la dimensión y el peso que requiere. Quizá me meta en terreno en el que no debería meterme, pero aún a riesgo de sobrepasar la línea, me gustaría decir que noté cierta urgencia en el texto, en llegar a ciertos lugares de la función, descuidándose las pausas y el tempo, que creo que es algo primordial para que el texto respire y adquiera la dimensión que le corresponde en esta función. El tema de coordinar las músicas, los movimientos y el libreto tiene una complejidad que en momentos les juega a la contra, pero que sin embargo en otros ofrece un atractivo que dinamiza la función.
Se nota que el empeño y el trabajo por poner esta montaje en pie es grande y bien realizado por parte de todo el equipo.
Un producción, como decía, muy valiente. Con muchas cosas que contar y aportar, que posee el germen de esos proyectos que vienen con el firme propósito de dejarse la piel en cada una de sus representaciones.
Elenco: Mar Abascal Mar del Hoyo Bart Santana Leo Rivera Eloy Arenas
Escenografía: Producción: Dirección: Anna Tusell El Reló, Verteatro y Smedia Gabriel Olivares
Una de las propuestas mas interesantes para este comienzo de temporada, en lo que al bolsillo del espectador de a pie se refiere, es la que ha lanzado el Teatro Lara. Una tarifa plana con la que podremos ver todas las funciones que queramos hasta final de año pagando un precio muy, pero que muy asequible.
No sé si será la forma de combatir la crisis del 21% o no, eso lo dejo para discutirlo en otro momento, porque como con todas las cosas, tendrá sus defensores y sus detractores, pero mirando el gasto mensual en entradas que tenemos los “teatreros”, es una idea fantástica de la que me he querido aprovechar sin dudarlo un momento.
La función con la que he dado comienzo al uso de la tarifa plana ha sido con “Burundanga”, obra a la que le tenía echado el ojo desde que andaba por el Teatro Maravillas, pero que no ha sido hasta hoy, que ya llevan innumerables temporadas llenando, cuando he podido verla. Es cierto que mi interés por el montaje ya era grande tras las recomendaciones de todos los que han ido pasando por esta casa de locos, pero esto se multiplicó tras hacer el artículo sobre la preparación y las previas al estreno de“La Caja”y conocer a su director Gabriel Olivares, y descubrir cuales son sus métodos de trabajo y su pulso con la comedia, me apetecía descubrir algo mas.
“Burundanga” cuenta la historia de una pareja en la que ella se queda embarazada por «accidente». A pesar de que la idea le encanta y está decidida a tener al bebé, tiene dudas de que a su novio la noticia le vaya a entusiasmar de la misma manera que le entusiasma a ella, así que se lo comenta a su mejor amiga, con la que comparte piso, y deciden que la manera de averiguarlo es suministrándole una dosis de Burundanga, droga que hace que el que la toma no pueda mas que decir la verdad sobre todo aquello que se le pregunta, sufriendo de amnesia parcial pasados sus efectos. Lo que no saben las dos amigas es que van a descubrir mas de lo que esperan…
Una comedia de enredo absolutamente divertida que sorprende por la forma de tratar un tema un tanto escabroso (prefiero no desvelar nada para que, quien vaya a verla por primera vez, le pille por sorpresa. A mi, por tardar tanto en ir a verla, me la destriparon…) y que a cada paso que da descubrimos un nuevo recodo por el que nos asaltan mas sorpresas.
A primera vista la temática de la función puede chocar por la ligereza con la que se trata. Hasta ahora no había visto ningún montaje que lo tratara de una manera tan abierta y que no molestara el tipo de humor que gasta. Y eso es gracias a que Jordi Galcerán ha sabido escribir un texto que mezcla muy bien el humor negro con la parodia y el esperpento, creando unos diálogos divertidos y un buen puñado de momentos delirantes; y que gracias a la dirección de Gabriel Olivares logra un ritmo frenético por el que uno se deja llevar sin oponer ningún tipo de resistencia. Sí es cierto que, llegada la resolución de la trama, la historia pierde fuelle, después de conseguir unos picos tan altos de hilaridad, uno echa en falta algo que de sensación de traca final.
