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Todo El Tiempo Del Mundo

La memoria es un ser maravilloso, mezquino y bastante caprichoso que nos hace ser quiénes somos y modifica quienes fuimos y quienes seremos. Surge cuando menos se la espera, se esconde o se muestra a medias, a saltos, a golpes, a besos, a lágrimas y nos sitúa en lugares.

Pablo Messiez, como buen explorador de almas que es, ha hecho de la memoria de su familia un canto al amor: «Todo el tiempo del mundo». Un instante donde de golpe se unen presente, pasado y futuro. Donde se entrelazan y conviven, donde se encuentran y se sostienen la mirada.

La acción se sitúa en la zapatería de señoras de Flores -Exquisita escenografía de Elisa Sanz envuelta por la delicada luz de Paloma Parra– Es hora de cerrar y, como si de un sortilegio o fruto de un ensimismamiento fuera, los recuerdos, la memoria, lo que es, será y fue, junto a todos los tiempos verbales del ser, se dan cita y celebran un encuentro allí mismo, para reconciliarse y recordar el tránsito por la vida. Un juego en el que el tiempo se detiene y a la vez estalla como una bomba de racimo, mil fragmentos que se miran a los ojos por primera vez y coinciden en un mismo instante. La oportunidad de encontrarse para acariciarse una vez más, siendo quienes realmente son, ocupando por primera vez el lugar que les correspondía. Y al suceder esto uno no puede evitar emocionarse y reírse, porque en «Todo el Tiempo del Mundo» uno se ríe mucho y con ganas, y se da cuenta de lo sencillo que es decir las cosas cuando realmente se sienten.

«Todo el Tiempo del Mundo» es la celebración del encuentro con lo bello que reside en las palabras de Pablo Messiez, que a veces brotan de los labios, a veces de los ojos, o de la piel. Esas palabras que nos recorren, nos estremecen y emocionan por la pureza con la que brotan y que acaban por quedarse a vivir acurrucadas en el corazón. Palabras que necesitan de cuerpos para respirar, cuerpos como los de Íñigo Rodríguez-Claro, María Morales, Javier Lara, Carlota Gaviño, José Juan Rodríguez, Mikele Urroz y Rebeca Hernando. Seres bellos, generosos, que se funden y se diluyen para florecer como esa familia entretejida en lo mágico del existir. Salí enamorado de todos ellos, entregado, y me hubiera encantado al terminar la función poder bajar de la grada y abrazarlos uno a uno, así, un rato largo, a modo de agradecimiento por regalarnos ese pedacito de felicidad emocionada que han creado con esta función. Por hacernos mirar hacia adentro con esa ternura, logrando esa reconciliación que acontece en escena con uno mismo y hacernos sentir tan especiales.

Hay mil frases y momentos con los que quedarse, de los que se agolpan en la garganta para ser llorados o reídos, parlamentos que uno querría guardarse para sí mismo, reacciones que tocan de manera muy especial y que incluso hoy, pasados los días y tras ver la función dos veces, se me arremolinan en el pecho y me hacen emocionar.

«Todo el tiempo del mundo» es un beso apasionado entre el comienzo y el final para dejarse renacer.

¡Gracias!

FICHA:

Título: Todo el tiempo del mundo Dramaturgia y Dirección: Pablo Messiez Elenco: Íñigo Rodríguez-Caro, María Morales, Javier Lara, Carlota Gaviño, José Juan Rodríguez, Mikele Urroz y Rebeca Hernando Luces: Paloma Parra Escenogrfía y Vestuario: Paula Castellanos Maquillaje y Peluquería: Marisa Martínez Ayudante de Dirección: Javier L. Patiño Producción: Buxman Producciones y Kamikaze Producciones Lugar: Naves del Español – Matadero (Sala Max Aub)

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En Un Entreacto Radio – Último programa del 2016

El tiempo pasa volando y sin darnos cuenta nos hemos plantado en el final del 2016 y en medio de la temporada teatral. En este último programa del año vamos a tener un poco de todo. Haremos un repaso de lo que llevamos visto esta temporada y lo que esperamos de esta segunda mitad que se nos viene. Después, como ya es costumbre llegadas estas fiestas, tendremos en el estudio a La Coja Producciones para charlar sobre el teatro infantil, sobre “Hansel y Gretel” y “Caperucita Roja El Musical”, y para finalizar daremos un giro y nos iremos al teatro más crítico y ácido con el Club Caníbal para hablar de “Herederos del Ocaso”, su último estreno.

