En Un Entreacto

Ya había tenido la ocasión, y porqué no decirlo, fortuna, de haber podido disfrutar de «La Hostería de la Posta» y «Los Desvaríos del Veraneo», montajes de la Compañía Venezia Teatro, así que con esas dos funciones como garantía, no he querido dejar pasar «La Isla de los Esclavos», espectáculo que realmente ocupa el segundo lugar, cronológicamente hablando, en la vida de la compañía.

Entre Goldoni y Goldoni, Venezia Teatro juega con un Marivaux. Una propuesta diferente, que se desmarca de sus hermanas en un ejercicio de estética y género completamente diferente y que viene a plantearnos cuestiones tales como el compromiso que conlleva la libertad o el abuso del poder, y que dicho así, parece poca cosa, pero que sin embargo da para una larga reflexión tras la función.

La historia nos cuenta como Eufrasina e Ifícrates, junto a sus dos criados Cleantis y Arlequín, sufren un naufragio y van a parar a la Isla de los Esclavos, lugar donde los amos pasan a ser los sirvientes de los que antes estuvieron a su servicio. En esa isla habita Trivelín, quien les da un corto plazo para que cada uno de ellos asuma el rol del otro, nombre incluido, y logren entender y perdonar el comportamiento pasado de su antigua vida en Atenas.

Como digo, es una propuesta que da un giro tanto en el lenguaje escénico como en el género; José Gómez, en este montaje opta por la estética preciosista del blanco sobre negro, diferenciando así los status sociales por colores y ofreciéndonos toda una gama de tonos grises a la que optar dentro de la libertad que se nos ofrece. Un suelo como tablero de ajedrez circular, ¡bellísima y fascinante creación! por la que los personajes se mueven en esta pugna por hallar los valores personales y sociales. La historia aparentemente quiere aleccionar al espectador a la vez que a sus protagonistas, haciendo que todos reacciones en ese final en el que tanto personajes como espectadores nos rebelamos y posicionamos, tomando verdadero partido en lo que acabamos de vivir. ¿Buscamos ser poderosos? ¿Estamos preparados para sentirnos libres y gestionar esa libertad como es debido?  ¿Sabemos perdonar? Son solo una pincelada de las cuestiones que se nos plantean desde esta propuesta.

Los Venezianos se arriesgan y salen airosos de un texto que cambia de género por momentos, que supone un reto interpretativo, que tan pronto te hace reír como reflexionar sobre si estamos riéndonos de lo debido o incluso en contra de nuestra forma de pensar, que es complejo en su ejecución y que a primera vista incluso podría no atraer por, como digo mas arriba, ese tufillo aleccionador que desprende, pero del que sabiamente se desprenden con un solo manotazo.

Un juego escénico brillante, enérgico y bien interpretado. Los cinco componentes del elenco están a la altura y son altamente disfrutables, y esto que digo que suena ciertamente prosaico, es algo que a mi juicio es sumamente importante para llevar a buen puerto una función. Tanto Ana Mayo, Borja Luna y Antonio Lafuente, miembros estables de la compañía, como Iris Díaz y Javier Lago son una más que apetecible materia prima con la que José Gómez logra aportar una particular luz este montaje. Ana arrasa con su personalidad, Borja aporta la vitalidad y energía, Antonio el peso escénico, Iris el sentimiento y Javier la sobriedad. Y si a eso se le suma la cuidada escenografía y vestuario de Sara Roma, pues nos encontramos ante un montaje de esos que hay que explorar.

Me aventuro a decir que Venezia Teatro es una compañía que ya tiene un estilo propio muy recomendable; que a través de sus tres montajes han ido desarrollando un gusto exquisito por el teatro que ponen sobre las tablas, y no solo hablo en lo que a estética se refiere, que son impecables, lo digo porque además se les nota oficio, mamado de todos esos trabajos externos que desempeñan y que inteligentemente plasman en estos otros más personales en los que se embarcan; y algo muy importante, las ganas,  esas que hacen de un montaje, por humilde que sea, algo grande, vibrante y de calidad, que falta nos hace y agradecemos; y esto que digo se ve en la luz que cada uno de ellos desprende tanto como compañía como individualmente, en la generosidad que poseen en cada una de sus propuestas, en cómo saben transmitirlo desde el escenario y en la entrega con la que se exponen.

Un teatro bello, comprometido y con contenido.

Título: La Isla de los Esclavos Autor: Pierre de Marivaux Lugar: Nave 73 Elenco: Iris Díaz, Antonio Lafuente, Javier Lago, Borja Luna y Ana Mayo. Esecenografía y Vestuario: Sara Roma Iluminación: Marta Cofrade Dirección: José Gómez

La memoria es caprichosa no tiene una forma lineal de recordar las cosas, va, viene, vuelve a retroceder, enlaza lo que aparentemente no tiene relación y provoca que nuevos recuerdos broten en los momentos más inesperados, y así sucede con Elegy. Una historia contada en fragmentos, como los de los corazones rotos desde los que emanan estos recuerdos. Corazones rotos por el amor, por la soledad, por el rechazo, por la pérdida… pero también contada desde las sonrisas, la inocencia, las miradas cómplices, las caricias y los besos, que también habitan en esos mismos fragmentos.