De entre todos los actores del reparto me quedo sin lugar a dudas con Mar Abascal. Es la reina absoluta de la función; Desde sus primeras intervenciones es la que lleva la batuta en cuanto a ritmo y conexión con el público, ya disfruté de esta maravillosa actriz cómica en “Mi Primera Vez” y aquí riza el rizo; donde a otro le quedaría una sobreactuación molesta, a ella le nace un personaje hecho con gracia y que engancha tanto que hay momentos en los que se la echa en falta.
Con esto no quiero desmerecer la labor del resto del elenco, porque creo que Mar del Hoyo es el contrapunto perfecto. Disfruté viendo como dibujaba todos los puntos de vista de su personaje y como va ganándole terreno el desquiciamiento. Bart Santana está muy divertido y gusta ver lo dispuesto que está a jugar con ganas el rol que le ha tocado en suerte.
Leo Rivera está correcto, tiene muy buena vis cómica, sus anteriores trabajos dan fe de ello, pero en momentos le vi forzado, pero quien me dejó algo frío fue Eloy Arenas, no sé si hacer la misma función desde hace tanto tiempo provoca que se pierda frescura en las intenciones, llevándole a tener que remarcar en exceso las “gracias” para lograr un resultado, pero su interpretación, de entre todas, fue la que me dejó mas indiferente. Aún así, la función brilla e hizo que pasara una tarde divertidísima.
Ya lo he dicho en mas de una ocasión, que el mejor antídoto para un día de estos que se te vuelven en contra, es meterte en vena una buena comedia con la que descargar a base de carcajadas las malas energías y esta es una candidata perfecta, ¡sales con el cuerpo nuevo!
Muy recomendable a todos aquellos que busquen disfrutar a base de humor pasado de vueltas.
La semana que viene comienza de nuevo la temporada teatral en la capital, ¡ya había ganas!, y Nave 73la abre con una obra de la compañía Mudanzas y Portes Teatro, la obra se llama «Amor, ¿Y si lo hacemos antes de morir?» escrita por Álvaro Doñate y Marta Sánchez, dirigida por Samuel Señas e interpretada por Beatriz Manrique, Miguel Rascón, Carlos Guardiola y Álvaro Doñate, una comedia ácida que promete no dejarnos indiferente.
El pasado Lunes tuve el placer de pasar una tarde de charla con Álvaro Doñate y Miguel Rascón para que me contaran detalles de la creación tanto de la compañía como del montaje, que podremos ver todos los viernes a partir del próximo día 6 de Septiembre. Siempre es un gusto poder hablar con gente que derrocha tanto sentido del humor y tanta pasión por lo que hacen y que, ante las trabas que se plantean en estos momentos tan difíciles, se crecen y se lanzan al reto de presentarnos su propuesta.
Diseño de Eduardo Navarro y Miguel Rascón
En Un Entreacto.-¿Cómo surge la compañía?
MIGUEL.- Surge de una idea que tuvimos un día hablando de que estaría bien juntarnos y hacer algo. Y como Álvaro escribe, él es el dramaturgo de esta obra, ya tenía claro con quien quería hacer la obra, así que nos juntamos, leímos el texto, nos gustó mucho desde un primer momento…
ALVARO.- ¡¿Qué va a decir él?! Jajaja
MIGUEL.- Ese fue el germen de todo. De una charla de “¿Porqué no nos juntamos?… Hay que hacer cosas…” ¡y aquí estamos, a punto de estrenar!