¡Bienvenidos a En Un Entreacto Radio!

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Miguel de Molina al Desnudo

Algo más de dos años han pasado desde que pude asistir a la primera representación de “Miguel de Molina al Desnudo”. Recuerdo aquel ensayo general en Leganés como algo mágico, como un regalo. Lo que Ángel Ruiz, César Belda y Juan Carlos Rubio pusieron sobre las tablas ya poseía las trazas de una joya teatral que tan sólo estaba dando sus primeros pasos. Salí fascinado, enamorado del personaje, de Ángel y de la copla que, hasta ese momento, me era completamente indiferente. Tanto que hizo que volviera en más ocasiones. Auguraba un exitazo brutal a este espectáculo. Siempre que me pedían un título como lo mejor del año lo recomendaba porque “Miguel de Molina al Desnudo” es un trallazo teatral se mire por donde se mire y, consideraba y sigo considerando, que tendría que estar reventando la taquilla noche sí y noche también.

Las circunstancias que fueran, que las desconozco, hicieron que este espectáculo no tuviera la vida que se merecía y poco a poco su luz se fue debilitando, hasta que hace unos meses el titilar de esa luz que parecía a punto de extinguirse, comenzó a cobrar fuerza de nuevo. El caso es que desde Octubre goza de una segunda vida en el Teatro Rialto de Madrid.

Esta nueva etapa de «Miguel de Molina al Desnudo» cuenta con un nuevo integrante en la dirección: Félix Estaire, quien se ha centrado en la teatralidad y la poesía del espectáculo como línea directa al corazón del espectador; eso sí, la esencia y la magia de Ángel Ruiz en escena y la sobresaliente dirección musical de César Belda se mantienen intactas para que esta delicia teatral pueda llegar a nuevos espectadores y regresar a los que ya la habíamos podido disfrutar con la frescura de aquella primera ocasión de la que os hablaba.

Es una alegría poder volver a gozar de la grandiosidad de un artista como Ángel Ruiz -Aunque parezca mentira es una Rara Avis de nuestra escena- que generosamente presta su cuerpo y su talento para dejarse desaparecer cada noche y que el alma de Miguel de Molina suba nuevamente a las tablas y vuelva a revolotear para nosotros entre anécdotas y canciones, brillando y encajándose en el alma como un clavel reventón en la solapa. Un ejercicio inconmensurable, repleto de emoción cantada y contada, que nos encandila y que hace de la hermosura, el dolor y la pasión todo un viaje por la memoria de nuestra cultura y nuestro país.

No sé cuánta vida volverá a tener este regreso -¡Espero que mucha!- al menos la suficiente para que todos aquellos que anteriormente la miraron con la ceja levantada a causa de cualquier tipo de prejuicio, se dejen llevar y descubran lo que es hacer magia sobre un escenario a golpe de talento y emoción.

Y saliéndome un poco de todo y para finalizar esta crónica: ¿Os imagináis la carga emocional que podría contener este espectáculo sobre las tablas del Pavón?… Señores de LaZona, Señores Kamikaze, ¿no sería bonito que Miguel de Molina pudiera recibir, al fin, la ovación del público allí donde se la robaron?

FICHA:

Título: Miguel de Molina al Desnudo Autor: Ángel Ruiz Dirección: Félix Estaire Elenco: Ángel Ruiz Dirección Musical y Piano: César Belda Vestuario: Guadalupe Valero Iluminación: Juanjo Llorens Escenografía: Lúa Testa Diseño Cartel y Fotografía: Javier Naval Ayudante Dirección: Andrea Levi Lugar: Teatro Rialto

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En Un Entreacto Radio – Especial Teatros Luchana

Han pasado muchos días desde nuestro último programa y para compensaros por este largo periodo sin vuestra dosis de Entreactos, hemos querido salir con todo nuestro equipo y acercarnos a una de las salas que poco a poco se ha ido haciendo un hueco en la cartelera madrileña: Los Teatros Luchana. En esta ocasión nos escapamos del estudio para hablar con el equipo directivo de los Luchana en su propia casa y conocer alguna de las propuestas que tienen en cartel como son la de Elena Lombao con Sufrida Calo y The Funanviolistas.

