Autor: joseaalba

Categorías
DT Espacio Escénico Entrevistas La Sole Teatro Teresa Rivera Valeria Alonso

Entrevista con Teresa Rivera – LA SOLE

«Hay momentos que el blog me sorprende. En un entreacto cobra vida propia y se mueve casi de manera autónoma. Se cuela en la vida de personas a las que ni yo mismo conozco, se relaciona por si solo y, por alguna razón que se escapa a mi entendimiento, hace que la gente se quiera comunicar con él… ¡Es algo maravilloso y doy las gracias por ello!»


Estas palabras las publiqué no hace demasiado tiempo en mi muro personal de Facebook intentando agradecer a todos aquellos artistas que se han querido poner en contacto conmigo porque han visto algo en el blog que parece que encaja con su forma de trabajar y de sentir. ¡Era (y es) algo mágico! y sentía la necesidad de contarlo, pero sobretodo de agradecer que fuera así.
Entre estas personas que contactaron conmigo estaba Teresa Rivera queriendo presentarme su espectáculo «La Sole» y ya, por fin, este martes pasado pudimos conocernos en persona.
No soy periodista, ni mucho menos, espero que sepáis perdonar todas las torpezas que pueda cometer; pero realizando estos artículos y entrevistas busco algo que nadie mas me puede dar y es conocer la información de primera mano. La cercanía de una charla relajada con un café o una cerveza, hablando de su trabajo, de su cotidianidad, del teatro, de la vida y de todo aquello que surja. y, por supuesto, después poder contarlo aquí.
Como decía, hace unos días quedé en la Plaza de Lavapiés con Teresa Rivera, actriz cordobesa de larga trayectoria en montajes comprometidos con el sentir de la gente de a pie; que nos trae de nuevo esta semana a los escenarios de la capital su espectáculo «La Sole». Un monólogo que realmente no lo es tanto pues lo que tiene ella en escena es un diálogo abierto con su soledad a la que ella llama cariñosamente «La Sole».
Este espectáculo ya tiene bastante rodaje, no solo en las salas de la capital, si no en varios espacios escénicos de otras provincias ¡Y lo que le queda! No hay mas que ver los vídeos que Teresa cuelga en la página de Facebook de La Sole o en el blog que tiene del montaje lasolecontenta.blogspot.com.es donde se la ve pasear por el barrio en el que precisamente hemos quedado para tomarnos unas cervecitas y charlar, Lavapiés, y confraternizar con sus vecinos, para ver que la vida de La Sole es muy larga, ¡tanto como su bata de cola!

Teresa me comentaba que este espectáculo nació de la necesidad de sacar fuera la sensación de soledad y aprender a vivir con ella con total naturalidad. Todos tenemos la nuestra, pero la vemos como algo oscuro y que no nos gusta, y hay que sacudirse eso. Una frase que me dijo Teresa y que me gustó mucho es que «No hay que confundir soledad con ausencia», después del encuentro la he meditado mucho y posee muchas connotaciones interesantes de examinar con uno mismo.
Ella, junto a Valeria Alonso, con la que ya había trabajado anteriormente y que es quién la ha dirigido en este espectáculo, trabajaron desde su propia experiencia y a base de improvisaciones, de situaciones en las que tenemos que vernos las caras con nuestra propia soledad, y así fueron saliendo los textos. Siempre enfocados desde la simpatía hacia lo único que nos acompaña cuando nacemos y que está junto a nosotros cuando morimos.

Como ella bien dice, es preferible afrontar este tema desde el sentido del humor, es mas cercano, mas sano y de consumo mas fácil para el espectador. Sacarle todo tipo de aditivos oscuros y deprimentes, y tratarlo como lo que es, algo cercano e inevitable. Y sobretodo que apetezca conocer arrancándole todo dramatismo. Me decía que ella pretende acercar el sentir de la soledad a todos los que vayamos a verla, mostrarnos que no hay que tenerle miedo, que está ahí para quedarse y acompañarnos en nuestro vivir diario.

Y así, hablando de cómo es su forma de trabajar, le pregunté cómo se hace para sacar adelante un espectáculo como este, ahora que la cosa está tan complicada. Me dice que ella ha tenido la suerte de rodearse de gente que, por diferentes vías han ido queriendo implicarse con «La Sole», gente que le ha entregado muchísimo cariño y han enriquecido el espectáculo de mil maneras diferentes. Eso sí, Teresa ha decidido echarse a la espalda todos los asuntos de prensa y distribución, «No hay dinero para poder pagar a alguien», y de esta manera, sin dinero, no tiene garantías de que nadie se involucre en el proyecto como lo haría ella misma. «No puedo exigir a nadie que se implique al 100% si no cobra un duro», eso solo lo hace ella que lo ha visto nacer y ha salido de su labor junto a Valeria. Así que la que se ha metido de lleno en las redes sociales, en lo de los encuentros con los medios, el «carteleo» y demás maneras de promocionar el espectáculo, ha sido ella. Nadie le va a garantizar nada mejor que ella misma.
Una cosa que me llamó la atención fue la fusión de humores y le pregunté por ello; Teresa andaluza de pro y Valeria argentina afincada en España. Me comentaba que ha sido una mezcla muy interesante y enriquecedora, pues lo que no aportaba una, lo aportaba la otra y siempre encontraban un nexo de unión que ahora se refleja en el espectáculo. Cuando se pudieron a gestar a «La Sole», Teresa se encargaba de lo gestual y Valeria escribía sobre ello, dándole el toque textual. Cada una se encargaba de un terreno y después mostraba a la otra, dejando fluir todo lo que les sugería, sin interrupciones ni discusiones. Teniendo muy claro que el tiempo de creación y ensayo, era tiempo únicamente dedicado a esa labor y discutiendo qué funcionaba y qué no pasado ese momento. No querían contaminar con discusiones lo que pudiera aparecer por sorpresa.

Otra de las cosas que a todos nos va a llamar la atención es la apariencia de La Sole, con su bata de cola larguísima. Teresa me dice que surgió espontáneamente, La Sole es el reflejo de lo que ella siempre quiso hacer y ser y no hizo ni fue, coplera y bailaora. Con lo que La Sole vive la copla, muchos textos están inspirados en letras del género, como un reflejo de sus sentimientos y pensamientos y su atuendo es esa bata de cola que pasea por Lavapiés con tanto orgullo. «La bata da una cercanía que ni te imaginas. Si ahora mismo estuviéramos aquí, tomándonos las cañas, tal como estamos, pero yo estuviera con la bata; verías que a todo el mundo se le ilumina la cara. Y es que la bata contagia una energía muy bonita». Al comienzo Teresa no sabía muy bien qué iba a hacer con la bata, pero sentía que para vestir su soledad, necesitaba de esta bata, y así apareció lo que ahora la identifica y le aporta una personalidad tan arrolladora. La bata fue haciéndose hueco dentro del montaje y le imprió carácter.
La verdad que es bonito ver que las ideas fluyen y se transforman dándonos la oportunidad de disfrutar de propuestas que en otros espacios no se pondrían en escena. Sin embargo, gracias a pequeños espacios, podemos llegar a otro tipo de teatro que nos alimenta diferentes rincones del alma.
Estas son las cosas por las que doy gracias al blog, por poder llegar a artistas con los que seguramente de otra forma no me hubiera llegado a tropezar. Poder saber de ellos, de su esfuerzo por tener su hueco y ver que su propuesta es tan válida como la que tenemos en los teatros principales de la ciudad.
Gracias a Teresa por contarme tantas y tantas cosas y prestarse a charlar con «En Un Entreacto» y aportar otra visión de este mundo tan maravilloso y tan complejo. Gracias por la calidez con la que me trató y la cercanía y sinceridad de sus palabras. ¡Mucha suerte con La Sole y con todo lo que vaya regalándote la vida!
«La Sole» nos espera a todos en DT Espacio Escénico desde el 15 de Noviembre al 8 de Diciembre, de Jueves a Sábado a las 20,30h.
Categorías
Ángel Galán Íñigo Rodríguez-Claro Daniel Teba En el cielo de mi boca José Padilla Nudo Teatro Teatro