Después vino lo de buscar a Marta Sánchez que es una muy buena guionista que trabaja para Globomedia entre otros sitios, para que colaborara haciendo arreglos en el texto, en la dramaturgia y que acabó formando parte de todo esto. Además de encontrar al director, claro, a Samuel Señas… y de esto puede que haga un año…
ALVARO.- Sí, mas o menos hará 8 o 9 meses que se cerró el texto, que fuimos juntando a las personas, actores, director… Samuel fue quien nos sugirió a Marta, ya había trabajado con ella y nos dijo que porqué no la sumábamos al proyecto para rematar algunas partes del texto y así es como poco a poco se creo “Mudanzas y Portes Teatro”
EUE.- ¡Teatro! Que nadie se confunda con el nombre.
MIGUEL.- Sí, teatro. Porque además eso es lo que realmente nos gusta, el teatro. Nos apasiona todo lo audiovisual, la performance, lo que rodea el tema del diseño, pero en donde nos encontramos realmente cómodos es ahí, en el teatro; en la suma de todas las cosas que lo rodean y que hacen que sea eso ¡Teatro!
Fotografía de Mandela Photography
EUE.- Así que este es el primer montaje que hacéis como compañía, ¿no?
MIGUEL.- Sí, habíamos trabajado antes juntos en varias ocasiones, procedemos de la misma escuela, aunque no en los mismos cursos, pero si que hemos coincidido en trabajos dentro y fuera de la escuela; pero como compañía y con nuestro propio texto es la primera vez, porque aunque lo haya escrito Álvaro junto con Marta, es “nuestro”.
ALVARO.- ¡Ahora ya sí! Jajaja La verdad es que la obra se ha convertido en un poco de todos y creo que ese es el camino inteligente. Y sí, como compañía es nuestro primer montaje. “Amor, ¿Y si lo hacemos antes de morir?”, título cortito, ¡como el nombre de la compañía! Jajajaja
EUE.- Y el estreno absoluto además es este próximo día 6 de Septiembre.
ALVARO.- Sí, este es el estreno. En Nave 73, todos los viernes a las 21,30h.
EUE.- ¿Y qué es lo que nos vais a contar con la función? Todo lo que sea posible contar sin desvelar demasiado…
ALVARO.- Es cierto que hay obras en la que puedes contar mas y otras en las que puedes contar menos… y esta es de las que puedes contar menos… Es una obra muy original, fresca, divertida, pero no solo es fresca y divertida. Comienza con un ritmo muy similar al de las sitcom televisivas, son cuatro personajes muy identificables. Raúl, Pilar, Alex y…
Fotografía de Mandela Photography
MIGUEL.- Hugo
ALVARO.- ¡Eso! Raúl, Pilar, Alex y Hugo… ¡Me había olvidado!… jajajaja
No hay un negro, juro que la he escrito yo, eh?!
La obra habla de cuatro amigos, uno es Álex, que vuelve del funeral de su primo y quiere reunir a su novia, Pilar, y a sus dos mejores amigos, a los que conoce de la época de la universidad, para hacer algo… y a partir de ahí tiene que ser el espectador el que tiene que venir y descubrir su propósito. La obra comienza de una manera y termina de otra muy distinta. Es una obra en la que, como bien lo define Samuel, el público siempre va un paso por delante, siempre tiene un poco mas de información que los personajes y va viendo hacia donde va yendo todo. La obra habla de que no conocemos tanto a la gente que nos rodea, por mucho que lleves 10 años conociéndote.
MIGUEL.- Es algo muy bonito porque, como espectador, puedes ir vislumbrando lo que les sucede a los personajes cuando el protagonista y sus verdaderos amigos, que están en escena con él, no se están enterando de nada. Es una especie de puzzle que se va armando desde fuera. Es como cuando estás pintando un dibujo muy grande, pero que como estás trabajando desde tan cerca, no eres consciente de lo grande que es, pero desde la distancia, posición que tiene el espectador, se puede ver la envergadura real que tiene todo.