¡Bienvenidos a En Un Entreacto Radio!

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Sole Sola

En «Sole Sola», texto escrito por Carlos Crespo, regresamos a la temática del postureo, las redes sociales y sus consecuencias -Curiosamente son temas recurrentes en las últimas crónicas que he publicado por aquí- En esta ocasión nos adentramos en el mundo de Sole, una Youtuber de éxito, con miles de seguidoras (y un seguidor) atentos a sus consejos de belleza. Lo que no saben sus seguidoras es que bajo esa imagen alegre y chispeante de su Vloggera favorita se esconde un alma dolida y resentida que está perdida entre envidias y sueños incumplidos, que pelea con uñas, dientes y cualquier tipo de artimañas por seguir a flote… Quizá sea el momento de aceptar su fracaso…

Así dicho parece que cuando vayamos a ver «Sole Sola» nos vamos a topar con un dramón, ¡nada más lejos de la realidad! Esta función dirigida por Natalia Mateo es una comedia que supura mala leche y acidez por sus cuatro costados. Una comedia que, aprovechando la bilis que domina a su protagonista, nos muestra el otro lado del espejo, o mejor dicho el otro lado de la pantalla, de lo que vemos en nuestras redes sociales; la realidad que se esconde tras esos estados de ánimo «buenrolleros» en Facebook, esos comentarios repletos de palabras amables y emoticonos sonrientes. «Sole Sola» retrata lo que sucede cuando la cámara se apaga tras frases llena de positivismo como con la que rubrica sus consejos nuestra protagonista: «Deditos arriba». Puro postureo, un juego al que todos nos entregamos.

Una comedia rabiosa, de dientes apretados y lágrimas que se desbordan involuntarias. Un «Me cago en la puta» gritado desde la frustración. «Sole Sola» está llena de actos desesperados, irreflexivos. Está cargada de todas esas cosas que cualquiera de nosotros haría cuando la ira nos domina, pero que jamás confesaríamos ante nadie. Nos muestra la bajeza a la que podemos llegar cuando vemos que nuestros sueños están destinados a otros: ¿Por qué la vida me trata así? ¿Qué he hecho yo para merecer esto? ¿Por qué todas las cosas buenas les pasan a los demás? Sole es el equivalente humano al Coyote que en vez de utilizar artilugios marca ACME, se sirve de Ebay y cuanta tecnología se encuentre a su alcance… ¿Lo malo? Que ya sabemos cómo funcionan los trastos en manos del Coyote, ¿no? Un personaje potente, políticamente incorrecto, rastrero, sucio y desesperado, con el que acabamos por identificamos precisamente por ser así, porque todos en alguna ocasión nos hemos entregado a esa misma mezquindad con la que Sole actúa, o al menos hemos querido hacerlo.

Úrsula Gutiérrez es la encargada de asumir el reto de soportar sobre sus espaldas un monólogo como el escrito por Carlos Crespo, en el que el personaje se mueve en diferentes planos, manteniendo su soliloquio a la vez que finge escenas con otros personajes y se comunica a través de su PC. Úrsula entra en la función algo titubeante, insisto en lo que ya he dicho muchas veces: Lo de hacer una sola función a la semana no ayuda, y eso se traduce en que el texto no termina de fluir con la naturalidad que debería, pero poco a poco se envalentona y tira con el personaje, ganándose nuestro favor, y es que todos nos sentimos que somos los antagonistas en la vida, como ella.