En el cielo de mi boca

Título:
En el cielo de mi boca

Lugar:
Sala Nudo Teatro

Autor:
José Padilla

Elenco:
Daniel Teba

Música:
Ángel Galán

Iluminación y Escenografía:
David Pizarro

Vestuario:
Almudena R. Huertas

Dirección:
Iñigo Rodríguez-Claro 

Madrid se va llenando de espacios escénicos y me encanta ir descubriéndolos. Si os váis fijando en las fichas de las crónicas que voy escribiendo, veréis que pocas son las veces que se repiten las salas o espacios donde voy a ver las funciones, y es algo que me encanta. Es de agradecer que, a pesar de la crisis y las zancadillas a la cultura, haya tanto lugar, tanta propuesta y tan variada que poder echarse a los ojos. Su esfuerzo les cuesta, lo sé.
Esta vez la ocasión se me plantó en el barrio de Malasaña, en la Sala Nudo Teatro, a donde acudí a ver «En el cielo de mi boca» de José Padilla. Algo había oído hablar de la función, pero no fue hasta que Daniel Teba, que se ha echado a la espalda las labores de promoción del espectáculo, contactó conmigo para hablarme de la función y despertarme las ganas de ir a descubrirla. Y yo, que soy curioso porque sí, no me lo pensé dos veces y acudí a su llamada.
La función nos sitúa en una habitación de hotel, donde Wilhelm, cantante descubierto en un Talent-show, nos habla de su ascenso y caída hasta «los suburbios del infierno», como él mismo dice.
Wilhelm, entre nervios y alcohol, hace una confesión terrible a un periodista llamado para tal efecto, periodista que nunca veremos porque somos todos los que allí nos encontramos. Una confesión en primera persona y dicha directamente a los ojos.
Después de haber visto su trabajo en el «Enrique VIII» de Rakatá, tenía ganas de ver mas cosas de José Padilla y fui a ver «En el cielo de mi boca» con ganas de volver a disfrutar de su talento. Y no me equivoqué, me encontré con un texto que nos habla de cómo los sueños a veces se convierten en realidad… En la cruda realidad… 
De como nuestra ilusión, si cae en manos ajenas, puede llegar a convertirse también en algo ajeno, en una cosa extraña que nos da asco y que ya nunca volveremos a sentir nuestra. Pero también nos habla de como podemos llegar a reaccionar cuando nos sentimos enjaulados; cuando sentimos que lo que entregamos con la pureza del corazón es manipulado y pisoteado. Del ser que habita, aletargado, dentro de nosotros y que no sabemos que existe hasta que alguien le pisa la cola.
Daniel Teba hace un trabajo realmente bonito, desplegando todo un abanico de talento. Imprimiendo una energía y un peso a su personaje que en ocasiones hace que, cuando lanza su mirada hacia ti, atrapada entre la locura y la desesperación, te haga contener la respiración, sin saber cual va a ser su reacción. Nos muestra un animal, que como todo aquel que se encuentra enjaulado, es imprevisible.
Canta, calla, ríe, llora, baila, habla… y nos hace sentir su miedo, el miedo a saber que ya no hay marcha atrás, que ha sido la víctima de un juego que le ha llevado a hacer lo que jamás hubiera imaginado y del que estaría encantado poder rebobinar y olvidarse. Cosa imposible.
Solo un «pero», a veces la entonación del texto, la forma de decirlo, cae en cierta cadencia monótona que le quita algo de verdad. Por lo demás no puedo mas que aplaudir a Daniel, que nos regaló una gran función, hecha con profesionalidad y total entrega, a pesar de ser contados los espectadores que nos encontrábamos en la sala.
Tampoco quisiera dejar de mencionar la dirección del montaje por parte de Iñigo Rodríguez-Claro, que le ha impreso una plasticidad, con la ayuda de la escenografía y la iluminación de David Pizarro y la música de Ángel Galán, muy interesante de ver. Capaz de transmitir las sensaciones del personaje tan solo con un cambio de luces o escuchando los acordes que nos ayudan a ir y venir en los recuerdos de Wilhelm. Nos sitúan en infinidad de espacios en un escenario tan reducido como el de la sala Nudo Teatro. Nos muestra la angustia del personaje con la crudeza necesaria y la fealdad de todo lo que le rodea, descubriéndonos la suciedad que hay tras los brillos de los focos y los flashes como un pedazo de realidad mas.
La verdad es que me sentí muy contento de haberme sacudido la pereza de un miércoles lluvioso y acercarme a descubrir un trabajo tan bien hecho que, confío, tenga un largo camino por recorrer.
No os despistéis mucho que de momento solo estarán los miércoles de este mes y no deberíais dejarlo pasar.
Categorías
Cesar Belda Chemari Bello David Ordinas Evil Dead El Musical George Reinblatt Kinépolis musicales Pablo Puyol Sam Raimi Teatro

EVIL DEAD EL MUSICAL

Título:
Evil Dead El Musical

Lugar:
Kinépolis – Madrid

Autor:
George Reinblatt

Elenco:
Pablo Puyol/David Ordinas (Ash)
Sergio Arce/David Velardo (Scott)
Mariola Peña/Teresa Abarca (Linda)
Rebeca Medina/Carolina Morán (Shelly)
Esther Izquierdo/Elsa Álvaro (Cheryl)
Sara Pérez/Manuela Nieto (Annie)
Salvador Toscano/Fédor de Pablos (Ed)
Javier Navares/Fernando Samper (Jake)
Félix Ortiz (Fake Shemp)

Músicos:
Salva Suau – Batería
Miquel Porcel – Guitarra
Petko Mielchev – Teclado

Adaptación:
Félix Ortiz y Salvador Toscano

Dirección Musical:
César Belda

Dirección:
Chemari Bello

Hace cosa de un año, si no es mas, vi por internet unas fotos en las que salían carteles de los musicales mas famosos transformados en zombies… me hizo mucha gracia, pensaba que era la locura de alguien que le había dado por retocar esos carteles; al poco tiempo me enteré que esas fotos pertenecían a una campaña de publicidad para otro musical «Evil Dead», me pareció una campaña muy divertida e inteligente… Me llamó tanto la atención que comencé a investigar de qué iba ese musical, escuché la música, vi imágenes, vídeos… y desde ese momento no se me quitó la idea de que quería verlo ¡sin lugar a dudas! Así que cuando comencé a oir rumores de que se estaba por montar en nuestro país, mi «yo» mas friki no dejó de seguir los pasos que se iban dando, esperando noticias y con ganas de ver la puesta en escena.

Este musical dirigido por Chemari Bello y César Belda, es otra vuelta de tuerca de aquella trilogía dirigida por Sam Raimi y estrenada a comienzos de los 80 que tenían por título «Posesión Infernal», «Terroríficamente Muertos» y «El Ejército de las Tinieblas». Aquí el autor de esta versión, George Reinblatt, nos ofrece una mezcla de las tres historias con un toque paródico covertido en un musical absolutamente loco y desmadrado que contiene unas canciones divertidísimas y muy pegajosas que, aún días después de haberlo visto, sigo tarareando. Gran trabajo de Félix Ortiz y Salvador Toscano con la adaptación.

Por casualidades que ocurren de vez en cuando, tuve la oportunidad de ver dos días seguidos la función y con mas suerte todavía, pude ver los dos elencos a excepción del papel de Shelly que en las dos funciones lo interpretaba una estupenda Rebeca Medina, con lo que pude hacer un análisis mas concienzudo de lo que nos van a ofrecer vayamos el día que vayamos.

Lo que uno se encuentra cuando va a ver esta función es un montaje de «Teatro Serie Z», algo absolutamente premeditado y, para mi, todo un acierto; dando toda la libertad del mundo para que se salgan de madre y puedan hacer vibrar a la platea.
La escenografía juega entre los paneles casi pintados a mano, como si fuera algo amateur, y la reconstrucción con todo lujo de detalles de la casa donde sucede la acción, llena de sorpresas.
Muy divertida y resolutiva la caracterización y los efectos especiales (como digo, propios de una serie Z cinematográfica)

¡Ojo! A lo largo de la crónica voy a hacer un momento de spoiler, pero tranquilos que lo avisaré para que os lo podáis saltar y no destripar detalles de la función a todos los que estáis aún por verla.

La propuesta es magnífica y, a mi como público, me apetece muchísimo encontrarme una obra tan pasada de vueltas como esta, pero creo que hay diferencias muy grandes entre algunos actores. Supongo que ha sido complicado poder ensayar entre todos y llegar al mismo código para que veamos, aunque diferente, la misma propuesta con cualquiera de ellos.
Hay actores que se lo toman con una energía y una «guasa» totalmente «cartoonesca», como si fueran auténticos dibujos animados. Opción mas que acertada y que funciona a las mil maravillas… pero hay otros que, teniendo el mismo rol, se quedan demasiado cortos y se pierden intentando llegar al propósito de la función, divertir al público con una actuación totalmente demencial. Noté en algún actor cierto miedo a caer en el ridículo por querer ir un poco mas allá… Imagino que con el paso de las funciones irán cogiendo mas confianza, mas peso y el montaje tomará mas cuerpo.
Lo mismo pasa en momentos con el ritmo de la obra, hay cambios demasiado lentos que hacen que afloje el ritmo alocado, cosa que creo afecta a la hora de mantener enganchado al público. Son problemas de dirección que espero se estén teniendo en cuenta y estén intentando subsanar, porque esta obra tiene mucha «chicha» y es una pena que se quede en un intento de llegar a ser lo que estoy mas que seguro, por los profesionales que en ella trabajan, pueden lograr sin problema alguno. ¡Tienen que dejar al público sin un solo momento para respirar durante las casi dos horas de función!

Pero igual que digo todo esto, también creo que hay trabajos realmente buenos y que están al nivel adecuado, con los que disfruté mucho.
Tanto Pablo Puyol como David Ordinas están divertidísimos y hacen un tour de force entregándose en cuerpo y alma a ese sufrido Ash, ofreciéndonos un grandísimo trabajo físico y vocal. Muy gratamente sorprendido con el humor y la autoparodia de Pablo y encantado de ver como David desata su vena mas gamberra. Dos auténticos payasos en el mejor sentido de la palabra.
Y si a ellos les sumamos a unos compañeros tan entregados y en sintonía como Sergio Arce, Mariola Peña, Rebeca Medina, Sara Pérez (su Annie es la partenaire ideal), Elsa Álvaro/Esther Izquierdo (Auténticas roba escenas con su Cheryl), Salvador Toscano o Javier Navares (genialmente interpretado su palurdo Jake), el nivel de locura que adquiere la función es brutal. Están todos ellos muy bien dibujados, llenos de detalles, de matices y de sentido del humor, que hacen que te entregues a lo que te ofrecen con ganas.

Esto es un musical, que no se nos olvide, y aquí si que no tengo nada que objetar. La banda dirigida por César Belda suena muy potente y todos los interpretes, sin excepción alguna, suenan muy bien. Y, salvando algunas dificultades propias del directo, creo que han logrado el objetivo, llenando de calidad vocal cada uno de los números.