Fotografía de Mandela Photography
EUE.- Álvaro, ¿en qué te inspiraste? ¿Fue la obra la que unió a la compañía o la compañía inspiró la obra?
ALVARO.- Fue un poco las dos cosas. Si que es cierto que cuando escribía la obra pensaba en Miguel, en Bea, pensaba en Carlos. No voy a decir que los personajes sean ellos, pero si que están hechos un poco a su medida y tiene cierta “cosa” de cada uno de ellos, pero yo la escribí y luego se la propuse. La verdad que esto ha sido como un plato al que se le han ido añadiendo ingredientes que han ido encajando bien, a ver ahora que tal.
MIGUEL.-¡A ver ahora si nos hemos pasado de sal! (Mirada cómplice entre los dos)
ALVARO.- ¡Claro! , ahora habrá que ver si nos hemos pasado de sal o se ha quedado soso…
EUE.- Ya hay ganas de estrenar, ¿verdad?
ALVARO.- La verdad es que sí, que yo firmaría porque mañana mismo se estrenara.
Además que todo ha sido un tanto accidentado, han sido un montón de meses de ensayos, de buscar salas y cuando ya la teníamos, la sala injustamente cerró, como le ha pasado a otras tantas en tan poco tiempo…Después tuvimos la suerte de encontrarnos con Nave 73 que lo acababan de inaugurar hacía muy poco tiempo y fue un flechazo absoluto, nos encantó porque puede llegar a ser un punto de referencia teatral en la ciudad y sentimos que encajamos muy bien con su estilo, por su programación, por como son ellos…
EUE.- Miguel, tiene que ser algo muy especial inspirar la creación de un personaje, ¿no? Por la circunstancia que sea, físico, actitud, la forma de interpretar…
MIGUEL.- Sí, la verdad es que Álvaro nos conoce mucho y es una cosa muy bonita que un amigo piense en ti cuando está escribiendo. Fue muy especial cuando me lo ofreció, aunque fue justo el momento en el que comenzaba con los ensayos de “Bajarse al Moro”(Miguel participó en el montaje que la Kimera Teatro realizó de la obra de José Luis Alonso de Santos a comienzos de verano en Madrid) y estaba metido en otras cosas, pero pensé “La tengo que hacer” y Álvaro me preguntaba todo el tiempo “pero ¿tú la vas a poder hacer? Si puedes, el personaje es tuyo, pero ¿la vas a poder hacer?”
ALVARO.- ¡Y ha podido!
EUE.- La verdad, Miguel, es que este año lo has tenido lleno de proyectos.
Fotografía de Mandela Photography
MIGUEL.- Sí, este año he tenido tres montajes. “Bajarse Al Moro”, “Amor, ¿Y si lo hacemos antes de morir?” y el próximo 14 de septiembre estreno en Getafe “1984” inspirada en el libro de George Orwell. Así que este año está siendo un tanto stresante, pensaba “Estoy en tres obras a la vez, no tengo tiempo para ensayar y, lo mejor de todo, ¡no tengo tiempo para ganar dinero!” ¡Me he pasado los últimos meses encajando ensayos y a la vez intentando encontrar trabajo en los huecos que tenía entre ensayos!
ALVARO.- ¿Para qué ganar dinero si no lo puedes gastar? Jajajaja
MIGUEL.- ¡Me voy a llevar una tienda de campaña al local de ensayo! Pero no puedo quejarme, estoy encantado de la vida.
ALVARO.- Al final hemos llegado todos vivos. Todos tenemos que compaginarlo con nuestras cosas, todos tenemos mil historias, pero es gratificante ver como al final todos hemos encontrado tiempo, a pesar del cansancio de venir de otro ensayo o de un bolo en alguna ciudad de “no se donde”…
MIGUEL.- Y eso yo creo que al final es positivo, porque toda los que pertenecemos a “Mudanzas y Portes” somos gente que no paramos, somos gente muy activa, que nos gusta generar. Y todos nosotros somos así. Si fuéramos gente que se queda en casa viendo la tele, Álvaro, no hubiera pensando en nosotros para esta obra, o no hubiera tenido ese arranque para empezar a escribir.