Sole es un bombón de personaje, que se puede permitir muchas licencias y cuanto más al límite lo colocan, más atractivo resulta. A mí el cuerpo me pedía que Natalia Mateo hubiera querido rizar el rizo y, ya que Sole se mete en el fango hasta las cejas, se la hubiera llevado aún más al terreno de lo soez y lo escatológico como subrayado a esa amargura coplera tan acertada. Creo que el final hubiera sido una catarsis magistral. Solo es una opinión, pero creo que Sole da para ello.

«Sole Sola» es un divertido paseo por ese lado ruin de la vida, es como quitarse el corsé y respirar profundamente nuestro fracaso a golpe de carcajada.

FICHA:

Título: Sole Sola Autor: Carlos Crespo Dirección: Natalia Mateo Elenco: Úrsula Gutiérrez Escenografía: Javier Cala Maquillaje y peluquería: Chus Reyes y Virginia Hernández Producción: Edu Díaz Lugar: Teatro Lara (Sala Lola Membrives)

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Cómo Amar al Ministro de Cultura

Tres culturetas de medio pelo que quieren comerse el mundo a golpe de postureo, se trasladan del pueblo a la ciudad. Arrancan con una vida rebosante de tópicos, sumándose a lo que ven y al estilo de vida que, se supone, les rodea. Tres almas inocentes, deslumbradas, que se dan de bruces con una realidad que tira por tierra todas sus ilusiones y que les obliga a encontrar un remedio «a la desesperada». Esta es la premisa desde la que parte «Cómo Amar al Ministro de Cultura», una función escrita por Enrique Olmos de Ita, reflejo del estado actual en el que se encuentra la sociedad y, sobretodo, la cultura. Un retrato en clave de esperpento moderno, de juego de comedia gamberra, delirante y muy pasada de vueltas.

«Cómo Amar al Ministro de Cultura» es la nueva propuesta que nos trae la compañía El Hangar que, tras su anteriores montajes, que aún siguen vivos, «Pedro y El Capitán» y «La Noches Justo Antes de los Bosques»; ahora optan por la comedia sin dejar de la lado el teatro de crítica social, rasgo que ya los define como compañía. En esta ocasión han contado en la dirección con la visión de Chiqui Carabante, de quien ya sabemos, a través de sus trabajos desde el Club Caníbal, lo que le gusta andarse por el filo de lo políticamente correcto y trabajar propuestas no recomendadas para cualquier paladar.

Una función de trazo grueso, nada complaciente, que habla del estúpido empeño en las apariencias huecas, de la desesperación del oprimido, de lo poco que hemos evolucionado política y socialmente e incluso juguetea con el «cuñadismo» y que critica la política cultural a golpe de sorna; de personajes estereotipados y caricaturescos bien jugados por Antonio Aguilar, Luis Miguel Molina Rincón, Mónica Mayén y Chete Guzmán, que se entregan al delirio desatado que Chiqui Carabante propone; sobretodo Chete Guzmán, quien se da a su personaje de una manera que estremece; aún dudo si lo que vi es fruto de un magistral ejercicio de control físico y escénico o de un, peligroso, descontrol de energías, pero a mi me tuvo con el alma en vilo durante todo su desvarío.

«Como Amar al Ministro de Cultura», a pesar de su tono enloquecido, pretende volar lejos de la comedia de carcajeo irreflexivo. Quizá la función se pierde en favor de ese desbarrar del Ministro de Cultura, que es un poco la caja de fuegos artificiales de la función, y se olvida de sacar un poco más de punta a esos tres desgraciados que tienen mucha más «chicha» de la que lucen, dejándome una sensación final de cierto emborronamiento. Una función divertida, de momentos reseñables como el instante del teléfono erótico, magnífico, o cualquiera de las experiencias narradas por sus tres protagonistas que es donde reside el verdadero brillo de este montaje, ese alma de sabor amargo que porta esta comedia.

FICHA:

Título: Cómo Amar al Ministro de Cultura Autor: Enrique Olmos de Ita Director: Chiqui Carabante Elenco: Antonio Aguilar, Luis Miguel Molina Rincón, Mónica Mayén y Chete Guzmán/José Emilio Vera Escenografía: Walter Arias Iluminación: Nerea Castresana Producción: Compañía El Hangar en colaboración con Diputación de Córdoba y Teatro Nueve Norte Lugar: Teatro Nueve Norte.