– ¡ATENCIÓN SPOILER! (Si no has visto la función, sáltate este párrafo)-

Yo estuve en la Splatter Zone y creo que está poco aprovechada. ¡Confieso que la disfruté muchísimo! pero me quedé con hambre de mas…
He visto vídeos de otros montajes y se juega mas con la splatter de lo que se hace aquí. No digo que se haga igual, porque sé que en cada sitio cada director hace suyo el montaje, pero estaría muy bien que hubiera mas momentos de salpicaduras. Sorpresas a lo largo de la función que mantengan mas en tensión a los que se ofrecen a ser salpicados.
Durante la obra hay muchas mutilaciones, muertes y desmembramientos que bien merecen algún que otro chorro de sangre hacia el público y que serían muy bien recibidos. Lo digo como opinión personal, pues creo que ayudaría mucho a que el público se involucre mas aún en la función y la atmósfera de locura que rodea al montaje funcione con mayor potencia.
Son sugerencias y opiniones hechas con cariño y ganas de que la obra mejore en su propuesta.

– FIN DEL SPOILER- 

Como decía mas arriba, me lo pasé en grande reviviendo la sensación de diversión que teníamos con las pelis de miedo y gore tan cutres de los años 80. Está muy bien conseguido y estoy seguro que puliendo problemas con el ritmo y sacando la vena mas payasa de los actores que están mas tímidos, este puede ser uno de los montajes musicales mas divertidos del momento.

Categorías
David Ordinas Entrevistas Evil Dead El Musical

Entrevista a David Ordinas – EVIL DEAD EL MUSICAL


Ayer día 30 de Octubre se presentó el musical “Evil Dead” en la que va a ser su casa durante esta temporada, los cines Kinépolis de Madrid. El reparto está encabezado por David Ordinas y Pablo Puyol que alternan el papel protagonista en este musical que mezcla el terror y la comedia; y que está basado en una saga clásica del género de terror de los años 80.
La función cuenta la historia de cinco jóvenes que deciden pasar la noche en una cabaña en mitad del bosque, y por cosas del azar, se tropiezan con el Necronomicón, libro que despierta a los demonios y que les va a complicar la existencia mas de la cuenta…

En esta ocasión quien se ha prestado a contestar algunas preguntas de “En Un Entreacto”y desvelarnos algunos detalles del montaje y de su personaje, ha sido David Ordinas, actor al que habréis podido ver en “Cats”, “Cabaret”,“La Bella y La Bestia”, “Los Miserables”, y que también ha participado en conciertos homenaje a Sondheimy ha pertenecido desde su creación a “Póker de Voces”.
– David, ha pasado por un buen puñado de papeles, entre los que se encuentran Rum Tum Tugger (Cats), La Bestia (La Bella y La Bestia), El Obispo y Javert (Los Miserables) Y ahora… Ash en Evil Dead El Musical.¿Cómo has llegado hasta él?
– ¡Sobretodo he llegado con muchas ganas de hacer algo sin máscara! jajaja. En esas producciones, o literalmente tenía una máscara en la cara o estaba respaldado por escenografías espectaculares, que dejan al actor en el mismo plano que la producción.  En Evil Dead el actor es “el todo”; el trabajo físico, vocal e interpretativo es insuperable y a la vez contamos con todas las armas que tiene la producción para atraer al público.
– Un alivio dejar que sean los demás los que se “endemonien”, ¿no?
– Ya tenía ganas de ser más yo en un escenario, trabajar mi físico y no el de una bestia, un gato, etc…
– Supongo que este personaje te lleva a explorar a gran escala esa vena gamberra de la que ya venías haciendo alarde en “Humor Miserable”, ¿no?
– Efectivamente, lo mejor de esta producción es que por parte de la dirección nos han dejado mucha libertad a la hora de crear y, como sabréis por “Humor Miserable”, ¡mi cabeza no tiene fin! jajaja.
– Desde que se comenzó a gestar este proyecto, he ido siguiéndoos por las redes sociales (Facebook, Twitter, Instagram),observando los avances ¿Cómo ha sido el proceso de trabajo desde que te enteraste que estabas dentro de “Evil Dead” hasta ahora que estáis estrenándolo?
– Ha sido un proceso largo… Es una obra muy complicada ya que hacer humor, como sabes,es muy difícil.  Sólo encontrar cómo va a ser tu personaje ya lleva un tiempo. Es un combo entre verdad y “pasado devueltas” complicado de explorar.
– ¿Qué te supone a ti como actor interpretar a Ash en este musical?
– Hasta ahora mucha responsabilidad. Al fin y al cabo llevas el peso de la obra y prácticamente no sales de escena… Y ahora, disfrutar muchísimo.  Hacer humor de esta manera es para mí una satisfacción

– Tengo entendido que ir a ver la función es toda una sorpresa, no ya por lo que conlleva en si el musical y sus efectos, si no por el elenco ¿Cómo podríamos decir? ¿Hay dos elencos? ¿Dos actores por papel? ¿Cómo va a funcionar? ¿Un fan de David Ordinas o de Pablo Puyol podrá saber cuándo estará interpretando a Ash?
– Debido a los compromisos que tenemos muchos de nosotros con otras producciones u otros trabajos,  se decidió que la mejor manera era doblar elenco y, dependiendo de esos compromisos, verás a unos u otros actores.
Intentaremos anunciar cuándo estará cada uno en todos los papeles,  pero desde aquí os invito a que vayáis repitiendo. Todos y cada uno de los fantásticos actores de esta producción han aportado su grano de arena en la creación y cada función será diferente. Hemos puesto unos precios muy baratos para que esto pase.
– ¿Qué proyectos, que se puedan decir, tienes entre manos en estos momentos?
– El más importante es “Esta noche no estoy para nadie” de Juan Carlos Rubio. Una comedia musical muy bonita y divertida. Estaremos de gira durante esta temporada y esperamos que la siguiente esté en Madrid.
– Este montaje promete momentos bastante impactantes, que traspasarán la cuarta pared, teniendo como plato fuerte esa Splatter Zone…¿Cómo va esa interacción, aunque sea sólo por las salpicaduras, con el público? ¿Te gusta el gore?
– Creo que es de los mejores momentos de la obra ¡Que te dejen ser canalla de esta manera es impagable! jajaja. La experiencia completa de esta obra se vive en la Splatter Zone, venir un grupo de amigos y reíros como nunca.
Me encanta el gore cuando es con humor.
– ¿Cómo está reaccionando la gente que lo ha visto en las previas? ¿Cómo crees que vana reaccionar los seguidores de la saga original creada por Sam Raimi?
– Por ahora la gente sale encantada,  y quiero pensar que los fans recibirán el musical como lo han hecho en el resto del mundo; entendiendo la parodia y disfrutando, ya que lo hacemos, tanto nosotros como los autores que la crearon, desde la mas profunda admiración.

– Si viéramos otros montajes de “Evil Dead” fuera de nuestro país yel nuestro, ¿qué diferencias y que similitudes podremos encontrar?
– Cada país  tiene su manera de entender el humor ¡Nosotros básicamente hemos dejado lo que nos ha hecho gracia a nosotros! jajaja. Si por casualidad la gente tiene el mismo sentido del humor que nosotros, van a disfrutar muchísimo, jajaja. Quiero pensar que en cada país se ha hecho así.
– ¿Cuáles han sido los motivos que os han llevado a representar en una sala de cine en vez de en un teatro?
– En los tiempos que corren, es quien mejor nos lo ha puesto… jajaja. 
 Kinépolis se ha portado fabulosamente con la producción y nos ha dado muchísimas libertades.  Recuerda que hay mucha sangre, una banda de rock en directo y muchos gritos, tanto de risas como de euforia. Por su parte es arriesgado ¡y les agradecemos que hayan aceptado el reto!
– Sé que acabáis de comenzar, pero ¿hay intención de mover lo por el resto de España?
– Por lo que sé, parece que sí hay intención ¡Larga vida a Evil Dead!
– ¿Podrías dedicar unas palabras a “En Un Entreacto” y decir por qué ira ver “Evil Dead El Musical” a los lectores del blog?
– Gracias a “En un entreacto” por informar sobre el género,  por compartir la pasión que sentimos los que hacemos y los que vemos teatro en este país y por apoyar a “Evil Dead” en este camino que esperemos que sea muy largo.
“Evil Dead” es una obra diferente, arriesgada, llena de “idas de olla” que te sacarán de lo convencional y te invitarán a pasar dos horas de pura locura. 
¡Entra sin prejuicios y te aseguro que saldrás encantado!
Tenemos música en directo, actores, cantantes y bailarines excepcionales y una obra divertidísima.
¡Muchas gracias a todos por leer y por apoyarnos!
¡Ser un demonio nunca fue tan divertido!
Desde “En Un Entreacto” damos las gracias a David por dedicarnos un rato de su tiempo y dejarnos conocer un poquito mas de este actor, al que le deseamos muchos éxitos, tanto en este proyecto que acaba de arrancar como en futuros proyectos.
Categorías
Carmen Pardo Cuarteto Daniel Acebes Diagoras Producciones Garaje Lumiere Heiner Müller Susana Garrote Teatro

Cuarteto

Título:
Cuarteto

Lugar:
Garaje Lumiere

Autor:
Heiner Muller

Elenco:
Susana Garrote (Merteuil)
Daniel Acebes (Valmont)