ÁLVARO.- Es que al final, de la gente que te acuerdas es de todos aquellos que se mantienen activos, de la forma que sea. Y al igual que ha pasado con nosotros, ha pasado con Mandela que es el fotógrafo o Eduardo Navarroque es quien ha diseñado junto a Miguel el cartel, son gente que le apetece involucrarse en proyectos y es que el movimiento genera mas movimiento.
Fotografía de Mandela Photography
EUE.- Es cierto lo que dices, es muy necesario provocar que sucedan cosas, no quedarse parado esperando a que alguien venga a proponerte, si no que seas tú mismo el que diga “Venga, hay que trabajar y seguir hacia adelante. Si no sale trabajo por este lado, vamos a hacerlo nosotros por este otro”.
ÁLVARO.- Sí, hay que generar cosas que a ti te gusten, que a ti te motiven, porque no siempre te toca trabajar en cosas que a ti te gusten y no estamos en posición de rechazar nada, pero si que es un gustazo poder hacer cosas que te gustan.
EUE.- ¡Claro! Es muy importante poder tener el placer de poder hacer lo que a ti te llena.
ÁLVARO.- Es cierto, aunque a todos no tiene porqué gustarnos lo mismo. Esta obra puede que a unos les guste y a otros no, ¡fantástico! Solo espero que a nadie deje indiferente. Además que creo que las cosas rezuman algo que va mas allá cuando está hecho con ganas y se nota el cariño. Tal y como está el panorama, si haces algo, hazlo con ganas, ¡con lo que cuesta levantar un proyecto! Eso siempre lo digo cuando voy a ver un proyecto de alguien que ha levantado algo con cuatro personas, “Chapeau! Por la valentía”
EUE.- A la hora de encarar el trabajo, ¿ayuda el que todos hayáis pasado por la misma escuela?
ÁLVARO.- Sí, si que ayuda porque es un código muy similar, pero por ejemplo Samuel, el director, estudió solo un año y medio en Cristina Rota, después él se licenció en la RESAD y a mi, de las cosas que mas interesantes me ha parecido de este trabajo es la visión que él nos ha aportado. Aunque nos conocía, no había trabajado con todos y él nos ha aportado su visión, sus herramientas como director y ha sido de las cosas mas enriquecedoras, me ha dado formas de trabajar que yo no conocía… A parte, por supuesto, de trabajar con todos ellos.
EUE.- Álvaro, ¿qué se siente a la hora de ver tu creación en escena?
ÁLVARO.- ¡Casi prefiero no pensarlo! Ya bastante nervioso estoy con el trabajo como actor como para pensar en lo otro jajajaja
No, en serio, la verdad que a nivel personal, ver algo tuyo, aunque insisto que no es solo mío, también es de Marta y me gusta hacer hincapié en ello, te llena de ilusión y de orgullo, ¡no voy a negarlo! Pero también muchos nervios
MIGUEL.- Es que es una gran responsabilidad.
ÁLVARO.- Claro, es una gran responsabilidad, por eso te decía que no quería pensarlo mucho jajajaja
MIGUEL.- A ti no te puede servir la típica situación en la que se dice “A ti , como actor, el texto es que no te ayuda”! jajajaja
Fotografía de Mandela Photography
ÁLVARO.- Estoy contento por el hecho de pensar en aquel momento en el que pensaste por primera vez en una situación y ver hasta donde ha llegado. Justo esta sensación la he vivido también hace poco con una pieza mía que se representó en Microteatro, pero me ilusiona ver que ahora es una obra de teatro larga… ¡Aunque no mucho! jajajaja
EUE.- Pero tiene que ser difícil distanciarse y trabajar como actor en algo que ha salido de ti, ¿no?