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Comedia Multimedia

A estas alturas, la tecnología y lo virtual son parte fundamental de nuestras vidas, podría decirse que es nuestro segundo hogar. Prácticamente nos pasamos más tiempo en ese entorno virtual que en nuestro entorno real -Mírate leyéndome- y, sin embargo, aún nos resulta todo un misterio. Quizá sea por eso por lo que la calificamos de «nueva» a la tecnología, porque, a pesar de tenerla tan integrada en nuestra vida diaria, aún no llegamos a comprenderla; evoluciona más rápido que nosotros, a pesar de ser nosotros sus creadores, y esa nos produce una sensación de descontrol que nos domina, sentimos que estamos a su merced y teorizamos sobre la amenaza que supone y nos reímos de nosotros, perdidos y enredados entre redes…

«Comedia Multimedia» nos invita a viajar acompañados por cuatro personajes: Link, Bit, Click y Miss Web, con los que saltaremos a través de un buen ramillete de sketches contados y cantados desde el humor para asomarnos al mundo de las redes sociales, el cibersexo, las adicciones, el «enamoramiento» en el mundo Geek e, incluso, las propias tragedias griegas. Y lo hacen creando un entorno virtual que nos ofrece un producto revolucionario, al alcance de cualquiera, con sensaciones en 4D y que es de lo más novedoso a pesar de llevar con nosotros más tiempo del que pensamos, pero no seré yo desde aquí quien te lo desvele… Tan sólo hay que relajarse y disfrutar.

A través de «Comedia Multimedia», Yayo Cáceres y Álvaro Tato, nos dan un paseo por este divertimento al más puro estilo «Ronlalero», repleto de canciones y música en directo, que salta con toda naturalidad del Hip Hop al bolero, que juega a entrelazar la temática tecnológica con melodías tradicionales, que se apoya en textos clásicos, que los manosea y los transforma, que los homenajea y los moldea -¡Viva la hipertextualidad!-. Fabuloso e inteligentísimo trabajo de Álvaro Tato, siempre con ese regusto juguetón y algo «cabroncete». «Comedia Multimedia» se presenta ante el público para mostrarnos que los juglares se han adaptado a los tiempos y siguen en plena forma, queriendo retratar a través del humor, lo que sucede en nuestro entorno. Una visión desprejuiciada, bufonesca y algo cabaretera, que nos mantiene con una sonrisa constante en la cara. Un espectáculo de factura sencilla e impecable -Nunca debería ser de otra manera- Con una cuidadísima iluminación de Miguel Ángel Camacho que es una delicia o un estupendo vestuario de Tatiana de Sarabia.

Sinceramente, me hace feliz encontrar artistas del calibre de Inma Cuevas (¡nuevamente rendido a sus pies!), Francesco Carril, Jacinto Bobo y Fran García. Es un placer como espectador encontrarse con un elenco tan equilibrado que nos hace disfrutar con la facilidad y el talento con el que dan vida al sinfín de situaciones salidas de la mente de Álvaro Tato. Cuatro artistas a los que les da igual lo que se les eche, ya sea cantando, actuando, tocando instrumentos o todo ello a la vez. Saben llevar a buen puerto, ¡jugando!, cualquiera de las situaciones que Yayo Cáceres les propone. Quizá algunos sketches se alargan más de la cuenta y pierden el tono, pero enseguida lo recuperan con un guiño, enganchándonos nuevamente al divertimento y contagiándonos de ese ambiente festivo con el que se nos presentan.

«Comedia Multimedia» es un espectáculo vivo, divertido y de calidad que eleva el género al lugar que le corresponde. ¡Así da gusto ir a divertirse al teatro!