Producción:
Diagoras Proyectos Artísticos

Dirección:
Carmen Pardo





No hace mucho fuí a ver «La Hermosa Fea» donde Daniel Acebes estaba en el reparto. Tras la función estuvimos charlando y me comentó que al día siguiente estrenaba un nuevo montaje, «Cuarteto» de Heiner Müller y me quedé con la copla. Hace poco tiempo Daniel comentó por las redes sociales que lo traía a Madrid, a la sala Garaje Lumiere, así que, decidido a no dejar pasar la ocasión, fui a verlo. La obra me gustó bastante, pero también es cierto que se me escaparon varios aspectos de la misma y Dani se ofreció a despejarme todas mis dudas… ya aproveché y me empapé bien de cómo surgió esta nueva propuesta de Diagoras Proyectos Artísticos.
Para el que no lo sepa, la función tiene como habitantes a dos de los personajes principales de «Las Amistades Peligrosas», habla de sus relaciones, de sus pasados, sus conquistas, sus derrotas y de sus ambiciones.
Daniel me comentaba que decidió hacer esta función porque el cuerpo le pedía arriesgar, salir un poco de la línea de teatro que estaba realizando y atreverse a dar un paso diferente, darse el gusto de poder apostar por otro tipo de propuesta después de 10 años como productora. Poder mantener los montajes que lleva actualmente y además tener este que tanto le apetecía afrontar como actor. Además de lo que les supone «abandonar» temporalmente los teatros convencionales para entrar y explorar el mundo de las salas mas pequeñas e intentar llegar a un público diferente al que suelen tener.
Hablando de porqué este texto y de cómo se lo había planteado, me decía que este texto siempre ha sido encarado desde una lectura completamente diferente a la que el autor ha pretendido, de hecho no hace muchos días en el muro de Diagoras Producciones se publicaba esto: 
«La primera impresión que uno tiene de «CUARTETO» es que se trata de una obra muy negra, muy desagradable, muy irreverente, muy revulsiva, pero al mismo tiempo Müller ha insistido, como Chejov, en que sus obras son cómicas. Él se quejaba de que los directores se las tomaban demasiado en serio en cuanto a la concepción. escénica.»

Y esto es precisamente lo que define qué movió a Daniel, junto a Carmen Pardo, directora de la función, y Susana Garrote, compañera de reparto, para montar esta obra. Han intentado acercarnos una visión de este montaje de una forma mas sencilla, intentando no caer en la «sesudez» e incluso arrancar al público alguna risa. Evidentemente, dentro de lo que el propio texto les ofrecía.

Ahora bien, os cuento lo que fue la obra para mi, que también es un poco de lo que se trata cuando escribo la crónica de una función.

Confieso que cometí un error grave. Uno, como espectador, no debería ir al teatro con una idea preconcebida de lo que va a ver porque lo que se hace a si mismo es condenarse a no disfrutar. 
Si uno no conoce el texto, como era el caso, lo mejor es ir con la mente abierta, dispuesto a que le cuenten y le lleven por donde la compañía quiera… Lo sé, así dicho, suena hasta bien, pero es complicado de hacer y creo que cuanto mas teatro se ve, mas difícil es llegar a este estado de «hoja en blanco» para el espectador… Y yo, que a veces soy un tanto «pedantillo» e intento ser el mas rápido de la platea en sacar lecturas de lo que veo, me puse la trampa a mi mismo, así que, viendo la coreografía del comienzo de la función, la fastidié. En vez de mirar y dejar que me explicaran, yo di ordenes a mi cabeza de que aquello era una cosa completamente diferente a lo que realmente era… ¿qué sucedió? que apenas atendí al primer monólogo de Susana Garrote, no es que no la escuchara, si no que me forzaba a entender lo que yo quería, no lo que ella me contaba… una verdadera lástima porque ella está realmente bien y no supe apreciar el esfuerzo que supone para una actriz comenzar con todas las pilas desde el minuto uno de función.
 Pero bueno, el error no duró demasiado y lograron su propósito. Enseguida dejé de resistirme e hicieron que me rindiera a su propuesta, de lo que me alegro profundamente porque resultó ser una función con algunos momentos que fueron realmente interesantes. El texto es intenso, cuenta TODO, y al actor le deja libres dos caminos, o escenificar todo lo que cuenta con la palabra, o jugar a «vestir» con movimientos lo que dicen los personajes. 
Creo que este montaje, el de Diagoras, acertó escogiendo la segunda opción, pues la crudeza de lo que cuenta en bastantes momentos, resultaría excesivamente soez si se representara tal cual narran los propios personajes… Es cierto que en otros montajes quizá sería igual de válido, pero aquí, con la propuesta que nos traen, lo vi innecesario y es un punto a su favor. Sería muy fácil vender un montaje del que todo el mundo hablara porque prácticamente «follan» en escena y estoy seguro que todos iríamos de cabeza, movidos por el morbo y la curiosidad, pero Carmen Pastor apuesta por acariciarnos con cierta sutileza y que veamos algo mas allá que la propia carne, a pesar del alto contenido sexual de la función…

Daniel me comentó que la puesta en escena es muy simplista precisamente por el mismo motivo que han utilizado la sutiliza en sus interpretaciones, para no aturullar al espectador con mensajes innecesarios. Y a pesar de tener un espacio diáfano, consiguen perfectamente transmitir el encierro en el que se encuentran. Hacen que nos sintamos atrapados con ellos, «obligados» a mirar como terminará todo, aún sabiendo que no será agradable para uno de ellos…

Tanto Daniel como Susana se nota que se lo pasan bien interpretando a estos personajes, lanzándose sin miedo a encarnar a estos dos «monstruos» de la seducción acabados, que lo único que les queda es atormentar al otro, e intentar disfrazar ese patetismo en el que han caído, con un juego de intercambio de roles perverso y descarnado. Yo me lo pasé realmente bien viendo como espectador sus juegos de seducción, la transformación en otros personajes y sus entradas y salidas en los roles. Divertido, intenso y muy curioso.

Tras el lapsus inicial, puedo decir que me lo pasé bien y me resultó un trabajo muy interesante. Eso sí, no hagáis como yo, dejaros llevar desde el primer momento e intentad disfrutar su propuesta.

Desde aquí doy las gracias a Daniel por prestarse a charlar conmigo, aclararme las dudas que tenía y poder intercambiar impresiones sobre la función y otros muchos aspectos. 
¡Qué bien que haya profesionales abiertos a entablar diálogo con el público!
Categorías
AguaViva Campo de La Cebada César Barló Doña Inés Don Juan Tenorio José Zorrilla

Don Juan Tenorio en La Cebada 2012


Hace poco, cuando fui a ver “¿Quién Teme a Virginia Woolf?” en el Teatro de La Latina, pasé al lado del solar que quedó después del derribo del polideportivo cubierto que había en La Cebada. A través de un acceso abierto entre las vallas metálicas vislumbré que algo se cocía dentro, pero tampoco le di mayor importancia. Total, era un sitio vallado, lleno de grafittis y, aparentemente, de “trastos”… proseguí camino de mi casa aparcándolo en mi memoria. Cosas de la vida.

Han pasado varias semanas de aquello y ahora me encuentro en ese mismo lugar, descubriéndolo con otros ojos. Entro por ese mismo acceso que vi la anterior vez y descubro un espacio completamente diferente al que me imaginaba, incluso los “trastos” no son trastos, son huertos, bancos, escenarios, almacenes, canastas… Un lugar con una atmósfera especial, con cierto aire de creatividad. Por un lado están los chicos jugando la baloncesto, por otro, gente tocando el violín, otros preparando una proyección para cuando caiga la noche, gente sentada leyendo o charlando… y al fondo, bajo un armazón de hierro está la gente que han hecho que llegue hasta allí.

El elenco del «Don Juan Tenorio en La Cebada» junto a César Barló, director de esta función que se representa por segundo año consecutivo; ya están manos a la obra ensayando el montaje que van a presentar los próximos días 31 de Octubre y 1 de Noviembre en ese mismo espacio.
Antes de darme a conocer me quedo en un rincón, observando todo lo que hacen, escuchando los versos de Paco Puerta comoDon Luis Mejía. Es el cuadro que toca ensayar hasta que llegue el coro y puedan comenzar con la escena de Don Juan en el cementerio.

Foto Andrés Mier. Acto VI.Maestro de armas con Capitán Centellas y D.Juan

Enseguida llega Elena López, Jefa de Comunicación del proyecto, quien ha contactado conmigo para mostrarme todo el trabajo que están realizando y quien me acompañará durante el rato que pase junto a ellos.

Aprovechamos un momento de parón para presentarme a César Barló, y los dos me acompañan por todo el espacio donde se representará la función, explicándome el recorrido de este montaje itinerante; siete espacios diferentes, uno por cada acto, uno para cada Don Juan.

Foto Julio Martínez. Acto II.Brígida y D.Juan

Nada de lo que se verá el 31 y el 1 será lo que podríamos llamar un montaje al uso. Respetando el texto, bajo una adaptación de César, nos vamos a encontrar con una función completamente diferente, dejando los espacios cerrados para otros montajes. Aquí el público abandona la pasividad de la butaca y es quien se  acerca a ver cómo avanza la historia en los diferentes emplazamientos creadas a lo largo y ancho de La Cebada.

La idea de hacer «Don Juan Tenorio en La Cebada» surgió un día que César vino a este espacio a ver un concierto, le gustó el lugar y se acercó a una de las asambleas semanales que AVECLA (Asociación de Vecinos Centro-La Latina) organiza, proponiéndoles hacer «El Tenorio», dadas las fechas y que todos los vecinos lo conocen y a todo el mundo le gusta el texto de José Zorrilla; ellos aceptaron y, tras el éxito obtenido la asociación El Campo de Cebada, que es la otra asociación que gestiona el espacio, les pidió volver a repetirlo este 2012. Pero él no quiso quedarse en lo de siempre, si no que había que hacer algo que resultase atractivo para todo tipo de público; de ahí surgió la idea de realizar un montaje itinerante dentro del espacio, con un equipo de mas de 40 personas, que mezclara el clásico con la actualidad, a los actores con los espectadores, el verso con el rock… Lo que ellos no se esperaban era que la expectación que se generó fuera tan grande. No contaban con que se quedara tanta gente fuera como la que entró en el recinto. De hecho tuvieron que decidir «in situ» el prorrogar y hacer una función extra el día 1 de Noviembre, con lo que este año directamente han decidido hacer las tres funciones y que nadie se quede fuera sin poder verlo.
Una propuesta abierta tanto a los vecinos como a todo aquel que quiera acercarse y disfrutar de un “Don Juan” tan original y hecho con mucho cariño.