Una historia que nace de la rebeldía de una mano izquierda que lucha por tener su propia identidad y que crece hasta convertirse en la inmensidad de toda una población.

Elegy es la historia de multitud de voces que habitan en la clandestinidad, de cuerpos amontonados, del eco de los abrazos, de la incomprensión, de la diferencia, del castigo por amar, pero a la vez de la lucha por no olvidar, de una huida hacia adelante por preservar un recuerdo y la voz con la que poderlo contar.

Un texto escrito por Douglas Rintoul basado en las entrevistas que tuvo el fotoperiodista Bradley Secker con refugiados iraquíes homosexuales que se ven obligados a huir a Siria por la persecución a la que son sometidos en su propio país. Un golpe al recuerdo en forma de monólogo, dirigido por Carlos Alonso Callero  e interpretado por Andrés Requejo, que destapa el dolor de quien tiene que exiliarse por las creencias y la incomprensión de un pueblo.

Este montaje es un canto al amor, que comienza con esa primera vez que un niño descubre que la palabra «amistad» se queda pequeña para la inmensidad que siente dentro del pecho hacia su amigo y que no puede definir con palabras, pero que, sin embargo, puede demostrar con tan solo un roce o una mirada cómplice… Ese amor viaja, imperturbable, en el tiempo, pero el destino querrá colocarles en el sitio menos adecuado para expresarlo abiertamente y les llevará a sufrir una persecución que vendrá dada de la mano con la tragedia y el exilio.

Todo esto contado así puede sonar excesivamente tremendo, y desde luego que el tema da para ello, pero que sin embargo, tanto Carlos Alonso Callero como Andrés Requejo, ayudados por todo ese equipo que les acompaña en este viaje, han preferido romper con la oscuridad en su lenguaje y afrontar el drama desde la luz, provocando la sonrisa cómplice del espectador, fórmula perfecta para calar hondo en cada uno de nosotros y descubrirnos que, además del exilio y de la pérdida, de lo que realmente se habla es de la esencia de la vida, de ese sentir que no se apaga y que es mucho más fuerte que cualquier persecución o vejación o tortura que se pueda infligir a un cuerpo, la que los amantes sienten; esa que permanece más allá de la vida y la muerte y que queda absolutamente patente en estos personajes sin nombre que habitan en el interior de Elegy, de estos seres poseedores únicamente de una inicial como identidad porque deben permanecer ocultos por seguridad, o porque realmente no son solo un individuo, si no la voz de una inmensidad a la que se le pretende obligar a sentir como los prejuicios imponen.

El maravilloso y delicado trabajo que ejecuta Andrés Requejo es digno de alabanza, aún le queda camino para alcanzar la redondez, son pocas las funciones, pero ya hay tanta belleza en lo que ofrece, transmite tanto sentir, tanta verdad y honestidad en dosis tan cuidadas que, cuando posa sus ojos en nosotros, entendemos todo la carga de esta historia; es más, desde el mismo momento que, dándonos la espalda, comienza a contar a través de esa mano izquierda, que dice tantas cosas y que parece tener vida más allá de su dueño, ya nos tiene entregados.

Como dije en otra publicación sobre esta misma función, Andrés dibuja el texto en cuerpo y palabra,  tan importante es lo que nos cuenta a viva voz, como lo que nos muestra a través de sus movimientos, ¡qué belleza!, viajando junto a él a todos esos lugares desde los que nos desgrana la historia. Una silla es su único elemento, y creedme, no es necesario más, porque nosotros veremos todo lo que Requejo nos quiera mostrar e iremos allá donde nos quiera llevar.

Los saltos en el tiempo, de la inocencia de la niñez, en ese río donde comienza todo, a esa sala de interrogatorios llena de palabras tergiversadas, o desde ese otro río que es sinónimo y antónimo, dependiendo de su orilla, pues le entrega libertad, soledad, esperanza y desarraigo a partes iguales, a esa plaza donde el dolor y la muerte convierten en eternidad el amor de esos amigos, contienen un grito de libertad y de vida tan sobrecogedor que incluso ahora, mientras os lo estoy contando, el sentimiento atenaza la garganta recordándolo.

En Elegy bella es la interpretación, bella la propuesta escénica, el movimiento, la música, bella es la puta tragedia que arroja y bello es el amor que dibuja. Y todo es debido a que está contada desde una realidad llena de denuncia y desgarradora brutalidad, pero rebosante de un poético sentimiento de amor por vivir la vida fieles a nosotros, luchando por nuestra identidad, como esa mano izquierda.