FICHA:

Título: Comedia Multimedia Autor: Álvaro Tato Dirección: Yayo Cáceres Elenco: Inma Cuevas, Jacinto Bobo, Francesco Carril y Fran García Música: Yayo Cáceres (Composición), Álvaro Tato (Letras) Vestuario: Tatiana de Sarabia Iluminación: Miguel Ángel Camacho Espacio Escénico: Marta Leiva Producción: Emilia Yagüe Producciones, Kendosan Producciones Lugar: Teatro del Bosque (Móstoles)

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Escuadra Hacia la Muerte

«Escuadra Hacia la Muerte» de Alfonso Sastre es uno de los textos más representadas por las compañías de teatro aficionado. Yo mismo, cuando comencé a coquetear con el teatro, trabajé sobre ella y aunque ahora me parece que el texto ha envejecido fatal, no puedo dejar de agradecerle que fuera uno de los culpables de mi interés por el teatro. El caso es que el CDN ha querido recuperarlo para el teatro profesional y volver a ponerlo sobre las tablas del María Guerrero, allí donde vio la luz por primera vez.

Como digo, creo que el texto, visto y leído en la actualidad, resulta acartonado. Sí, es un canto antibelicista que aboga por el sentir del ser humano enfrentado a semejante conflicto y al propio hombre –«El infierno son los otros»- un mensaje que hoy en día sigue vigente, pero que en «Escuadra Hacia la Muerte» se nota descascarillado y  que por mucho que Paco Azorín haya querido decaparlo y volver a pintarlo, situándolo en una posible futura 3ª Guerra Mundial y dándole un toque de misticismo con ese final alternativo, con la ascensión y nuevo comienzo del alma pura del personaje de Jan Cornet, no deja de notarse que es una pieza que no ha envejecido bien. Una adaptación que, con muy buena intención por parte de Paco Azorín, reafirma todo esto al pretender enfatizar su mensaje apoyándose en las palabras de otro autor: Berltolt Brecht, para ofrecer lo que la propia función no es capaz de dar. Sí, es una opción tan válida como cualquier otra, pero no entendí ese ruptura a cada cuadro en plan rapsoda «modernoso» para hablarme de los dramas bélicos en boca de otro autor, al espectador lo arrastra constantemente fuera de la acción. Ilustra, sí, pero no aporta. Al igual que la música en directo tocada por los propios actores, ¿por qué? y esa manía de hacer que la violencia sea tan «de mentira», por favor, un poco de imaginación para resolver situaciones, está bien que partamos de la base de que todos nos prestamos a jugar a creernos lo que sucede en el escenario, pero así no.

Dicho esto, ya podéis imaginaros que los esfuerzos por remar a favor de la función se hacen prácticamente imposibles. Es cierto que la escenografía ideada por el propio Azorín es estupenda, esas dos alturas que nos dan la sensación de encierro, de aislamiento o la imposibilidad de una mínima intimidad, es todo un acierto, a excepción del batiburrillo de instrumentos en el extremo del escenario, un pegote que no hace más que ensuciar; o las luces de Pedro Yagüe y el juego de proyecciones de Pedro Chamizo que son impecables, una forma maravillosa de generar atmósferas asfixiantes y hacer avanzar la función, son el gran punto a favor de este montaje. Un apunte: No sé qué sucedió el día que vi la función, pero los cambios de sonido entre los cuadros y los recitados eran espantosos, era exasperante ver que nunca entraban a tiempo.

Del elenco tan sólo me quedo con Iván Hermes, es un placer escuchar y ver cómo construye el dibujo de su personaje, da igual el momento de la función en la que se encuentre, siempre con convicción. También compré lo que Unax Ugalde me ofrecía, hasta que se estanca y deja de fluir, acabando por resultar monótono, lástima. Del resto sólo vi sobreesfuerzos por llegar al personaje y líneas de diálogo sin convencimiento alguno. Una elección de reparto que no termina de funcionar ¿qué hubiera pasado si hubiéramos mantenido los mismos miembros del elenco, pero dándoles diferentes papeles? Quizás…

FICHA:

Título: Escuadra Hacia la Muerte Autor: Alfonso Sastre Elenco: Jan Cornet, Iván Hermes, Carlos Martos, Agus Ruiz, Unax Ugalde y Julián Villagrán Escenografía: Paco Azorín Iluminación: Pedro Yagüe Vestuario: Juan Sebastián Domínguez Espacio Sonoro y Vídeo: Pedro Chamizo Movimiento: Carlos Martos Asesor Musical: Isaac M. Pulet Lugar: Teatro María Guerrero.