Foto Andrés Mier. Acto V. Don Juan y Avellaneda.

Se ha optado por tener siete actores diferentes representando el papel de Don Juan, tantos como instantes vive el personaje. Al igual que sucede con el personaje de Doña Inés, que encarnan cuatro actrices distintas. Cuatro mujeres mostrando una Doña Inés dueña de su propio destino, haciendo que el espectador rompa con esa imagen de mujer débil a la que nos tienen acostumbrados en otras propuestas.

La gente que se ha embarcado en este proyecto lo ha hecho de manera desinteresada, tanto el equipo artístico como el técnico lo hacen por el hecho de querer acercar a los vecinos la tradición de representar «El Tenorio» en la noche de Todos los Santos que, en los últimos años, parece haberse perdido.

Foto Julio Martínez Acto III.DªInés,abadesa y D.Juan


César Barló se ha rodeado de profesionales que ya han trabajado anteriormente con él, algunos vienen de la RESAD, otros de su compañía AlmaViva… Nadie pretende lucrarse con este montaje, no hay dinero, ninguno cobra, la entrada es gratuita; el sentimiento que les mueve para llevarlo a buen puerto son las ganas y la ilusión de cada uno de estos profesionales, que se entregan a los ensayos con la misma disciplina con la que se entregan a otros proyectos en los que actualmente están trabajando.
El único dinero que ha entrado ha venido por parte de algunos vecinos que han querido ofrecer su apoyo, y de los «mecenas anónimos” que han aportado algo de su bolsillo a través de una web de «crowdfunding» y que se destinará al alquiler del equipo de luces y sonido necesarios para poder llegar sin problema a cada uno de los 550 espectadores que tendrán cabida por representación.

Tanto César como Elena me hacen una puntualización al finalizar el ensayo; que aunque la obra es la misma del año pasado, quien acuda a verla no va a ver el mismo montaje; de hecho César me comenta que la escena del comienzo, que el año pasado incluía una versión del «Satisfaction»de los Rolling Stones, este año va a cambiar, que será algo igualmente potente, pero completamente diferente…

Foto Paloma Rodera. Acto III
Ya sabéis los que me leéis y os paseáis por el blog que yo siempre me dejo llevar por las sensaciones, que lo que me impregna cuando visito los ensayos o a los profesionales que acceden a encontrarse conmigo, es lo que procuro transmitir por aquí; prefiero dejar lo analítico para los entendidos y limitarme a hablar desde mi posición, la de espectador; y puedo deciros que el rato que pasé con ellos, siendo un personaje anónimo, viendo los ensayos, oyéndoles hablar y dejándome llevar, me transmitió una energía brutal, una sensación de compromiso impresionante, que merece una atención especial.

Se nota que César ha sabido ofrecer este reto a las personas adecuadas. La implicación que se destila de lo que me rodea en La Cebada es enorme. Una propuesta que no todo el mundo aceptaría… Regalar tu tiempo a un proyecto del que todo beneficio sea la satisfacción de estar realizando algo de tanta calidad como la que se ofrece en cualquier teatro, pero de manera altruista, para recuperar una tradición perdida para los vecinos de un barrio, no está hecho para cualquiera.

Foto Paloma Rodera. Don Juan

Os invito a que los sigáis por facebook: DonJuanTenorioenlaCebada, les escribáis un mail para despejar cualquier duda que os surja o si queréis enteraros de mas detalles a donjuantenorio12@gmail.com e incluso contactéis por Twitter para enteraros al momento de cualquier novedad: @dJuanTenorio12

Nadie puede faltar a la cita de este “Don Juan Tenorio en La Cebada” y conseguir con ello que se instaure como una tradición que podamos disfrutar año tras año, tal y como sucedía antes.

Os dejo el enlace para que podáis ver el teaser de la obra: Vídeo Don Juan Tenorio en La Cebada 2012

Categorías
Ana Mayo Antonio Lafuente Carlo Goldoni Chema Rodríguez-Calderón Javier Lago José Gómez Julián Ortega Julio Hidalgo La Hostería de la Posta Teatro Teatro Fernán Gómez

La Hostería de la Posta

Título:
La Hostería de la Posta

Lugar:
Teatro Fernán Gómez

Autor:
Carlo Goldoni

Elenco:
Antonio Lafuente (Barón Talismani)
Javier Lago (El Conde Roberto de Ripalunga)
Julio Hidalgo (Teniente Malpresti)
Ana Mayo (La Condesa Beatrice)
Julián Ortega (El Marqués Leonardo de Fiorellini)
Chema Rodríguez-Calderón (Criado)
Diana Valencia Sampedro (Violín)

Vestuario:
Vicenta Rodríguez Duque

Espacio Escénico y Caracterización:
Sara Roma

Traducción:
Alejandro Alonso

Dirección:
José Gómez

A veces, cuando escribo las crónicas, me siento un poco como el Abuelo Cebolleta. Siempre tengo alguna anécdota o chascarrillo que tiene que ver con el montaje del que voy a hablar, pero bueno, es una manera como otra cualquiera de personalizar lo que escribo y dar a conocer un poco mas al autor de estas crónicas… Y sí, en el fondo es algo que disfruto.

Cuando comencé a estudiar teatro como asignatura en el instituto; cosa que no estoy seguro que siga existiendo con estos cambios en la educación… No vaya a ser que los chicos nos vayan a salir «titiriteros»…; Una de las obras que nuestro profesor montó con nosotros fue «Arlequín, Servidor de Dos Patrones» de Carlo Goldoni, una obra con la que me divertí muchísimo y que además provocó que apareciera en mi uno de los rasgos físicos que a día de hoy mas me identifican, la perilla; ya que a mi me tocó en suerte representar el papel de Pantaleón, el personaje de mayor edad de la función.
A mi profesor no se le ocurrió otra idea que preguntarme si me crecía suficiente barba como para que me dejara crecer la perilla… con 17 años era la única manera de conseguir que pareciera mayor que el resto de mis compañeros de clase. Así que me la dejé, representé aquel papel y, desde entonces, pocas veces me ha visto nadie sin perilla o barba… Podría decirse que mi profesor y el señor Goldoni fueron los, por así decirlo, «creadores del sello de la casa».
No había vuelto a ver ninguna función de este autor, quizá porque no se ha cruzado en mi camino hasta este momento o porque en España no se representa con demasiada frecuencia; hasta el Jueves pasado, que tuvieron la gentileza de invitarme a ver el ensayo general de «La Hostería de la Posta», montaje que está dirigiendo José Gómez en el Teatro Fernán Gómez de Madrid.
La obra cuenta el inesperado encuentro de Beatrice con el que será su futuro marido, el marqués Leonardo, cuando viaja a Milán para casarse con él. Ella desconoce la identidad del hombre con el que la van a desposar; lo que el marqués aprovecha para hacerse pasar por un amigo de si mismo, intentando de esta manera descubrir si, cuando se conozcan «oficialmente», ella le aceptará o no como marido, provocando una serie de equívocos que no se desenredaran hasta el final de la función.
El montaje gira, en clave de comedia, en torno al personaje de Beatrice. Único papel femenino. Que rodeada de hombres, tiene claro que quien debe decidir sobre el futuro que la espera es ella misma, chocando con el muro del machismo que dominaba la época.
Ella, Beatrice, como representación de la mujer de aquella época, pelea con firmeza por los valores que debe tener una dama y desafía a personajes y público a intentar frenar su decisión de ser quien elija voluntariamente con quién desposarse. ¿Lo conseguirá?
Nos encontramos ante una función desprovista de cualquier tipo de artificio. José Gómez ha eliminado del montaje incluso las entradas y salidas de los personajes. Ellos están en todo momento en escena, separados del escenario por un haz de luz que hace de frontera entre la realidad y la ficción, con lo que el espectador puede contemplar ese momento mágico en el que el actor respira hondo antes de transformarse en el personaje y salir ante el público. Dejando que el peso de la función recaiga en la labor actoral, de la que destaco a Ana Mayo. Una actriz que domina la escena, que sabe mantener el ritmo, que respeta y disfruta los silencios, que nos cuenta tantas cosas tanto con el texto como con su presencia. Nos encantó ver como desgrana a esta Beatrice que sin duda dio mucho que hablar tras la función.
También disfruté mucho viendo la labor de Antonio Lafuente, Javier Lago y Julián Ortega, cada uno con su estilo, son ese tipo de actores que me hacen abrir mucho los ojos e intentar aprender todo lo que nos ofrecen con su trabajo porque creo que tienen mucho que aportar.
Con Julio Hidalgo confieso que tuve dudas al comienzo de la obra, no lograba encajar la propuesta de lenguaje tan diferente frente a la de sus compañeros. Un personaje grotesco, llevado al límite, que sin embargo acabé por comprar con los ojos cerrados.
Chema Rodríguez-Calderón, sin embargo, hace un buen trabajo, un divertido criado que casi podría ser un «sátiro», pero que creo que queda un tanto desdibujado; no por su trabajo, si no por la falta de peso de su personaje en la trama principal…
Pero como digo, creo que todos los actores hacen una labor excelente. Me hicieron reir con ganas y provocaron una mas que entretenida conversación tras la función, cosa que no suele suceder tan a menudo como gustaría.
En definitiva, es una pieza que recomiendo ver sin lugar a dudas.
Es un placer descubrir este tipo de montajes que, quizá por el desconocimiento general, pueden llegar a pasar desapercibidos y que, sin embargo, son una oportunidad de descubrir savia nueva en el panorama teatral de nuestro país. Tanto el elenco como el director van a dar mucho que hablar de aquí en adelante y si no me creéis, id a comprobarlo por vosotros mismos. Están hasta el próximo 11 de Noviembre.
Categorías
Garaje Lumiere Isla desierta Jota Linares Juan Caballero Maggie Civantos María Hervás Pablo Cabrera Paco Anaya Teatro

Entrevista a Jota Linares y Pablo Cabrera – ¿A quién te llevarías a una isla desierta? 2ª Temporada.