ÁLVARO.- Bueno, como al final ha sido un trabajo de todos, con su colaboración ha sido mas fácil, porque lo han hecho suyo, y muy bien hecho. No ha habido momentos en los que haya pensando “Madre mía lo que están haciendo…” Confié mucho en ellos.
MIGUEL.- Yo he conocido algunos autores que se han metido en el montaje y se ha convertido muchas veces en una tortura. Es cierto que no siempre, pero si he vivido casos en los que he oído eso de “No has respetado tal coma o no has dicho la frase como venía”. Sin embargo Álvaro ha confiado en el director y cuando estaba como actor, estaba como actor y eso se agradece mucho.
ÁLVARO.- Es que es muy importante que cada uno tenga su sitio. Así entiendo yo el teatro, el cine, la televisión… me da igual y yo he disfrutado del proceso como actor porque estoy trabajando como actor y es que con Samuel me ha sido muy fácil desprenderme porque creo que lo ha hecho muy bien y me ha descubierto incluso cosas en las que ni yo mismo había pensado que pudieran ir por ahí.
EUE.- Samuel ha aportado una visión diferente.
ÁLVARO.- Claro, porque cuando uno lo crea, lo tiene en su cabeza y en el momento que viene otra cabeza, lo que hace es sumar y eso siempre es positivo.
La escenografía también la ha ideado Samuel. Todo está hecho de cartón, con cajas… El nombre de la compañía viene un poco por ahí. Es una idea muy interesante, es el salón de una casa a la que se acaban de mudar. Tiene cierto toque de “Dadaísmo”…
MIGUEL.- Es la idea de trasladar las cosas de sitio, tanto de objetos como de, en este caso, el público. Porque lo que intentamos es cambiar las cosas de lugar tanto exterior como interiormente.
Las cajas de cartón tienen un simbolismo muy fuerte, todo el mundo las identifica con los cambios.
Samuel habla de que las personas siempre acaban por tomar la forma de lo que llevan dentro y, basándose en esto, él ha pensado que las cajas pueden tomar la forma de las cosas que guardan en su interior. Por eso una caja que guarda una planta, de repente se convierte en esa misma planta, al igual que una persona si alberga algo oscuro en su interior acaba oscureciéndose. Creo que es algo muy interesante.
EUE.- Pues sí, la verdad que es una visión y una idea fascinante que le dará otra visión cuando veamos la función. Bueno, y para finalizar esta entrevista, ¿qué esperáis de Mudanzas y Portes de aquí a un futuro?
Fotografía de Mandela Photography
ÁLVARO.- Bueno, somos muy conscientes que las circunstancias no son muy propicias y que ahora mismo la única manera de poder salir de la comunidad de Madrid; porque programar en la capital es algo complicado viendo los cierres de salas alternativas que está habiendo y que los teatros comerciales no se atreven a arriesgar, a pesar de estar convencidos que al gran público le encantaría; es salir a festivales o ir a ayuntamientos, y lo del tema de los ayuntamientos en estos momentos está complicado. No queremos ser pesimistas y si que andamos hablando con programadores, pero de momento nos queremos centrar en el estreno y nuestro paso por Nave 73. Así que animamos a todo el mundo a que se acerque y descubra esta historia.
MIGUEL.- Y yo aprovecho desde En Un Entreacto para decirles a los teatros comerciales que se atrevan a apostar, al igual que hacen salas como Nave 73 que se arriesgan y programan cosas que les gusta y lo defienden, y que hagan ver a través de su programación al gran público, que no solo los actores de renombre hacen buenos trabajos, si no que hay muchos actores y compañías que estamos ahí, con ganas de ofrecerles otras alternativas. Aunque somos conscientes que eso sería lo ideal y que es complicado mover a los públicos tan diferentes que hay en salas y teatros para que conozcan otros espacios distintos a los que están acostumbrados.