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Víctimas

La Sala La Usina cumple estos días sus primeros 10 años de andadura y, junto a ella, Teatro del Sótano hace lo propio con su función «Víctimas», que la rescata para volver a subirla a los escenarios 20 años después de su primera puesta en escena. Dos declaraciones de intenciones que tiran abajo el peso de las décadas a golpe de convencimiento.

«Víctimas» de Francisco de los Ríos, es un texto duro, seco, de ambiente viciado. Un texto que nace para incomodar adentrándose y explorando el lado tenebroso de las relaciones humanas; invitándonos a bajar a ese Sótano que les da nombre para contemplar la trastienda de nuestras conciencias. Para ello se sirve de los dos hermanos protagonistas de la función, dos hermanos que acaban de enfrentarse cara a cara con la muerte, que la tocan con su manos, que han hurgado en sus tripas, despertando un ser monstruoso que se ha materializado a través de sus miedos y que ahora les aguarda entre las sombras, observándoles agazapado, esperando a que la locura y la desesperación se apodere de ellos para abalanzarse y despedazarlos.

Francisco de los Ríos pone en escena esta historia que supura dolor y que penetra en el mundo de los abusos, del miedo y la venganza. Que nos muestra ese punto de no retorno, esa especie de purgatorio en el que se adentran los dos hermanos, cuando abandonan la cordura y se entregan a la deriva de la desesperación y la muerte, una apuesta muy personal y, por qué no decirlo, complicada de digerir, pero es que así también es el teatro; «Víctimas» busca impactar y sigue manteniendo el regusto de teatro independiente de los 90, ese que gustaba de experimentar más allá del resultado final, pero que, sin embargo, se me queda corto.

Yo esperaba que «Víctimas» me arrojara un cubo de vísceras a la cara -En sentido figurado- que me hiciera salir del teatro sacándome de encima restos de la propuesta; después de ver cómo Jennifer Baldoira y Germán García se desgarran en escena, teniendo dos actores tan predispuestos, pensaba que todo terminaría en una debacle que me dejaría clavado a la butaca. A estas alturas el espectador es una jauría rabiosa y hambrienta que espera un éxtasis casi orgiástico y hay funciones que no, pero una propuesta de este calibre lo pide. Uno espera que las consecuencias a las acciones de sus protagonistas le revuelvan y, cuando eso parece que va a suceder, el giro se me queda tímido. Quizá mi entrega como espectador iba más allá de lo que se me pretendía mostrar, todo es posible, pero es que cuando veo una compañía que se planta en escena con toda la carne en el asador, espero que sea con todas las consecuencias. Me encanta escandalizarme e incomodarme y «Víctimas» por texto e intérpretes, no se pueden negar los méritos, tenía todas las papeletas.

«Víctimas» es como asomarse por el quicio de la puerta de la entrada a uno de los círculos del infierno -Así, a lo Dantesco- y mirarlo fijamente, luego hay que salir de ahí.

FICHA:

Título: Víctimas Autor: Francisco de los Ríos Elenco: Jennifer Baldoria, Germán García Iluminación, Sonido Ambiente y Música: Francisco de los Ríos Producción: Teatro Del Sótano Lugar: Sala La Usina

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En Un Entreacto Radio – Historias de Usera y Yougur-Piano

Tras la pausa quincenal, En Un Entreacto Radio regresa para traeros una pizca de la actualidad que se cuece en los escenarios. Haremos nuestro habitual repaso de la cartelera madrileña y recibiremos en nuestro estudio a parte del equipo que hace posible “Historias de Usera”, un montaje con el que la Sala Kubik Fabrik echó el telón la temporada pasada y que ahora ha resurgido desde las tablas del Matadero y con “Yogur-Piano” propuesta que fue y está siendo la sensación del circuito off agotando localidades función tras función y que explora nuevas texturas escénicas a través de las emociones.

¡Bienvenidos a En Un Entreacto Radio!

GETAFERADIO · Historias de Usera y Yogur-Piano en la quincena Entreactera
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