Antes del verano tuve la suerte de encontrarme con un montaje que me caló muy hondo. El texto era un claro ejemplo de la desesperanza, de la amistad, del despertar a una madurez desconocida… Y es que me pasó algo que no siempre me ocurre, esta obra me dolió por dentro, hubo algo que se me desgarró e hizo que se me abrieran recuerdos que aunque escuecen, me provocan, a estas alturas del partido, sonrisas.
Con estas sensaciones tan despiertas, no podía quedarme en mi butaca quieto, quería conocer mas de cerca a las personas que me había hecho sentir de esa manera aquella noche de verano… y con el pretexto de su vuelta a Garaje Lumiere una nueva temporada, les propuse conocernos y charlar, que me contaran qué hay en el interior de esa Isla.

Jota Linares, director y co-autor, y Pablo Cabrera, nueva incorporación a este proyecto, se prestaron a pasar un rato con En Un Entreacto y responder a cuanto quisiera preguntarles. Desde ya les doy las gracias por ser tan generosos conmigo y contarme cosas tan interesantes. Sé que el resto del equipo también estuvo dispuesto a regalarnos un ratito, pero la salud y el trabajo no lo permitieron… A Juan Caballero, María Hervás y Maggie Civantos también les doy las gracias por hacer un trabajo tan bonito.
Nos encontramos en una terraza de Avenida de América, aprovechando los últimos resquicios de buen tiempo de la capital y entre risas, hablando de la próxima función, entré a saco con mi curiosidad.

  EN UN ENTREACTO.- Es curioso porque normalmente las obras de teatro son las que generan adaptaciones cinematográficas, sin embargo tú has hecho el camino a la inversa ¿Cómo surgió la idea de llevar a teatro el corto del mismo título?

 JOTA.- Fue en el 2006, era un guión de cine que estuvo apunto de hacerse, pero que se cayó en el último momento; incluso teníamos cerrado el reparto de la peli… se quedó en tierra de nadie. Aunque del casting surgieron buenos amigos con los que he trabajado mas tarde, como son Marta Hazas y Sergio Mur que iban a ser los Marcos y Marta originales. Paco y yo, Paco Anaya  es el coguinista, le cogimos mucho cariño a los personajes, a las situaciones y nos daba mucha pena pensar que nunca se iba a hacer. Después trabajamos en otros cortos y los dos maduramos, siempre decimos que es una historia que ahora mismo no haríamos… Paco ha ido por otros derroteros, mas hacia la comedia y yo me estoy politizando un poco mas, no cine social, es mas un cine crítico, pero siempre nos ha dado mucha pena dejar «La Isla» ahí, además que todo el mundo nos decía que era un texto muy bonito, que porqué no lo hacíamos y fue entonces cuando decidimos hacerlo obra de teatro; vimos que tenía posibilidades. Era fácil de adaptar porque todo ocurría en una única localización. Una noche nos propusieron hacerlo para la sala grande de Microteatro y lo adaptamos rápidamente, pero por finalmente no se pudo hacer porque quitaron la sala grande. Y como el reparto ya estaba hecho, una de las actrices, Maggie Civantos, me dijo que era una pena que no se hiciera, que probáramos en Garaje Lumiere. Lo presentamos y enseguida nos llamaron porque les había gustado mucho el libreto y nos programaron para dos meses, Mayo y Junio y fue el propio teatro el que decidió que prorrogáramos…

Fotografía de José Sanz

 EN UN ENTREACTO.- Ha funcionado fenomenal, ¿no?

JOTA.- Ha funcionado muy bien, tanto a nivel de espectadores como de crítica. No nos esperábamos esto… Y como funcionó tan bien, era triste dejarlo, aunque se fuera David (En la primera temporada el papel de Eze que ahora representa Pablo Cabrera, era interpretado por David Tortosa), aunque tuviéramos que buscar a otro prota, pero nos apetecía mucho. Hubo un momento que se plantearon muchas cosas sobre la mesa; la obra la había visto mucha gente y no sabíamos si iba a venir mas gente, si bajaría el número de espectadores… Lo del 21% de IVA nos preocupaba mucho… hay un momento que te planteas dos posibilidades, o que la gente no venga porque es caro y no ganemos nada o que la gente venga, pero que sea tan abusivo lo que tengamos que dar que sigamos sin ganar nada… pero al final nos decidimos porque era una cosa que nos apetecía, nos apetecía mucho a todos seguir y apareció Pablo…

EN UN ENTREACTO.- ¿Cómo apareció Pablo?

Fotografía de José Sanz

JOTA.- De la manera mas vieja, por casting.

PABLO.- Yo no pude ver “La Isla” en su momento, estaba con otro proyecto; y hablando con Juan (Caballero), le dije “Juan, no os he visto, ¿váis a volver?” y me dijo que sí y le pedí que me avisara porque tenía muchas ganas, había visto mucho trabajo de Jota, “3,2” me había gustado mucho…  Juan siempre me ha parecido un actor maravilloso, y tenía mucha ganas de verla… y mira, cosas de la vida, que estoy viéndola desde dentro. Cuando Jota publicó que estaba buscando un actor para sustituir a David, pensé “adelante” y allí me presenté, sin saber muy bien de qué iba la obra, pero con el equipo me bastaba. Así que me contestó, me hizo una prueba y aquí estoy… ¡Viendo la isla desde dentro y viviéndola!

JOTA.– Fue una cosa rara porque no era lo que buscaba… bueno, era, pero no era… Siempre lo hemos hablado Lydia y yo, Lydia es mi ayudante, lo que buscábamos era la ternura del personaje y viendo el “videobook” de Pablo vimos que nos la daba, dijimos “Sí, nos la inspira, pero es muy alto, no es rubio…» o castaño, que es algo que buscábamos para el personaje… es una tontería, pero habíamos pensado que tuviera los ojos verdes… pero hubo un momento que nos decidimos a probarlo… Lo que mas miedo nos daba era la altura porque en cine podemos falsearlo y en teatro no… Pero hizo la mejor prueba con diferencia y lo elegí. La prueba se la hizo yo solo, Lydia no estaba, pero en cuanto salí de la prueba la llamé y se lo dije…
 PABLO.– ¡Esa información yo no la tenía! Jajajaja
JOTA.–  Ha estado muy bien porque son de esas cosas que uno aprende, nosotros queríamos la esencia de Eze, un Eze que teníamos muy en la cabeza, y nos apareció uno que tiene la esencia, pero que a la vez lo ha cambiado bastante
Fotografía de José Sanz

EN UN ENTREACTO.– A mi tu elección me llamó mucho la atención porque viendo a David Tortosa y a Pablo Cabrera en otros trabajos, no se me asemejaban en nada para interpretar un mismo personaje.

PABLO.– Yo no había visto la función, ni un DVD. No tenía una referencia de cual era el trabajo de David, tenía mi visión del personaje y es lo que les he ido enseñando y lo que les ha ido gustando y eso es lo maravilloso que tiene, porque otras veces te dan tu texto, un DVD y te dicen “tal día lo traes aprendido y hacemos un pase” y aquí no, aquí todos se han comprometido mucho, me han ayudado a incorporarme y de momento parece que está funcionando y es por eso que ha sido una sustitución/incorporación muy fácil para mi, a pesar de tener el listón tan alto como estaba.

EN UN ENTREACTO.– Me da la sensación que esta incorporación, para el resto ha tenido que ser un poco retomar los ensayos desde el comienzo, ¿no?

JOTA.– Sí, lo que pasa que tanto María, como Maggie, como Juan, habían reposado los personajes estos dos meses y de repente han comenzado a dar cosas que antes no estaban dando. Los han hecho mas suyos y de esa manera ha sido partir un poco de cero para todos.

Fotografía de José Sanz

PABLO.– Pero como ellos tienen los personajes tan construidos y las escenas tan interiorizadas, en los ensayos solo tenían que darme un par de directrices y luego era seguir a María, a Maggie y a Juan. Y como ellos lo tenían todo tan claro, la escena subía sola. Teniendo un poco clara la escena, lo que pasaba, mirándoles a los ojos  a ellos y siguiéndoles, las escenas salían. Con ellos ha sido muy fácil.

EN UN ENTREACTO.-¿Ha habido alguna incorporación mas al montaje?
JOTA.– Hay cosillas, pero son cosas pequeñas, como la recuperación de la canción “Insurrección” de Manolo García que canta con Miguel Ríos. En el guión original tenía mucha importancia y hemos querido recuperarla, aquí no tiene el mismo peso, pero es un guiño a los compañeros del corto y a la gente que estuvo implicada al comienzo. Después hay pequeños detalles, que estaban ahí, pero que ahora han adquirido otra importancia u otras que han surgido que antes no nos habíamos planteado al hacer preguntas Pablo sobre su personaje  y que han hecho variar en algo al resto de personajes.
PABLO.- Pequeños matices.
Fotografía de José Sanz

JOTA.– Sí, pequeños matices. Yo creo que hay mas diferencia entre la primera función y la última de la primera temporada, que de la última a la primera de esta segunda.