ÁLVARO.-Claro, la gente tiene que ser consciente que las salas alternativas son eso, alternativas, y no solo quedarse con esa visión de que van a encontrar teatro “experimental”, si no montajes de obras de todo tipo, desde teatro clásico o autores contemporáneos a esa teatro “experimental” del que hablo.
Estaría encantado de que hubiera cierta porosidad y la señora que va al Coliseum se deje caer por Nave 73 o que quien viene por aquí se deje llevar por algo programado en el María Guerrero. Lo importante es la calidad y de un tiempo a esta parte la calidad del teatro hecho y programado en las salas alternativas ha crecido muchísimo, simplemente es teatro autogestionable que no cuenta con ayuda de los “grandes”, pero eso no quiere decir que no pueda ser tan grande como ellos, y eso es lo que mola. Al fin y al cabo es cultura y eso es de lo que se trata, ¿no?
Y con esta llamada de atención al público tan cierta y este buen sabor de boca, cerramos una tarde tan agradable, llena de buen humor, teatro y contagiado con su ilusión y las ganas de poder ver «Amor, ¿Y si lo hacemos antes de morir?».
Solo me queda dar las gracias a Álvaro y a Miguel por dedicar un rato de su tiempo a En Un Entreacto y por su generosidad y darnos la exclusiva de poder publicar junto a esta entrevista el primero de los Teaser de la función.
Por supuesto, no me quiero olvidar de Rocio Navarro de Nave 73 por su compañía y por prestarnos un hueco de esta maravillosa sala para que esta entrevista tuviera lugar.
Sigo diciendo que es un auténtico placer poder contar con «Teatreros» que quieran aportar tanto y con tantas ganas, ahí seguiremos estando para apoyarles.
Si queréis comprar las entradas podéis hacerlo a través de la web de la sala o en Atrápalo y también podéis seguirles a través de Twitter: @MudanzasyPortes y @nave_73
Este mes de Agosto me lo estoy tomando mas relajado, sin correr por las salas de la ciudad. La temporada ha sido intensa y un respiro viene muy bien para recargar energías. Había que tomar aire para la temporada que viene y perfilar algunas novedades con las que En Un Entreacto cobrará una dimensión diferente que os contaré en breve.
Eso sí, hay cosas que son imposibles y una de esas cosas es que un servidor esté un mes completo sin pisar un patio de butacas, sea cual esa, y no aparecer por aquí para contároslo. Así que el miércoles pasado, aprovechando que al día siguiente no se madrugaba, me metí una dosis triple deMicroteatro.
La programación de este mes de Agosto en Microteatro es de esas que provoca que a uno se le caiga la baba. Muy buenos actores y directores con pequeñas joyas bajo el brazo que no hay que perderse. Sí, me he quedado con dos de ellas pendientes y no descarto dejarme caer de nuevo para hacer el pleno porque me han hablado muy bien de ellas.
Esto de ir a Microteatro con intención de ver varios títulos es como ir al Parque de Atracciones. Una saca los tickets en taquilla, con la excitación de no saber qué se va a encontrar, qué sensaciones le va a provocar.; suena el timbre que te llama para que entres a ver la primera de las funciones y bajas los escalones que te dirigen a la sala, aguardas escuchando las instrucciones; solo falta eso de «Por su seguridad, mientras la atracción esté en marcha, no saque los brazos del coche», y te adentras en lo desconocido… Y cuando ya sales y subes las escaleras que te devuelven a la realidad, los que esperan en la cola te miran con ojos interrogantes tratando de captar cuáles son las sensaciones que te ha provocado la experiencia. Y corriendo vuelves a taquilla, ¡a por otra!
La primera de la obras que vimos fue «Superman de Postre», escrita por Daniel Llull y dirigida por José Luis Sixto, donde somos testigos de ese momento que todos hemos esperado cuando hemos visto las películas o hemos leído los comics del Hombre de Acero, ese instante en el que Clark Kent (Enrique Asenjo) y Lois Laine (Mery Cabezuelo) se confesarán sus mas íntimos secretos… ¿Todo será como siempre hemos esperado?