PABLO.– Claro, eso algo lógico. Una obra es algo vivo, algo que evoluciona. Tanto Jota, como director, va descubriendo cosas y los que estamos dentro también vamos descubriendo cosas que durante los ensayos las has pasado por alto y que cuando ya estás mas seguro las vives mas. Te relajas y vas descubriendo cosas que antes no habías visto. Y eso es lo que lo hace tan bonito.
EN UN ENTREACTO.– ¿Qué diferencias ves tú, Jota, entre dirigir cine y teatro?
JOTA.- En este caso no mucha, pero porque esa era la novedad que nosotros queríamos incorporar a “La Isla” y era que fuera una película. Era el efecto que queríamos lograr con el público, trabajar con las luces y el espacio escénico. 
Por parte de Lydia y mía, la mayor diferencia era sobretodo la sensación de perder el control durante la obra, el no poder parar, bajar, cortar si algo está saliendo mal o querer matarlos si están haciendo lo que les sale de las narices, a pesar de haberles dicho que no… jajaja 
Para el tema de dirección lo que hice fue leer y quedar con gente de teatro que me indicara cuales eran los códigos teatrales, aunque como espectador ya los conocía. Pero hay momentos como el flashback que, aunque está hecho con luces y es todo teatral, está llevado de una manera muy cinematográfica…
EN UN ENTREACTO.- Yo que la he visto, puedo asegurar que entras totalmente en el código.
Fotografía de José Sanz

JOTA.– Sí, era básicamente hacer que el público tuviera la sensación de estar viendo una película. Quitando los cuatro monólogos que son mas teatrales, podría perfectamente hacerla en cine tal cual está… y es que su base es un guión de cine.

EN UN ENTREACTO.– Pablo, tú que vienes de trabajar mucho teatro clásico, ¿cómo te sientes haciendo algo tan cercano y contemporáneo?
PABLO.- Yo siempre pienso que soy muy afortunado y que la vida me va llevando y tengo que dar gracias por muchas cosas… Creo que hace unos meses lo publiqué en Twitter, algo así como que me apetecía hacer un drama contemporáneo. En ese momento creo que estaba haciendo “El Perro del Hortelano”. Me encanta y es maravilloso hacer teatro clásico, pero ya he hecho “El Perro del Hortelano”, “La Hermosa Fea”, “Bodas de Sangre” que creo que es lo mas contemporáneo que he hecho… y de repente pienso que me apetece hacer algo así, como lo que estoy haciendo, y me vino caído del cielo. Para mi fue un”¡gracias!, me apatecía mucho un cambio de código«. 
También es cierto que me costó, el que de pronto me dijeran “Estás muy bien, pero estás muy teatral” y entonces mi cabeza hizo un cortocircuito y dijo “No entiendo nada… ¿Cuál es el problema? Estoy natural, pero estoy teatral… ¿cuál es el problema?” Fue un poco lo que me costó, creo…
Fotografía de José Sanz

JOTA.– Le rebajamos mucho, pero fue muy fácil. Le íbamos diciendo “Menos, menos, Pablo…” y cuando conseguíamos ese menos-menos, le decíamos “ahora nos lo creemos” y a partir de ahí trabajamos…

PABLO.– Mi personaje estaba muy claro, estaba muy bien escrito… No había problema de saber lo que a mi personaje le estaba pasando, todo venía hecho. Solo había que entrar en un código cinematográfico… yo he hecho muy poco cine, entonces era raro, yo pensaba “estoy en un escenario, ¿qué me estás hablando de cine…? No entiendo lo que me estás diciendo ¿cómo hago para lo que me estás pidiendo? Porque sé que tengo que proyectar la voz, se me tiene que oir, se me tiene que entender y tengo que dar algo que se me pueda ver desde la última butaca o grada, como es el caso” lo que mas me costó fue eso, pero después todo comenzó a fluir un poco mas y a disfrutarlo, y la verdad que da gusto, me apetecía mucho y para mi es un regalo el poder hacer esto. Ha sido un cambio que tenía tantas ganas que ahora lo que me queda es disfrutar de lo que nos queda.
EN UN ENTREACTO.-¡Claro! Ahora estáis programados hasta el 10 de Noviembre, todos los jueves, ¿no?
JOTA.- No, este es el último jueves y a partir de la semana que viene son todos los sábados. 
De momento hay que  ser cautos y ver como va reaccionando la gente, que somos conscientes de que la obra la ha visto mucha gente y además que la gente está dejando, por la situación actual, de asistir a estas cosas masivamente. Nuestra idea es continuar, pero hay que ir despacio porque no somos “El Rey León”…
PABLO.– Quizá esa es nuestra baza, que no somos “El Rey León”.  No todo el mundo puede pagar una entrada para verlo y de pronto nos ve y piensa, son 10€ que es un precio mas que razonable…¡Vamos!
Fotografía de José Sanz

EN UN ENTREACTO.– Y contando con que habéis tenido tan buenas críticas, y la gente está acudiendo…

PABLO.– ¡Claro! Y cuando hay menos dinero, la gente se vuelve mas selectiva… y el boca a boca está funcionando muy bien… Definitivamente creo que es la baza que tenemos.
Y con esa determinación pasamos un rato charlando, con esperanzas de que el público reaccione y siga acudiendo a verles. Siempre con cautela, dejando que las cosas vayan por su cauce, siendo precavidos, pero sin perder el optimismo de saberse con un trabajo tan bonito entre manos.

Fotografía de José Sanz

Es cierto que la conversación duró mas y surgió el momento de preguntar a Jota y a Pablo por el tema de la subida de IVA. Dio para mucho y muy interesante, pero me vais a permitir que os haga una pequeña “jugarreta” y me lo reserve. Mis intenciones no son las de no publicarlo, si no todo lo contrario, quiero escribir algo especial con ello, con lo que ahora lo dejo guardado y en muy breve plazo de tiempo lo compartiré con todos.

Ahora solo quiero desearles el mayor de los éxitos y que el público siga saliendo tan emocionado de ver un trabajo tan bien hecho y con tanta honestidad.
De nuevo les doy las gracias por su tiempo y por querer compartir con “En Un Entreacto” un ratito de sus vidas para que todos podamos disfrutarlo.

Categorías
Alberto Puraenvidia Chejov Iván-Off José Martret La Casa de la Portera Teatro

Iván-Off

Título:
Iván-Off

Lugar:
La Casa de la Portera

Autor:
Antón Chejov

Elenco:
Raúl Tejón (Iván)
David González (Miguel)
Sabrina Praga (Ana)
Roberto Corrocher (Constan)
Javier Delgado «Tocho» (Mateo)
Maribel Luis (Silvia Leyva)
Rocio Calvo (Doña Bárbara)
Germén Torres (Carlos Leyva)
Cristina Alarcón (Sara Leyva)

Escenografía y Decoración:
Alberto Puraenvidia

Versión y Dirección:
José Martret

Siempre he sentido una admiración profunda por mi ciudad, por Madrid. Tiene ese poder de sorprenderme constantemente. Es una ciudad viva, que crece y que se reinventa. Cuando parece que va a caer en la mas plúmbea de las rutinas, va y se saca de la manga algo que la hace de nuevo atractiva. Eso mismo es lo que le pasa a su ambiente teatral. Cuando todo parece que está inventado y que incluso parece caer en el tedio mas absoluto ¡Zas! Aparece alguien que despierta a la ciudad de su sopor.
Así sucedió hace poco menos de un año con «La Casa de la Portera», un espacio creado por José Martret y Alberto Puraenvidia, que se sacaron de la manga esta nueva sala (aunque llamarla así es menospreciarla), donde poder poner en pie todas esas propuestas que no encontraban lugar en otros lugares de la ciudad.
Ubicada en la Calle Abades, 24 del madrileño barrio de Lavapiés, esta antigua portería se ha convertido en cuestión de unos meses en el epicentro de la cultura teatral de la capital. Todos quieren ver los espectáculos que se representan allí, todos quieren llevar sus propuestas… para que una veintena de personas por vez puedan verlas. Y es que tiene una energía que te cala por dentro. Está creado todo con un familiaridad que te desarma, te sientes bien, cómodo, cargado de positividad y con ganas de curiosear lo que tienen para ofrecerte.
En este caso la función que me llevó hasta allí fue con la que inauguraron, Iván-Off. Una adaptación del  «Ivanov» de Chejov, hecha por el propio José Martret, que también la dirige.
Una función estructurada en cuatro actos que se desarrolla en diferentes habitaciones de la casa. Nos cuenta la historia de Iván,  un hombre que no se soporta a si mismo y que su propio hastío le lleva a sentir desprecio por cuanto le rodea, por su esposa enferma y por todo aquel que comparte espacio con él. Un tipo que intenta encontrar una salida escapando por las noches, pero que es acosado por sus propios principios y por el médico de su esposa, un hombre que le taladra la conciencia, haciéndole ver las carencias que sufre y que provocan el mal a cuantos le rodean.
La historia nos presenta un microcosmos de personajes enredados entre si que se deben, se detestan, se atraen, se manipulan y se asquean. Un pequeño infierno creado por ellos mismos que paladean con gusto, que disfrutan y que a la vez sufren y del que son incapaces de apartarse.
Una historia realmente compleja de la que en momentos nos sentimos inmersos incluso los que asistimos como espectadores y es que la cercanía con los actores hace que invadamos su espacio vital, provocando que, por necesidad, en ciertos momentos nosotros seamos parte activa de la historia.
Solo puedo decir que me sentí absolutamente fascinado por cuanto vi. Las sensaciones que te recorren por dentro son tantas y tan variadas que, al comienzo sientes cierto pudor, estás tan cerca que temes que tus reacciones cambien en algo el transcurso de la historia, hasta que te das cuenta que eso es lo que se busca, que haya un intercambio de sensaciones, de sentimientos, de respiraciones, de miradas con los personajes para que la historia fluya. En cierto modo, nosotros somos la mano que da cuerda al engranaje de cuando acontece. Somos testigos mudos, pero ciertamente presentes y como tales adquirimos la responsabilidad de exteriorizar, aunque solo sea con la actitud con la que nos sentamos, todo lo que nos provoca la historia y sus habitantes.
Adoro ver trabajar a los actores tan de cerca. Debo tener muy agudizado el instinto de «voyeur» porque siento verdadero placer de poder tenerlos tan cerca y observar todo lo que hacen sin ningún tipo de vergüenza. Ver el mínimo temblor en sus manos, descubrir un brillo de una lágrima, sentir sus respiración, disfrutar del atractivo de una sonrisa o que me dirijan una mirada de absoluto desdén sin que realmente me miren a mi. En definitiva, percibir los sentimientos de esos personajes según brotan del actor. Me gusta gozar con la tensión que te hace estar alerta todo el tiempo porque no sabes si en cualquier momento al que van a dirigir la palabra es a ti, aunque sepas que no tienes líneas de diálogo dentro de la función y que la participación real del público no tiene cabida en este espectáculo. Es algo muy especial que es complicado de describir, pero que recomiendo que todo el mundo viva.
Los actores están inmensos, hacen de sus personajes seres palpables que, de tan pasados de vueltas que están a veces, se hacen aún mas normales. Mi admiración por todos y cada uno de ellos, hacen un trabajo que, individualmente, se puede admirar como si fueran pequeñas joyas y que en el conjunto se hacen enormes, se alimentan entre ellos, de nosotros, con nosotros, y a medida que avanza la función se hacen mas grandes y mas admirables hasta llegar a esa catarsis con casi todo el reparto y espectadores dentro de la misma sala. Confieso que me dieron ganas, no de ponerme en pie para aplaudirles, si no de levantarme y abrazarles uno a uno para demostrarles cuanto había disfrutado con todos ellos de esta función. 
Podría ponerme a hablar del trabajo de cada uno de ellos, dar nombres y extenderme hasta el infinito describiendo y analizando todo lo que me provocaron, cosa de la que me está costando horrores reprimirme, pero creo que es mas interesante que la gente acuda a verlos y juzgue por si mismos, sin que nadie les condicione, ni para bien ni para mal.
Uno sale impactado, satisfecho y quizá un poco apabullado con la experiencia, pero es que eso mismo es un auténtico placer. Al igual que es un placer haber podido descubrir por ti mismo otro secreto a voces guardado en esta ciudad y poder gritarlo ahora desde aquí para que nadie se lo pierda. Sé que La Casa de la Portera tiene mas experiencias guardadas para mi en sus habitaciones y pienso volver a explorarlas, pero ya se sabe que la primera vez nunca se olvida y que esta haya sido con «Iván-Off» la convierte en todo un enamoramiento. Gracias.
Categorías
Ayo Bella y Bestia Bleda Broadway in Spain Cabaret Cesar Belda Disney Fco.Ortiz Juan Chemes Juanjo González musicales Stephen Cook Susan Egan Teatro Compac Gran Via Velardo Volberght Zamalloa

Susan Egan – The Belle of Broadway

Título:
The Belle of Broadway

Lugar:
Teatro Compac Gran Vía

Reparto:
Susan Egan

Producción:
Juanjo González
Juan Chemes

Pianista Masterclass:
César Belda

Director Musical:
Stephen Cook





En Madrid nos vanagloriamos de ser, junto con Londres y Nueva York, una de las capitales imprescindibles en lo que a teatro musical se refiere; y aunque nos faltan muchos pasos por dar antes de ponernos a esa altura, yo creo que estamos en el buen camino. Las producciones que nos van llegando cada vez tienen una calidad superior, el público se va interesando por ver estos montajes y va adquiriendo cierta cultura «musicalera», y sobretodo nuestros actores cada vez están mas preparados, son mas completos, y van dominando todas las disciplinas que exige este género. Ya no solo hay cantantes o actores o bailarines, ahora luchan por obtener una formación que abarque todos los campos y poder ser un firme candidato a pisar las tablas de cualquiera de los musicales que se están presentando en nuestra Gran Vía.
Y ahora, para poner la guinda a tan buenas intenciones y tan sanas expectativas, llegan un par de amantes del género como son, Juan Chemes y Juanjo González, y les ofrecen a todos estos artistas la oportunidad de oro de poder tener acceso de primera mano a los conocimientos y las experiencias de profesionales que han triunfado en la capital que utilizamos como espejo donde mirarnos, titulándolo «Broadway in Spain – The Masterclass Series«. Un planteamiento interesantísimo el de tener la oportunidad de asistir a una masterclass por la mañana y por la noche poder disfrutar de todo lo hablado en un recital de ese artista.
La primera en abrir camino y romper el hielo ha sido Susan Egan, conocida por ser la primera en representar el papel de «Bella» en el montaje de «La Bella y La Bestia» en Broadway, también fue la actriz que mas tiempo estuvo interpretando el papel de Sally Bowles en «Cabaret» y además puso su voz al servicio de la Disney para dar vida a Meg en «Hércules«. Ya solo con estas tres pinceladas de su curriculum, uno sabe que va a poder disfrutar de un sin fin de conocimientos y anécdotas tanto como alumno, como profesional, como oyente o como espectador.
Yo tuve la suerte de poder asistir tanto a la masterclass como al concierto y puedo decir que fue un absoluto placer poder disfrutar de un día completo con esta estrella y, desde la butaca, aprender.
Para la masterclass fueron seleccionados seis actores/actrices del panorama musical español que se pondrían en manos de Susan Egan para saber como obtener mayor rendimiento de sus conocimientos. David Velardo, Lourdes Zamalloa, Ramses Volbreght, Erika Bleda, Francisco Ortiz y María Ayo, fueron los seleccionados que a través de canciones extraídas de Les Miserables, Martin Guerre, Rent, Ragtime, Cabaret y Dreamgirls fueron trabajando con las pautas y consejos que Susan Egan les iba indicando y, aunque parezca exageración, hubo momentos que pusieron los pelos de punta de lo efectivas que fueron sus pautas, fueron seis momentos muy grandes y especiales.
Además de este momento con los alumnos también hubo una ronda de preguntas donde Susan contestó a todos y cada uno de los asistentes que quisieron preguntar, explicando cómo trabaja, cuál considera que es su posición dentro de un espectáculo y multitud de anécdotas con las que nos divertimos. Habló de cuando rechazó protagonizar «Wicked«, de como acabó por trabajar en «Cabaret» en vez de con Cameron Mackintosh… pero sobretodo se dirigió a los actores, para que sepan venderse, ofrecerse, hacerse necesarios ante los productores y directores, cómo deben valorarse y sin entrometerse en las labores de dirección, aprender a mantener un diálogo abierto con el resto de compañeros para llevar a buen puerto los futuros montajes en los que fueran a trabajar. Les explicó el enfoque que deben dar a sus personajes, qué preguntas hacerse así mismos para llegar a crear un personaje que llegue al público, y sobretodo a quererse a uno mismo y creer en lo que hace. Como digo, un auténtico placer escuchar a un profesional que promulga la honestidad y el trabajo duro para llegar donde uno quiera.
Después, por la noche, pudimos disfrutar de un recital que hacía un recorrido por toda su carrera y vida personal. Fue desgranando canciones de Funny Girl, Annie, Cabaret, Hércules, Les Miserables o La Bella y La Bestia, además de un par de Medley’s, uno dedicado a Judy Garland con una divertídisima anécdota de cómo decidió casarse con su actual marido al no saber que Judy Garland era la madre de Liza Minelli, y otro dedicado a las princesas Disney. Al igual que tuvimos la oportunidad de asistir en exclusiva al estreno mundial de una de las canciones del próximo montaje musical «El Último Jinete«. Solo hubo un pero y fue el sonido de la primera parte del espectáculo, en el lado derecho del patio de butacas había un altavoz que daba chasquidos y molestaba constantemente… problema que fue solucionado para la segunda parte, donde ya todo fluyó con total normalidad. Pero quitando estos inconvenientes del directo, el resto fue una delicia, poder escuchar su voz, ver cómo todo aquello de lo que estuvo hablándonos por la mañana lo iba aplicando en todas y cada una de sus canciones. Su simpatía y cercanía y un público agradecido ante la oportunidad única de poder disfrutar de tener un pedacito de Broadway en nuestra capital.
Espero y deseo con muchas ganas que este proyecto de Broadway in Spain vaya hacia adelante y existan muchas mas ocasiones de poder ver y escuchar a profesionales que de otra manera, a muchos de nosotros, nos sería imposible. Una propuesta maravillosa que cualquier amante del género debería aprovechar y gozar.
Desde este rinconcito de «En Un Entreacto» doy mi enhorabuena a Juanjo González y a Juan Chemes por este gran proyecto y por ser un par de locos que se empeñan en contagiarnos su ilusión, ¡lo estáis consiguiendo!
Diseña un sitio como este con WordPress.com
Comenzar