En esta obra nos adentramos en una historia en la que José Luis Sixto y Daniel Llull cuidan que todos los detalles tengan su significado, hasta el mas pequeño de ellos. Envolviéndonos en ese universo con regusto naif tan propio de las historietas del superhéroe. Nada mas llegar, al espectador se le hace entrega de una gafas especiales que le protegerán del efecto de la Kriptonita y en cuanto se abre la puerta de la sala es arrastrado al interior de una viñeta de comic. Con estos detalles uno ya entra con la sonrisa en la cara, predispuesto a adentrarse en una historia que da para mucho en muy poco tiempo, donde Enrique Asenjo y Mery Cabezuelo nos hacen vivir un momento del que siempre hemos especulado y que ellos, por fin, lo aclaran… ¡a su manera! Dos actores que aportan una visión bien diferente y muy esclarecedora de este mito. Una comedia que nos hizo pasar un rato muy divertido y que os recomiendo que curioseéis si pasáis por Microteatro en estos días.
La siguiente pieza que vimos fue «Ayer», un texto de Helena Tornero, con Carmen Mayordomo e Iván Ugalde, dirigidos por Pilar Massa.
Una historia de amor con un giro totalmente inesperado. Un mordisco de actualidad que, como ya nos tienen acostumbrados Carmen e Iván, nos hace salir de la sala con la respiración entrecortada y sobrecogidos por la experiencia, nada de lo dicho está dejado al azar, cada acto tiene sus consecuencias y así lo transmiten. Son un tandem perfecto que maneja la emoción del espectador a su antojo y desde la mas absoluta verdad. Sus palabras, sus reacciones, sus giros en las conversaciones, texto sorprendente de Helena Tornero, me fascinaron. Son dos actores que siempre me seducen con la forma de manejar los claroscuros de sus personajes. Iván Ugalde consigue que lo repudies y te enamores de él en cuestión de segundos y Carmen Mayordomo es de esas actrices que vive en el límite de los personajes mas duros y la delicadeza de quien necesita ser amparado… Dos bestias de la escena que electrizan el ambiente en centésimas de segundo. Es complicado hablar sobre este montaje sin desvelar nada que no sea clave; ni el argumento, ni sus reacciones pueden comentarse sin destapar el pastel. Hay que verlo y dejarse salpicar por esta historia que es un lobo disfrazado de cordero.
Y para terminar, tuvimos el acierto de hacerlo con «No sé tú, pero yo…», una descacharrante comedia escrita y dirigida por Antonio Gabasa e interpretada por Aixa Villagrán y Germán Torres. Una comedia que habla sobre las relaciones de pareja, los estereotipos entre hombres y mujeres y la magia… Siempre es un gusto poder ver en escena a Germán Torres, un actor que se da a los personajes, sea cual sea su género y su condición, con el cariño y el respeto de quien ama esta profesión y si a eso le añadimos el maravilloso descubrimiento de Aixa Villagrán que tiene el don de la comedia clásica. Todo se hace perfecto. Uno entra con la intención de pasarlo bien y sale con una sonrisa de oreja a oreja y la sensación de habérselo pasado en grande. Entre los dos hacen que no podamos evitar reirnos a carcajadas con las situaciones planteadas, desquiciando los tópicos para que todos nos veamos reflejados en ellos y los encontremos absolutamente cercanos. ¡Qué difícil es la comedia y qué fácil parece con ellos! Un acertado broche final para una tarde de lo mas fructífera y variada, donde disfruté de grandes y acertados trabajos y donde se volvió a demostrar que el teatro sigue estando muy vivo.
¡Qué bien poder ver como el arte patalea y se hace notar allá donde se represente!
En Un Entreacto 